藍色電影夢

我曾經用宋朝詩人歐陽修的「玉樓春」中的一句「人間自是有情癡，此事無關風與月」，來形容一生一世，就是對橡樹果實情有獨鐘的《冰原歷險記（Ice age）》配角鼠奎特（Scate）。

一旦情癡遇上了風月呢？

它對果實尚且如此一往情深，如果真的被愛情閃電集中，他的癡情又會轉化成什麼不同的面目呢？

《冰原歷險記３：恐龍現身（Ice Age: Dawn of the Dinosaurs）》提出了問題，也提供了解答，給他一位女友鼠奎娣（scratte）吧！

卡通電影最基本的創作模式就是擬人化，所有人間會發生的喜怒哀樂事，卡通電影也會如數搬演。

《冰原3》劇本的第一招是不打不相識。同樣迷戀橡樹果實的不只是鼠奎特，對異性的鼠奎娣而言，擁有橡樹果實也是非常重要的大事，果實只有一顆，卻有兩鼠相搶，怎麼辦？一個是求溫飽的天性，一個是性誘惑的本能，「飲食」遇上了「男女」，在生命的天平上，你能分辨出誰的份量比較重嗎？

有能力分辨的人，就會做出決定，不會拖泥帶水；難捨難分，難做決定的人，左右為難之際，戲劇的空間就出來了，鼠奎特原本習慣了獨佔果實，如今有人侵入分食，它卻意外不動怒，你會壓抑天性，必定是因為有更大的誘惑，愛情的力量就此有效傳達了出來。

第二招是魚與熊掌要得兼。搶食果實之際，鼠奎娣失手墜入深谷，於是鼠奎特抱著果實也往深谷跳下，多了一顆果實的重量，鼠奎特很快就追上了鼠奎娣，於是把手伸直，遞出果實，讓還在往下墜的鼠奎娣能握住果實，稍緩下墜之勢，其實傻鼠此舉救不了鼠奎娣，但是戀愛中人做過的傻事又何止於此，不忍獨生，寧願共死之心，確實癡得可以，偏偏，那只是鼠奎娣的美人計，果實到手，她另有逃生妙計，鼠奎特想要魚與熊掌得兼，不料卻是人財兩失。

愛情，可能是一場讓人毀滅的遊戲。但是精誠所至，金石亦可能開，鼠奎特即使跌跌撞撞，搞得渾身是傷，只要鍥而不捨，兩鼠之間的愛情開花一點都不讓人意外，反而是鼠奎娣卻被刻畫成慧黠又古怪的「女魔」，毫無創意地墜入了好萊塢慣用的性別板模之中，相當可惜。

情網中人，俯首甘為愛情奴，當然是心甘情願的犧牲，但是做了愛奴，每天跟在愛人身旁做跟屁蟲和受氣包，窩不窩囊？原本「甘願做，歡喜受」的生命選擇，會不會讓你在午夜夢迴之際，「夜深忽夢少年事」？昔日的浪蕩夢想，依舊在胸口澎湃？

《冰原3》劇本的第三招於是就成了「出牆」。紅杏出牆是為了「新歡」，鼠奎特出牆則是為了「舊愛」，就在他忙東忙西做愛奴之際，一側身發現「舊愛」果實滾到了遠方山頭，想要重溫舊夢的他，於是悄悄出牆想要「偷嘗禁果」，卻難逃「新歡」法眼，於是又是一陣追趕跑跳碰，探戈音樂的進入，讓男女世界永遠無解的進退計較有了更精準的對位。

鼠奎特的境遇會讓人想起民國才子錢鍾書的長篇名著「圍城」，小說的精髓在於那句法國古諺：「城內的人想出來，城外的人想進去。」鼠奎特嚮往自由戀愛，卻因為戀愛失去了自由，果實固然美，愛情味亦甜，凡人參不透鏡花水月，鼠奎特也參不透，他的苦痛折磨，有如一面擬人化的鏡子，讓創作者的愛情恐懼症，躍然銀幕。

我在《冰原歷險記３：恐龍現身（Ice Age: Dawn of the Dinosaurs）》中看到了赫曼·梅爾維爾（Herman Melville）經典小說「白鯨記（Moby Dick）」的阿哈船長（Ahab）。

