分類: 影視評論
為愛出走：恐懼的浮雕
有人偏好腥濃重色，來描繪恐懼；有人則是選擇清淡側筆，其實美學效應各有擅長，就看觀眾的接收頻率了。《為愛出走》能在歐洲影壇大放光芒，關鍵就在於它的雪色選擇，具現了一個威權時代的色彩。
南方小羊牧場：青春夢
非常台灣，非常青春。有一點傳奇，一點寫實，再加上一點純情，侯季然執導的《南方小羊牧場》完成了熱力四射的青春夢想。
長度不過百餘公尺的台北市南陽街是知名的補習街，過去半世紀來，考高中、大學、留學或者國考的年輕人，都適合來這裡取經練功，青春的追求與挫敗，青春的駐足與呼吸，讓這條全台北補習班最密集的小街，有了最多元生命力。從「南陽」變成「南方小羊」，再把「補習班」轉化成為「牧場」，趣味橫生的修辭學，不落俗套，卻又充滿綺情迷思，這款電影片名，已經充份說明了身兼編劇與導演的侯季然，要把青春心緒還諸童話綺夢的企圖。
《南方小羊牧場》的編劇手法稱得上嚴謹精緻：「傷情」開場，「情定」終場，期間靠著一張「我去補習了」字條的尋尋覓覓，主旋律輕快明確，結構細膩，讓人看到了男主角阿東（柯震東飾演）「眾裡尋她千百度」的癡情，既而又因為整理置物櫃，起了「物歸原主」的行善動念，帶動出一連串溫情故事，更是用「浪漫糖衣」包裝了阿東的善行善念，極度純情化的人物雕塑，讓青春得能緊緊沾黏著「無邪」主題，因而討喜。
除了阿東尋情記，《南方小羊牧場》另外還有幾段副歌，從黃金炒飯哥到小羊，年紀輕輕，卻已各有刻骨銘心的傷情往事，小兒女的小情歌，雖然被放大成張愛玲在「傾城之戀」中所說的：「生在這世上，沒有一樣感情不是千瘡百孔的。」卻沒有那麼悲壯的控訴，幾回委婉清唱，從紙飛機到蛋炒飯，甚至那隻走失的狗狗，都散發著清爽悅耳的能量。
重視細節的導演都能從細節中得到能量，侯季然在前作《該死的茱麗葉（即三段式電影《茱麗葉》的第一段）》中，從鉛字印刷廠，找回了白色恐怖年代的驚魂記憶；既而又在《小夜曲（即20段式電影《10┼10》的一段）》中，重建了當年廣播音樂節目的現場播音場景，舊日風情，躍然銀幕，非常動人。這一回，更在《南方小羊牧場》中積極經營「尋常小物件，深藏人間情」的細節，光是老式置物櫃，不但讓人看見了「男女共一櫃」的「近水樓台先得月」的奇緣，也衍生出「被遺忘的時光」的老友重逢趣味，看似不起眼的一點小聰明，卻有餘韻萬千，還真有「舉重若輕」的功力了。
此外，「小羊與大野狼」在考卷上的漫畫接力，亦堪稱神來一筆。不停寫考卷，是補習班填鴨教育的萬靈丹，在補習班的必備元素上做文章，就突顯了南陽街的地理與人文特色；其次，小羊的塗鴉算是抒情小品，大野狼的突然加入，則多了互動趣味，讓學子得著了騷動的喜悅，也讓小羊與大野狼有了「筆友」的對話默契，鋪下了順理成章的愛苗；第三，「小羊與大野狼」的出現，更讓電影得以透過動畫來註解青春的思緒，為幅員有限的南陽街，多了異色呼吸空間。
至於子夜時分在館前路出現的「派報夾報工人」，以及不時在街頭躹躬哈腰送傳單或者舉牌子的打工學子模樣，都讓補習街風情有了更精準的符號紀錄，讓寫實與浪漫之間得到了迷人的平衡效應。
《南方小羊牧場》本質上只是一部青春小曲（同樣描寫補習班中的青春歲月，1980年代的台灣電影曾有過《國四英雄傳》的淒厲指控，侯季然卻避開了沈重的歷史包袱，改用當代青春的逐夢筆觸來撩撥時代印痕），但是單純卻不簡單，作品才有重量，侯季然因而花了不少力氣來豐富內容的可看性，例如泥偶動畫常見的「停格／stop-motion」技法，就成為阿東初到影印店工作時的趣味紀錄，不採「stop-motion」技法，無損青春滋味，用上「stop-motion」技法，就有了鮮趣；同樣地，在雲彩上書寫倒數數字的動畫，也有著「把思念託給雲彩」的詩情，侯季然顯然懂得如何取悅觀眾。