好萊塢的續集電影原則上都堅守「溫故，知新」的兩大原則，所以能拍續集，無非就是前集人物或公式深受歡迎，即使反覆炒做，市場上依舊可以大行其道，「溫故」是與故舊老友打招呼的必要過程，但是「知新」卻是灌注源頭活水的必要設計，否則招式用老，就遺人舊瓶舊酒之譏了。

「阿哈船長」的變形記，就是《冰原歷險記３：恐龍現身》的新招，差別在於小說人物是無懼地獄之火，不殺白鯨誓不還的復仇使者；電影人物則成了行俠仗義兼觀光導覽的古代羅賓漢。

「白鯨記」裡頭的那隻巨大白鯨莫比敵（MOBY DICK），象徵著自然界的神秘力量，它巨大，而且無敵於深海；《冰原歷險記３：恐龍現身》同樣有一隻所有的恐龍都懼怕的龍中龍─暴龍魯迪（RUDY），從莫比敵到魯迪，從MOBY DICK 到RUDY，小小的Y字尾韻，或許只是個巧合。

但是「白鯨記」裡頭的阿哈船長因為被莫比敵咬斷了左腳，矢志復仇，於是帶著六位手水萬里追緝大白鯨；《冰原歷險記３：恐龍現身》裡頭的黃鼠狼巴克（Buck）則是被巨龍魯迪給弄瞎了右眼，但他即使被生吞進了魯迪的肚子裡，還是想辦法幌盪幌盪地從肚子裡逃了出來，而且還撞斷了魯迪的一枚牙齒，轉化成他隨身攜帶，可以披荊斬棘，無尖不摧的一柄圓月彎刀，他同樣帶領六位哺乳類動物深入冰河底層，要去尋找樹懶喜懶的下落，巴克念茲在茲的當然還是找到魯迪，再來一決雌雄，而魯迪的終於現身，也是蘊釀到最後才亮相的高潮，從節奏到氣氛都掌握得不錯。

「白鯨記」是海洋冒險文學的經典，阿哈船長寧可船毀人亡，也要與莫比敵一決雌雄，他的心充滿了人定勝天，有仇必報的復仇火焰，人生因為偏執而陰鬱，扭曲，終致沈淪變質；《冰原歷險記３：恐龍現身》則是闔家觀賞的卡通片，可以參考「白鯨記」的故事模式，但是不必處理得那麼陰鬱沈重，不管是復仇之心，或者是對抗之志，可以悲壯，但是不必悲憤。於是阿哈船長的左腿木頭義肢，到了巴克身上成了用樹葉遮住右眼的自然美容，臉上的一抹青綠，緩和了所有憤怒情緒；攬索飛行的瀟灑身影，更有羅賓漢的綽約英姿；至於三令五申的文字遊戲，則是多了插科打諢的咬文嚼字趣味 也回歸了動畫電影的童趣本質。

沒看過「白鯨記」，其實並不影響《冰原歷險記３：恐龍現身》的觀賞趣味；但是看過「白鯨記」，卻可以對卡羅斯．桑塔哈（Carlos Saldanha）導演執導《冰原歷險記３：恐龍現身》的創意多了一點連想，套用「白鯨記」的人物架構，讓《冰》片多了文學趣味，但是顛覆「白鯨記」的人物原型，又是古籍新詮的後現代趣味，多了文學包裝，電影更有意境，多了顛覆趣味，更避開了幼稚膚淺的定型化判斷。

最特別的是，巴克最後要不要回到冰河世代？還是留在他熟悉的火山溶岩底層呢？他的矛盾、徬徨與猶豫，以及最後一刀畫下的生命選擇，還真有讓人動容的壯士情懷呢，也讓他成為系列舊瓶中的一罎醉人新釀呢！

前言

二○○八年，一部《海角七號》凝聚了台灣人的夢想與歡笑，也帶動了南台灣的海角之旅風潮；二○○九年，一齣電視劇《痞子英雄》吸引了百萬台灣民眾準時守候在電視機前觀看，收視率打破了公視開台十年的紀錄。

「這是台灣電視嗎？怎麼這麼敢花錢？」、「這是高雄嗎？高雄怎麼這麼美？」類似的讚歎聲不絕於耳，新一波的《痞子英雄》高雄觀光潮，從女配角雷慕沙的激情房間、壯觀的八五大樓到媒體科技園區，都成為網路上熱烈討論的話題…。以前拍完一齣戲都會閉門痛哭的導演蔡岳勳，這回卻不再怨懟，因為他在高雄實踐了夢想，也看見了台灣影視創作的春天。

問：公共電視以前專拍文學大戲，投資了強調政治陰謀與槍戰動作的《痞子英雄》，卻也創下了公視開台紀錄，你怎麼看待這種轉變？

答：當初公視找我，就強調要吸引年輕人，如今收視破紀錄，網友擠爆留言版，當然是件好事。因為各國的國家電視台影響力都很大，台灣需要急起直追。

但我更在意的是，只要在雅虎入口網站上打出「痞子英雄」的關鍵字，四月中大約只有六百萬筆資料，如今的三千三百萬筆，代表大家都在討論《痞子英雄》。以商業模式激發觀眾熱情，才能壯大台灣影視產業。

問：可是最初並沒有人敢投資《痞子英雄》，為什麼？

答：因為人們一聽說我要拍警匪戲，就說我：「神經病，台灣怎麼拍得出來？」一聽我要搶捷運、玩海上槍戰，還要把麥當勞給炸掉，更直接罵我是瘋子。解嚴之前，台灣人拍電影礙手礙腳，可以怪罪外在限制太多，如今拍戲卻越拍規模越小，卻是創作者自己綁綑了內心，不敢有夢，就只能保守拍小戲，沒有規模，就只能原地踏步。台灣電視劇一直侷限在校園或男歡女愛的小兒女愛情，不敢去碰警匪類型，就是因為太花錢嘛，惡性循環之下，技術全面萎縮，就更不敢想了。

問：台灣電視劇的平均製作成本大約一分鐘一萬五，《痞子英雄》卻達到一分鐘接近七萬元，為什麼敢這樣拍？

答：敢，是因為有明星，有海外市場。

拍《流星花園》時每集成本只有六十七萬，捧紅了Ｆ4，有了海外市場做靠山，才可以逐漸增加，《白色巨塔》每集二百八十萬，這次再增加到四百萬，因為《痞子英雄》是警匪動作影集，槍戰和爆破場面都不可少，例如每顆手槍子彈就要價一．五美元，步槍子彈是三美元，捨不得花錢，就不要拍了，要大場面，錢就省不得，正因為敢拚，才讓大家看到了完全不一樣的國產電視劇。

問：什麼動機讓你願意不惜血本去拚鬥？

答：我也常這樣問自己，答案可能是一種動物本能，想要去挑戰自己沒做過，或者做不到的事。你只要常看歐美日韓電視影集，就可以看見世界上有那麼多人可以拍得那麼好，我們不能裝做沒看見，台灣電視劇只有走出台灣，邁進亞洲，才可能擴大投資，題材才會遼闊。

問：市場不大，成本太低，導致台灣電視劇一向只能土法煉鋼，因陋就簡，你肯花錢向香港借將，才改變了全劇的視聽效果？

答：是的，技術不夠，就要虛心請教，找到技術高手，不但效果好，也可以開眼界。我找了在香港擁有槍械執照的寶力公司支援，他們的爆破隊都是高手，警匪片常見有打成馬蜂窩式的汽車中彈場景，一般人總以為安排彈著點和火藥即可，他們卻是先問你要多少發彈孔，要打成什麼模樣？得到明確答案後，他們就先在車皮上鑽出所有彈孔，確認無疑後，全車送去鈑金後再接上火藥上陣拍戲，非常專業和精準，我花了大約八百萬學到了技術，也留下了技術，也願意無私地分享給台灣工作人員。

問：《痞子英雄》拍出了高雄的美麗與進步，你是怎麼折衝完成的？

答：沒有高雄市的支持與在地人的熱情，《痞子英雄》絕對拍不出來。最初只是想南下高雄商借捷運列車拍攝劫車戲，到了高雄後，才發覺四處都是熱帶海洋城市的進步感覺，不再是我小時候想像的模樣，海洋城市的創作概念就此成形，也獲得當時的新聞處長史哲大力支持，他主動召集了高雄市各局處官員會商，強調會議結論就等於跑文，只要官員點頭就算ＯＫ，日後再補行公文，當場逐一解答我的拍片需求，這種行政效率確實罕見。

問：台灣許多城市想要透過影視創作開啟城市行銷模式，怎麼做才有效？

答：高雄市政府特別指派了兩位老高雄官員協助拍攝，他們知道那裡最美，能以最快速度找出了最佳場景，從封街、出海到直升機起降，要什麼有什麼，要搶捷運列車，就乾脆給我們整節列車…，他們經常掛在嘴上的一句話就是：「頭都洗了，只好潦落去！」