至於類似《駭客任務（Matrix）》中基努．李維（Keanu Reeves）在網路世界中穿越不動人群的人形立牌特效，亦成為「小羊與大野狼」這段戀情的攤牌背景，侯季然的刻意雕琢，有了讓人耳目一新的能量，再適時插進舊愛的適時現身，既是攪局，又是選擇，更是終結，一魚三吃的一網打盡，吊足觀眾胃口，更說明了侯季然說故事的技法已然更上層樓，更加自如了。
最重要的是，《南方小羊牧場》的選角極其稱職，柯震東、瑤瑤、蔡振南和聶雲都是擺對位置，又能發揮所長，至於飾演小羊的簡嫚書，天真浪漫的笑容與從容自在的肢體，都比十年前，在《藍色大門》中初試啼聲的桂綸鎂更加亮眼，是的，一個國片新世代，就從《南方小羊牧場》中展開了。
經典教父：老友重逢
上星期到戲院看電影，在電梯間看到《教父》、《教父續集》和《鐵面無私》的宣傳海報，「哇，經典電影也有重映的空間嗎？」我的心頭狂喜著，《教父》和《教父續集》都是我大學時期難以忘懷的經典，後來還多次一口氣看完錄影帶、影碟和DVD版本，沒有想到將近四十年後，竟然可以重溫經典。
今天接到電影公司的映演場次表，才發覺已經不是宣傳，而是真實要上映了，但是我有三個問題，第一，電影公司為何想要重映經典？戲院接受度如何？
第二，放映的是藍光版？還是拷貝？
第三，版權費貴不貴？
電影公司很給面子，很快就回答我：
第一，《教父》和《教父續集》是延續我們去年曾經做過的經典數位修復《奧黛麗赫本》和《希區考克系列》，這次放映的三部片是全新數位修復的DCP放映，而這個數位系列的版權與一般電影版權購買有所不同，僅有戲院兩到三個月的版權期間，因此後續也無法有數位修復後的DVD或藍光發行。如同演唱會的現場體驗，我們希望重現的是許多觀眾一起重溫大銀幕的珍貴經驗！
第二，此系列的實際映演期間，老實說仍須視戲院通路的考量安排，很有可能第一周票房不如預期，第二周就沒有場次了，仍舊得看戲院的現實考量。
我接受「許多觀眾一起重溫大銀幕」的說法，眾人看，一人看，確實是完全不同的經驗，而且銀幕越大，史詩的氣魄就更恢宏，《教父》的婚禮開場、醫院站崗、餐廳暗殺和教堂屠殺，真的是銀幕越大越震撼，《教父續集》的西西里島風情和舊紐約市街，同樣有著黑幫文明初創的氣魄，同樣需要大銀幕高畫質的再現，而且我相信，戲院的音響也比一般家庭好太多了。
電影公司也另外補充一些他們選片排片的論述，可以看到電影癡人癡愛電影的心，也算是補充回答了我的三個問題，轉貼如下，供大家參考。
關於『好萊塢經典』
好萊塢的經典，讓多少人在銀幕上找到了最完美的夢幻與浪漫，電影浪潮日新月異，不斷求新求變的元素，其實都是經典電影的濫觴。無論是浪漫愛情《羅馬假期》、希區考克《驚魂記》的驚悚懸疑始祖，還是永遠的《教父》馬龍白蘭度，都是大家如數家珍的經典。然而，這些經典電影卻只是影迷收藏櫃裡的美麗珍藏，永遠只能躲在家裡暗自讚嘆欣賞，苦無機會在戲院與同好共襄盛舉。
這一次，傳影經典(ifilm classics)將帶來全新體驗，在現代網路速成與資訊爆炸的年代，重新定義『經典』。全新數位版拷貝，讓經典電影重現戲院，帶領大家重回並發現那個黃金年代！接下來，將有更多經典電影和大家相約大銀幕見！
為何要在台灣發行經典影片?