好萊塢動作名片《不可能的任務》中那場膾炙人口的高速火車特效戲，是在攝影棚裡搭景，結合特效完成的，我們沒有棚，亦沒有特效本事，只能實拍，高雄捷運局不但提供機房，還有整節列車讓我們在捷運停駛的晚上空檔來拍。

不但官方熱情，國城建設「高雄軟體科技園區」甚至慨然出借一層樓充做警局南區分局的辦公室。

沒有特技，不能造景，只能利用實景來拍攝，但是我們得到的奧援根本無法估算，政府支持產業的立場非常重要，我原本只打算在高雄拍四成戲的，結果，九十％的戲都在拍。因為我充分感受到高雄市政府支持影視產業的決心，以後《痞子英雄》每到海外宣傳一次，我們一定要附帶宣傳高雄，邀請影迷都來高雄玩，重遊《痞子英雄》場景，讓城市行銷的功能發揮極致。

問：高雄市政府開啟了行動支持產業，結合城市行銷的良好模式，除此之外，你對政府支援還有什麼期待？

答：政府一直提倡異業結合，但是卻嚴禁帶出產行的品牌與符號，既要人家支持贊助，卻不願人家品牌亮相，就是矛盾的政策，現代汽車支持韓劇到巴黎拍攝，目的就是要讓現代汽車亮相，兩相蒙利，但是《痞子英雄》卻得要把所有產品名稱和招牌的標籤全都拔掉或者馬賽克化，例如主角喝台啤，卻不能有台灣啤酒的品牌名稱亮相，礙手礙腳的結果，就是導致贊助廠商一一退出，當初的法令或許是擔心綜藝節目廣告化，卻拖累了戲劇創意，讓置入性行銷完全使不上力，這些過時的法令與思維，有必要重新檢討改進。觀光局可以投資拍攝《在這裡發現愛》，電視劇是直接侵入觀眾家庭的，影響力何其大，韓劇的大受歡迎也帶動了韓國文化的風行。

問：你開啟的合作模式，其他人也可以比照享用嗎？

答：高雄市已經成立了拍片支援中心，還匯整了可以拍片的景照，還有聯絡對話窗口，提供任何人使用，《痞子英雄》只是善用地理和天文條件創造了自己的魅力，我覺得高雄市可以利用天候和土地的優勢，發展成專業拍片中心，把影棚蓋在海邊，甚至還可以在港邊蓋一個海景攝影棚，深入海底拍攝海底戲，結合環球影城的概念，把高雄港變成影視文化的創作重鎮，也成為觀光旅遊的勝景，中國很多多影城，但是場景偏古代，那是他們的強項，復古的技術能力很強，但是現代化的現代戲現代景都沒有，高雄就可以發展成為現代科技集中的現代影視城。

問：在台灣的影視環境中想要堅持原則並不容易，你曾經徬徨或迷失嗎？

答：沒有徬徨，只有挫折與掙扎。

很多人認為我是神經病，愛找麻煩，很難搞，不停地與體制、環境和工作人員衝突。直到有一回去了日本富士電視台觀摩《神探伽利略》的拍攝作業，才發覺自己在台灣被視為神經病，到了日本卻成了正常人，因為現場的所有工作人員對事情的要求、認真與付出比我更有過之而無不及。他們的硬體與技術，我們只要有錢一定追得上，但是自動投入的專注態度，我們卻距離好遙遠。

問：回首來時路，你最自傲的堅持是什麼？

答：品質。

品質是最重要的元素，例如《流星花園》的執行製作只想找一百二十坪的房子，傳統觀念上這樣的場景已經夠大了，但是我不接受，一個富可敵國，連國家都畏懼的財團，區區一百二十坪的房子那有那種氣勢？在幾乎翻臉的情況下，製片妥協，最後我們用了高爾夫球場的豪華中心做外觀，再找有游泳池和三溫暖的豪華招待所及會所來連接成一個大財團的氣魄，創造出一個台灣並不存在，卻有充分說服力的視覺場景。《白色巨塔》的醫院同樣也是用了七個場景拚組而成。

當初，《流星花園》雖然打開了海外通路，卻因為大家一窩蜂搶拍，品質不一，華語電視劇熱潮很快就退燒，大家痛定思痛後認為精緻是唯一可走的路，趁這次《白色巨塔》又打開了日本NHK的一線門縫，也獲得上海和東南亞市場的支持，讓我更堅定要好好做一檔戲。因為想要構建亞洲市場，首先就要有商業力，未來才能想做任何事都能去做。

問：《痞子英雄》重用台灣演員，也捧紅了趙又廷和陳意涵、隋棠等新人，你的堅持是什麼？

答：我們站在台灣，就要創造出自己的特色，才會被人重視和看見。才會被人重視和看見，日本一集電視劇的預算達到1500萬，中國的大戲亦有600-700萬，我們羨慕那個資金，但是我能夠持續拍片，主要就是因為我們持續在創造明星，有了Ｆ４，亞洲市場就無往不利，有明星才能創造巨大市場，才能集資實踐更多的夢想，看慣大場面好戲的外國人會青睞台灣戲，主要就是要看明星，只要戲真的好看，市場就會越滾越大。

問：你需要明星，卻也成功改造了「仔仔」，你怎麼做到的？

答：創新是門大學問，我的做法是先找到絕對適合的人選，創造讓他能夠完全發揮的環境，例如仔仔周渝民，我就發現了他體內其實很有痞子味道，根本不是以前一直刻意營造的憂鬱小生模樣，於是為他量身打造劇本，激發他靈魂中的痞子氣質，演員煥然一新了，觀眾的討論就更熱烈了。

所有戲劇的投資，最終還是演員得利。一旦戲好看了，觀眾就會感動，就會喜歡角色，進而接受明星表演。電視雖然只是個小框框，但是其中每一件事物都有人關切和注意，越做得精準、精密和精緻，觀眾的回應就越熱情。如果一個畫面有上百個破綻，觀眾一眼看穿了，絕對不會投入，就會留在電視機外頭，退回沙發上，戲就毀了。

問：總結《痞子英雄》的工作心得？

答：很多人都好奇畫面何以拍得那麼美？其實，那全靠高雄陽光充足，海景豐富，建築新穎，幅員又大，根本無需特效，我原本就有七十集的劇本構想，電影版要接著第一季的內容走下去，但是日後新搭的景我都要留給高雄做影視城的場景，可以拍戲，可以觀光，那是我對高雄唯一能做的感恩回饋了。

早晨讀到外電消息，流行樂界的巨星麥可．傑克森，今天傳出在他洛杉磯的住處心臟病發猝死，得年50歲。

心頭一驚，才五十歲呢，然後，就想起了1993年九月的那個周末夜，麥可來到台北舉行演唱會，當時，我主跑電影，西洋音樂根本不干我的事，但是巨星來台，大家都要支援，我不但到了晶華酒店，目睹了民眾圍在廣場，爭睹巨星風采，同時徹夜守候，大叫：「麥可！麥可！」的盛況，同時也看見了各媒體派駐大軍，堵在飯店各個出口，就怕神出鬼沒的麥可，一溜煙跑了，大家新聞就都漏慘了。

1993年，台灣才摔脫戒嚴的陰影，社會出現百花齊放的熱情活力，什麼事都有可能發生，在那之前很少出現的萬人音樂會，也蠢蠢欲動，麥可．傑克森的《危險之旅》對多數的台灣人而言其實是一場啟蒙之旅，包括排場、陣容、造勢到現身，每一個過場都是前所未見的新嘗試，做為一個支援採訪的記者，站在新聞前線，少了漏新聞的直接責任，多了一點客觀而冷靜的觀察，反而成了收獲最多的人。

最特別的是音樂會開始那一天，報社直接裁示其他娛樂新聞除非很特殊，大家都可以不發了，我等於是悠閒輪空一天，而且報社還多出一張採訪証，於是就給了我，讓我去現場待命支援。

待命是虛，聽音樂會反而是實，我成了現場極少數不需要寫稿，亦不要採訪，更不需要花錢，就能好整以暇聆聽整場音樂會的旁觀者。沒有壓力，所以心情輕鬆，整個晚上，就隨著音樂起舞，跟著歌吼，做了一夜瘋狂歌迷。