相信不少影迷到國外重要的電影城市像紐約與巴黎，都會發覺在都會區的觀眾很幸福，好萊塢大片不缺、也有各式各樣首映的藝術影片，更重要的是，部分戲院努力保留許多觀眾的美好記憶，定期上映一些經典老片，還記得多年前在紐約的Film Forum戲院看了奧斯威爾斯的「歷劫佳人」（Touch Of Evil）的
放映形式?
以往在國外或視影展放映，幾乎都是重新修復的
為何是戲院放映?
科技讓很多經典重生，有人喜歡透過網路搜尋與觀賞各類經典，有人期待在家中觀賞DVD享受獨特的回憶，我們認為經典雖然有新的數位技術當後盾，但是觀賞環境希望回歸到像「新天堂樂園」的觀影環境中，一群觀眾一起歡笑、一起落淚，也因此才會希望回到戲院環境中展現它的魅力。但初期很難在檔期擁擠的影城戲院中常態放映，我們因此採取限定場次時間與戲院的放映方式，希望初期讓觀眾可以一起共同分享那段美好的放映時光，這樣當然就會犧牲一些便利與彈性，但是希望未來累積到一定觀眾之後，會有固定戲院願意持續放映，觀眾也就可以很容易的購票直接走進戲院選擇觀賞屬於自己的經典。
逆光飛翔：纖纖出素手
跳舞，對多數演員都是艱難挑戰，因為演與舞，意味著兩種不同動能的肢體伸展，敢於挑戰舞蹈的演員，都值得特別關注。
焦點不在勇氣，而在肢體柔軟；不在靠口白或者姿色取勝，而在肢體的協調整合。
1983年，虞戡平試圖挑戰歌舞片類型，拍出了載歌載舞，又挾帶社會邊緣弱勢議題的《搭錯車.》。那一次的音樂嘗試非常成功，陳志遠創作的「一樣的月光」及「是否」都已成為經典，侯德健的「酒矸徜賣嘸」，更把那一句時常在街頭聽聞的叫賣五聲音調轉化成為搖滾動能，至今傳唱未歇。那一次的舞蹈工程則是非常抱歉，女主角劉瑞琪未能轉化成為《酒店（Cabaret）》或《紐約．紐約（New York，New York）》麗莎．明尼里（Liza Minnelli），她在舞台上的賣力演出，就因柔軟度不足，給人僵硬比畫的感覺，未能疊現一代歌姬的肉身魅力，說服力就弱了不少。
會唱，不會舞，其實是多數華人歌舞電影的罩門，從1950-1960年代，台港影壇拍過不少歌舞片，片片都有動聽的歌曲，風靡一時，但是從鍾情、葛蘭、葉楓、何莉莉到胡燕妮，姿色第一，歌喉第二，舞姿則是最最殿後的陪榜本事了（古裝電影中的舞跳場面，則是眼神魅惑與美術花招多過肢體律動（從林黛、樂蒂到江青、鈕方雨皆然）。舞蹈從來不是華人影星的強項，也就少有人去挑戰舞蹈場面了。
2009年，郭珍弟導演拍出了以交際舞為主的《練‧戀‧舞》，找來了名模蔡淑臻擔綱，她有不為人知的黑暗色彩，亦有讓人驚豔的色藝身段，選角上確具魅力。但在戲份上，她的舞姿要讓一群老人撞見了舞蹈教室，目睹了她的曼妙舞姿，油生習舞熱情，就不能全靠老人的目瞪口呆輕輕帶過，還真的得有身體律動的感染，才有熱力四射的感染。讓觀眾「相信」演員真的會跳舞，而且跳得真好，難度極高。
點到為止，可能是創作者比較聰明的選項。《悄悄告訴她（Hable con ella）》中的女舞者Leonor Watling，不過是讓男看護Javier Cámara隔著窗子看見她在舞蹈教室中的舞姿，就墜入情網，驚鴻一瞥的短短幾秒鐘畫面，運轉自如的身體律動，就儲備了巨大的能量，完成了「眼見為真」的說服工程；同樣地，《偶然與巧合（Hasards ou coïncidences）》中，女主角Alessandra Martines還真的能跳古典芭蕾，從威尼斯的拍片初舞到後來舞台上的黯然情傷，每一回的舞蹈身手，就算不是頂尖，亦已算是有模有樣，夠讓人回味的高手了。
我只在《陽陽》中看過台灣女星張榕容的舞蹈身手，那部電影中她從田徑選手轉入表演，在與經紀人黃健煒搭檔練舞的那場戲中，先要以純熟的律動，展示她的發展潛力；既而要在貼身的肌膚與氣息互動中，滲透曖昧又複雜的男女利用關係，有型有戲，詮釋得極其精準。或許張榮吉導演同樣看到了張榕容的身體潛能，才會在《逆光飛翔》中給她更多的篇幅，讓她從小就有想跳舞的夢想，直到進入許芳宜的舞蹈教室才找到了信心與勇氣，願意以身試舞。
《逆光飛翔》的舞蹈戲當然是量身打造的特殊考量，不是張榕容真的能跳，不是想為許芳宜的舞魂留下一點雪泥鴻爪，《逆光飛翔》的劇本或許就是另外一副情貌了。不過，不管動機為何，最終還是要回到張榕容身上，從舒緩、忘我到自如，跳起舞的她確實少了稜角，多了自信神采，使得往夢想前進的腳步更加穩健，對照她被生活與感情所困的臭臉人生，就有了更清晰的對照能量。
不過，這些表演細節都還只是《逆光飛翔》的小節，電影最不凡的選擇是讓男女主角都只邁出了生命中的一小步而已，張榕容至少去報名國際舞團的甄選，過程中的悟覺與汗水，更勝過美夢成真的結果（太順利就太傳奇，太好萊塢似的蜜甜了），《逆光飛翔》不想明白告訴大家最後的甄選結果（最後只用一句閒談輕輕帶過），重要的是她已經繼續升學，繼續習舞了。
有了方向，飛翔的風景就全然不同了，同樣的邏輯也適用在黃裕翔的壓軸演出，他們只想人看見，不列入正式競賽，也不想知道評審老師會不會因此更改評選結果，重要的是他們用新的方式，展現了才情，也開發了音樂許可的詮釋空間。他們都還年輕，一切才正要起步，《逆光飛翔》的開放式結尾，一如舞者才雙手畫開氣流，正要翩翩翔舞，一張藏有無盡可能的空白支票，就讓觀眾自由填寫了。
逆光飛翔：河畔青草青
沒有了黃裕翔，不論是《天黑》或者《逆光飛翔》就失去了大半魅力；有了黃裕翔，《天黑》與《逆光飛翔》都得著了靈光。只可惜，《逆光飛翔》給予黃裕翔的角色深度與空間不夠多，未能累積更強烈的撼動。
《天黑》當年透過新加坡作曲家李愢菘的一首「天黑黑」，就在琴房與走廊間，將盲眼的黃裕翔的敏銳聽力與細緻心靈發揮到了極致，他聽見了走廊上先是爭執，繼而哭泣的女聲，讀到了情變與情傷的訊息，於是隨手彈出了「天黑黑」的音樂撫慰走廊上那位陌生的受傷心靈。看不見天光的他，天是黑的；失戀的情人，天不亦也是黑的嗎？他的深情樂音，讓琴房外的女郎張榕容有了貼心感受，也產生了悸動，於是就在樂音牽線下，兩個靈魂有了交集。
《天黑》是一部密度極濃的短片，但要從《天黑》發展成長片《逆光飛翔》，時間和篇幅都變長了，必需有更多的生命細節與血肉氣息，既然《天黑》是雙核心的架構，於是《逆光飛翔》的編導（其實導演同樣是張榮吉）兵分兩路，讓兩位主角都先多了些背景介紹，繼而再給了他們突圍翔飛的動能。只不過，編導顯然都陷進了商業電影的壓力困局：想要多一點戲，多一點演出（多一點專業演員的背書），多一點保險。以致於未能在戲劇情節上，盡情揮灑黃裕翔的特質，從他身上找到最有靈氣的養份，以致於做為一部勵志電影，難免給人意猶未盡的不飽足感。
《逆光飛翔》角色雕塑的工程是先確定黃裕翔的「純真」，故事從他即將遠離家鄉，北上求學說起，他在黑暗中的摸索與收獲，甚至坦然承受生命中所有的逆挫，都可以轉化成動人的青春傳奇；繼而則是給了張榕容一張「臭臉」，讓父母靠她打工供養，男友不知珍惜感情，家人亦不同意她去跳舞的三重壓力全都壓在她身上，因為「心苦」所以「臉臭」。也唯其如此，後來在黃裕翔的「純真」陪伴下，她展露的「歡顏」才得著振翅飛翔的力道。