那天晚上的台北市立體育場很像個超級大廟會，進場時人潮加車潮早已經擠得水瀉不通，散場時又是一場大混亂，我很識相，音樂會一結束，四萬人散場也算是件大工程了，看著萬頭攢動，我放棄攔車，乾脆步行回報社，走路不過半小時，如果坐車，大概還一直困在車潮裡動彈不得呢。

但是天下沒有白聽的音樂會，回到報社後才發現，音樂會的主稿沒有人寫，因為現場意外狀況很多，主線記者忙得焦頭爛額，我這個閒人反而是聽完整場音樂會的目擊者，於是主稿就落到我手上來了。時間已經決十一點了，十二點要降版。

我手上沒有做任何筆記，但是我的耳朵還迴盪著　I’ll BeThere 　的高亢歌聲（那可是我從他還在JACKSON 5時期就已經會跟著唱的歌曲呢），臉上也還泛著走路回報社的紅潮，心上也還保持著熱情餘溫，酒酣耳熱之際，最是意興雄飛時，微醺的詩人都在這樣的心情下寫下千古佳句，來吧，我也來試試吧，半個小時內，我把自己參加音樂會的心靈記錄快速倒帶，再飛快地在鍵盤上敲出了一篇一千字文章，十一點半就交卷了。

拿到稿子的文編瞄了一眼說：「哇，你真的用『神』來形容麥可？」那時候的影劇主管剛換了人，最忌諱記者用形容詞來描寫藝人，他擔心我的形容詞觸犯了長官的禁忌，我的回答是：「不是我把他當神看，而是從現場的狂喊尖叫聲中，你可以清楚知道，麥可是他們的神。」

那位主管看了稿子，再看看手錶，沒有說話，稿子就發排上報了，第二天，我的前任主管看到我，拍拍我的肩膀說：「終於看到一邊充滿臨場感，有血有肉的現場報導。」

下面這篇文章，就是十六年前，我一口氣在半小時內完成的文章，以前，不太懂什麼叫做下筆如有神助，後來才明白，不是那麼心情激昂，真的很難倚馬千言，人生很少這麼暢快的時刻，我和麥可．傑克森的交會只有這麼短暫的一個晚上，兩個小時，剎那，卻已成了永恆的回憶，找出舊文章，也做為自己青春行的一個註腳吧。

記者藍祖蔚台北報導

對台北市立體育場四萬多歡聲雷動的歌迷而言，昨夜，麥可傑克森是他們的神，他們的王！

四萬多歌迷們以讓人無法置信的高分貝吶喊聲、紅腫疼痛的變掌、隨樂起舞的擺浪節奏，向這位流行音樂教主頂禮膜拜，致上最高敬意！

現場風起雲湧的巨大感染氣息，曾讓二十六位歌迷缺氧暈厥，但對多數歌迷而言，昨夜的震撼是一次集體朝聖的音樂洗禮，你只要在現場，你就無法忘懷，更不會為自己身為狂人城的子民而覺得羞慚！

昨夜，麥可傑克森是以天衣無縫的節日設計，高度戲劇化的情緒渲染和無法以任何文字形容的神妙舞姿，同他的音樂子民展示王者之風。很少有機會親眼目睹天王巨星現場演唱的台灣歌迷，面對台灣流行音樂史上最龐大的一場盛會，根本別無選擇地，只有迎風而倒！

事實上，昨夜之前，麥可還只是個流行音樂界的傳奇名字，有關他的一切都還只是傅說，甚至在他公開踏上台灣土地時，都還給人只是位小頑童的感覺，昨天下午，多位已經苦候了十小時，就想擠到前排位置，近一點看麥可的歌迷坦承，他們說不上特別喜歡麥可什麼，他的歌他只會簡單唱幾句，只因他是天王巨星，所以他們就來朝拜他們的王。

昨夜，也許只有幾千人可以很清楚地看到麥可的一舉一動，多數人都只能遠遠地看著麥可的身影，像旋風般在舞台上飛躍奔馳，可是經過現場大銀幕的放大，再放大，麥可的影像立刻急速膨脹，站在舞台上的他，比誰都有信心，比誰都瀟灑，他以神奇無上的肢體動作，告訴他的歌迷，他真的是搖滾音樂之王。

麥可對台灣歌迷滿好的，昨天的演唱會只晚了十五分鐘，而且在現場往返調度的懸臂遙控攝影機，不但捉住了台北的暈黃滿月，更不時亮閃燈光，反過來呈現觀眾搖手吶喊的激情，使得麥可的台北演唱會得能在觀眾的集體演出之下，更臻顛峰。