只不過，銳利的聽覺、細膩的心靈，原本是黃裕翔最迷人的特質，《逆光飛翔》雖曾在他踏進校園的時刻，點到為止地呈現了他乍聞張榕容聲音，就為之驚豔的震撼，卻因為細節鋪陳不夠（不論是慢動作、器官特寫或者聲音對比……），未能為觀眾循聲找到那份美麗，印証那份心動；繼而在社團日上，要與室友從聲音中辨認美女時，再度聽見那個熟悉的聲音時，亦少了從聲音認人的趣味（觀眾都已先看見了張榕容的出場，預知結果，就無法感受黃裕翔看不見，只能聽見的興奮了）。一部聽覺的電影，未能在聽覺上勾勒美麗幻想，卻讓視覺搶了先機，或許正是感官不滿足的原因之一。
其次，傳奇電影往往需要奇觀。電影開場是黃裕翔和妹妹一起要從摩托車聲音來辨識來者何人，答案直指阿姨時，觀眾其實是一頭霧水的，因為那個答案，外人無法參與，完全欠缺共鳴，就錯失了頭一回的得分機會。
後來上音樂課，舉座音樂才子才女，卻只有黃裕翔能準確複製老師的考試琴音，那當然是一種炫技；但是如無後來他拿著身份証放在唇邊當簧片，邊吹邊彈，與樂團朋友一起完成「大黃蜂的飛行」的那一場音樂奇觀；亦沒有他指導其他眼盲孩子，從琴板震動感受音樂的魅力，《逆光飛翔》的音樂飽滿度，其實是不夠讓人驚豔的，這類令人歎服的音樂細節寥寥可數，就讓黃裕翔的音樂翅膀如同就被蠟給封困住了。
至於黃裕翔不想參加音樂比賽的情意結，回溯到童年時的心靈創傷，固然是很沈重的殘胞心聲，但是他要如何在「這一輩子唯一做得好的一件事」上找到最大的滿足，甚至強大到得以超越童年陰影，讓他能夠繼續悠遊於黑白琴鍵上，其實亦不是只能母親的嘴來訴說就夠的，如果編導能在這些細節上繼續挖掘，《逆光飛翔》的音樂層次與盲人心境，就會更有層次了。
當然，《逆光飛翔》曾經試圖去碰觸黃裕翔的愛欲憧憬，但也只局限在與室友「閃亮」的「男人」對話，同時也淨化了他對張榕容的想像（不管是聲音，或者臉頰的觸摸），一切就像裕翔妹妹連著問了好幾回的同樣問題：「妳是我哥哥的女朋友嗎？」不承認的微笑，當然是最聰明的回答，青春結伴許可各種可能，愛戀絕非《逆光飛翔》想要的答案，但是同樣的問題如果來反問黃裕翔，他會如何回答？是不是更有想像？
義大利電影《聽見天堂（Red Like The Sky/Rosso come il cielo）》的盲人小孩曾經留下一句名言：「紅色像天空。」看不見天光的眼盲孩子，卻可以透過灼熱的陽光，反過來形容紅色的感覺，輕輕一語，就很有立體縱深，《逆光飛翔》欠缺的正是這類獨特的感官言語。但是編導非常用心地加進了「不去比賽，別人就看不見我嗎？」和「如果最喜歡的事情，沒有辦法放棄，那就要更努力的，讓別人看到自己的存在。」這類的勵志對白，悄悄將感官電影轉化成了勵志電影，這種選擇，無關優劣，亦無關品味，卻在有意無意問，與一場美麗的風景擦肩而過了。
犀利人妻：撈錢的藝術
君子愛財，取之有道。《犀利人妻最終回：幸福男，不難》則是取之有術：話題不少，票房不錯。只是格調不高，遺憾也不少。
要讓觀眾心甘情願掏錢買票進戲院，或者讓廠商迫不及待捧著銀子上廣告，絕對是電影行銷學上最難修的一堂課；花了錢，又能喜逐顏開，滿心歡喜地離開戲院，則是電影創作學上更難修的一堂課了。
前者，《犀利人妻最終回》高奏凱歌；後者，《犀利人妻最終回》就算被罵得滿頭包，卻也未必在意。
《犀利人妻最終回》與觀眾打的期約關係是：電視劇沒講完的劇情，刻意留下的懸疑巴尾，留待電影中告訴你，光是這一前提就能在台北市創下五千萬票房（全台破億），只證明了《犀利人妻》電視劇的劇情確實牽動著許多民眾的心（尤其是婆婆媽媽姐姐妹妹），未曾交代的懸念，才能吸引這些族群告別小螢幕，迎向包裝得更加甜美與光鮮的大銀幕。
摩登與柔焦是《犀利人妻最終回》刻意挑揀的包裝紙。「柔焦」的軟調特性，讓全片散發著夢幻般的氣息；「摩登」的時尚連結，讓在都市紅塵中翻滾的時尚男女，都能沾上前衛的消費達人氣息。摩登與柔焦的組合正是傳統偶像劇的慣用公式，其實也是1970年代瓊瑤小說帶動風潮的三廳電影的愛用招式，《犀利人妻最終回》的賣座其實反應出一種陳腔濫調的「文藝復興」：一種明明已經過時，卻在舊酒釀新醅的策略運用上，掌握住讓人動心的小情小愛，挾著賣座紅威，儼然成為時髦主流。
然而，《犀利人妻最終回》的票房大捷未必是電影人的喜事，反而有著更多的隱憂。因為，一部從頭到尾只顧著賺錢的電影（我能夠了解拍攝者開發財源，分擔投資風險的企圖心，卻難以理解何以如此失控？），只因為搶錢搶到走火入魔，削弱了戲劇骨肉，留下了極多的空虛與失落，難道，賺錢才是這部從電視走向電影的創作的終極思考嗎？
首先，《犀利人妻最終回》有一半的內容，其實可有可無，悉數刪掉亦不至影響劇情，因為你看到的不是有血有肉的電影，而是花色繽紛的廣告大拼盤。偏愛置入行銷的《犀利人妻最終回》，舉凡食衣住行，無處沒有廣告置入，而且不忘特寫，不忘點名，所有的設計都強調「露出」，都足以讓置入廠商欣然「驗收」，電影對商品的忠誠，遠勝過對觀眾的期約，渾然忘卻了嚴重失衡的廣告比例，無所不在的商品販賣，其實是在唬弄觀眾。
其次，忙著穿梭在商品中的演員成了推銷員，不論是傷情或歡情的心情，都只是披上了華麗卻又膚淺的外衣，看不到靈魂（對溫暖與陪伴的渴望），亦看不見內心（對婚姻與幸福的焦慮），一切都停留在表象上，都只是浮光掠影的拼貼，因此，有如蝴蝶飛過，擺足了pose，一陣眼花撩亂後，卻獨缺值得回味咀嚼的細節，少了刻骨銘心的共鳴，只剩下廉價的糖衣。
隋棠的美麗，在謝安真纖細的腰身，始終甜美微笑，偶而迷糊的個性中，依舊有著動人的神采，電影試圖透過林盈臻（大元）飾演的情傷女孩胡柔依身上來做比對，卻也充份印証了編導在敘事上的空洞乏力。編導或許希望將胡柔依塑造成會主動向客人獻身的花癡，成為攻城掠地的入侵者。面對挑戰的謝安真，或許就在必需挺身而出捍衛自己的「領土」，才能在即將失去之際，更加體會自己所在乎的一切，問題在於除了拚酒與發酒瘋之外，兩個世代的女人競比，有任何更核心的愛情與幸福論述嗎？
電影版中的溫昇豪，或許一心一意想要再追回前妻謝安真，他能夠著力的點則是靠自家女兒，但是當初引爆婚變的小三朱芯儀，卻也帶回了兒子Oliver來認父，或許是意外的突襲，讓瑞凡不知所措，只能像南韓電影《春逝》一樣，透過變焦鏡頭，悵然送別昔日的情人，卻也送走了自己的骨肉。女兒原本是他想要挽回舊情的靠山，兒子卻是他看見自己無能的實例，編導或許想藉此突顯負心男人除了懊惱贖罪之外，別無他法可彌補的愧咎，卻也更加撕裂男人不負責任，也無法負責的薄倖與無情，反而更喪失了對角色的同情與憐憫。
- 電影的柔焦鏡頭，不只是視覺上的軟調，同時亦鈍化了當代男女追求生活獨立、情慾自主的主張，過甜的糖衣包裝，一味到底，再無其他芳澤餘韻，《犀利人妻最終回》如此終結，或許還讓人感歎越早落幕越好嘍。