麥可真的是掌控群眾心理的第一高手，他曾讓一位少女緊緊地在台上抱住他，讓她用那種全身血肉都要溶化進麥可體內的用力、激情，來撩撥現場歌迷的憧憬，雖然只有短短約二十秒，但是盪氣迴腸的感覺，久久難散！然後，麥可突然就蹲了下來，那雙柔細有情的手悄悄遮住眼簾，麥可哭了嗎？麥可足不是突然想起了洛杉磯的傷心事？觀眾急了，觀眾叫了，「麥可，麥可」的叫聲就這樣嚮徹雲霄，麥可再不站起來，觀眾的心就要碎了，然後，燈就熄了。二分鐘後，再亮相的麥可依然活潑歌舞，但是，觀眾的心早就隨他揉捏了！

不過，台灣的歌迷還是比較冷靜的，他們是毫不吝惜地高聲尖叫，也在搖滾區裡搖擺起舞，揮舞手上的螢光棒，用他們已經紅疼腫脹的雙掌拍嚮麥可每一隻歌曲的熱舞節奏;但是多數人只是搖擺，而不是搖滾，只能跟著麥可的慢調情歌接唱I Just Can’t Stop Loving You或是尖聲高叫 I’ll Be There或Thriller，無法熱情地接唱麥可的每一首歌。

對於演唱會出現多次，都已經耳熟能詳的MTV畫面，極盡煽情能事的麥可童年畫面，也毫不挑剔地迎曲吶喊，甚至只要麥可喊一句：「我愛你~」上萬張嘴就會毫不猶豫地回答叫道：「我愛你！麥可」對他的音樂子民應該夠滿意的啦！

昨夜，流行音樂教主麥可傑克森的魔法棒，差點將偌大的體育場轟炸崩潰，體育場四周大廈密密麻麻的人頭也都見證了這場集體膜拜盛會，這樣一個熱情的周末夜，連執勤警察也參與狂呼的激情夜，其實滿健康而且充實的，只是歌迷遺留在現場的成山垃圾，無法讓人寫下一個美麗漂亮的句點。

問：你是基於什麼樣的心情來製作「日出」這齣戲？

答：我主持的縱橫影視從創業開始就接連製作了「人間四月天」和「橘子紅了」，這幾齣戲都有一個共同的基調就是都是以一個人的經歷與情感為主軸，牽連出其他人物的悲歡離合，這樣的戲劇很討喜，只要人物選對了，演員詮釋得絲絲入扣，就容易贏得觀眾的認同與喜愛。

但是這樣的戲比較唯心，比較私密，與整個社會的關連不是那麼大，如何開闢戲劇創作的新角度，給大家不一樣的好戲，其實是我最關心的。曹禺先生的「日出」就 是符合我的新方向的一部作品，它不再是單純的私人情感際遇，它是一個時代的縮影，僅管原著誕生時描寫的是舊時代的「人吃人」慘狀，但是其中情節，以及對社 會心性的批判，放諸今天的社會，又完全適用，自然就是我優先選擇的拍攝題材。

問：對年輕的台灣讀者而言，曹禺或許是一個完全陌生的名字，但是對中年以上的台灣讀者而言，曹禺有兩個意義，曾經經歷抗戰歲月的父執輩們，誰沒有聽過曹禺的名字？誰不曾看過曹禺的舞台劇？那是一個久遠，但是輝煌的記憶。

對於四五十歲的中年讀者而言，曹禺卻是禁書時代的代表人物，在反共抗俄的年代裡，我們無法在一般書店裡找到曹禺的著作，直到解嚴前十年，才開始有機會在台 灣大學的小書攤上買到私下盜刊翻印的「雷雨」、「原野」、「日出」和「北京人」，在這樣一個嚴重斷層的年代裡，選擇曹禺的「日出」，該當是你個人的獨特淵 源和私人品味吧？

答：你的問題幾乎已經把過去五十年曹禺在台灣的經歷都說完了，是的，對我而言，曹禺的書，當年就是禁書，我能看到的曹禺的書並不是簡體字的版本，而是當年 在大陸刊印的繁體字版本，而且印刷粗糙，紙張不佳，就因為是禁書，所以讀起來格外帶勁，好奇是我們讀禁書的最大誘因，只是看完了書，一點都不了解為什麼這 種書會是禁書，只因為作者是所謂的同情共產主義，主張社會改革運動的左翼文人，寫了一些揭發社會黑暗面的戲劇，書就這樣被禁了？現在想起來還真是很難理解 的事。

後來，整個社會風氣日漸開放，卅年代的文學作品不再是禁忌的話題，曹禺的書就和魯迅、巴金、茅盾、老舍等人的著作一樣悄悄就鬆了綁，不再用偷嘗禁果的心情 來看曹禺的書，反而收獲變多了，我不但細看曹禺的作品，同時也比較了大陸拍攝的電影版本，發覺或許是因為原著是經典，對後代的創作者而言，有明顯的約束 力，舞台劇風格嚴重影響著各種形式的表現，從場景到人物演技都有明顯的舞台劇特色。

說好聽一點，這是尊重原著，畢竟當初曹禺的創作目的就是要在舞台上搬演，情節設計，舞台走位，人物對白，一切都是從舞台考量上出發的；但是若要再細究起來時，就發現如何從原始面貌穿越時代長廊，用新生代觀眾能夠理解的語言和方式來重新詮釋，成為再創作的重要關鍵。

例如，莎士比亞的戲劇就不能再用它原來的伊莉莎白時代劇場觀念來搬演，同樣一齣「羅密歐與茱麗葉」的故事，如果要搬上大銀幕，就不能迷信劇場的方式，光是 找會唸台詞的「資深」演員來演他們的故事，一定要找年輕偶像，一定要套進新鮮的模式，所以才有巴茲魯赫曼，以現代ＭＶ的概念與手法去拍攝當代版的「羅密歐 ┼茱麗葉」，所以才有把莎士比亞代換成羅密歐的「莎翁情史」，一方面尊重原著，一方面找到新世代的語言來創作，其實是古典新詮的流行法則，我也是基於這樣 的念頭，才開始去開發「日出」的可能性。

問：經典不致於「古」典，經典不致於「老」朽，關鍵就在於創新，曹禺寫「日出」時是1936年，距離2005今天整整六十九年了，遠遠超過一個甲子的時代變遷，你如何肯定這本書，這樣一齣戲還有新鮮的內容，可以讓新生代觀眾可以產生共鳴？

答：這是一個很有趣的問題，時間可以改變外貌，但是人心卻往往沒有改變，曹禺在接受訪問時，曾經提到說他的「日出」女主角陳白露的自殺其實受到了阮玲玉自 殺的影響。阮玲玉是活生生的社會犧牲者，她從平凡女孩奮鬥到一代巨星，卻也在人言可畏下自殺；這和最近幾年一些走頭無路的女明星跳樓自殺的悲劇，有什麼不 一樣，類似陳白露這樣的角色，從來沒有在我們的社會裡消失，只要處理得當，陳白露一定是可以贏得觀眾疼愛的角色。

同樣地，「日出」的劇本裡雖然沒有寫明時代背景，但是我們知道那就是天津，七十年前，天津的發達繁榮直如今天的台北，曹禺筆下的天津社會正是受到世界經濟 不景氣影響的中國社會，驚人的貧富差距，嚴重的社會不公現象，到處可見；台灣今天不也正是受到世界不景氣的衝擊嗎？多少人正在過著笑貧不笑娼的生活，多少 人被債務所逼倉皇躲債，或者乾脆自殺了事；多少人像潘月亭與金八一樣忙著玩金錢遊戲？多少人像多金的顧八奶奶一樣，追逐著完全不實在，完全虛幻的老少配感 情遊戲？

時代變了很多，交通工具不一樣了，通訊系統不同了，但是我們肉身演出的悲喜劇，並沒有太多的不同，重新讀一次「日出」，你會驚訝發覺，曹禺筆下的吃人社會 故事，不正在台北上演？不正在北京、上海和廣州上演？這就是「日出」的永恆性，也就是我們再度改編「日出」時最重要的時代背景，我相信，所有的人雖然看的 是半世紀前的故事，心中想的卻是一切就好像這兩天報紙上或電視新聞上出現的情節。

問：剛好可以借古諷今？

答：是的，但是我不是故意的，而是曹禺先生的原著裡就已經預見了人類社會發展的規律，我們只是再把這些規律點出來，歡眾如果從電視劇裡閱讀吸收到這些訊息，一定會更佩服曹禺先生的真知卓見。