月份: 2012 年 6 月

雷利．史考特（Ridley Scott）的新作《普羅米修斯（Prometheus）》，不論是視覺奇觀與驚悚指數，維持著他一貫高原水平，但是敘事上的晦澀曖昧，卻釣足觀眾胃口，得不到「標準」答案的失落感，竟然成為最鮮明的觀後感。

《普羅米修斯》的開場是一位異族巨人來到湍急大瀑布前，沒有人知道他是修行者或是悔罪者，只見他服下一粒靈藥後，就肢體碎斷，失足跌入萬丈深淵之中。他是誰？他吃了啥？為什麼要吃？是贖罪？還是解脫？電影從頭到尾都不想解釋，亦沒有解釋，壯闊的史詩場景，搭配謎一樣的情節煙霧，清楚標示出《普羅米修斯》的強項與遺憾。

《普羅米修斯》的故事主軸係以探尋人類的啟源為名，展開外太空的尋根之旅（實則是想向造物主乞求長生不老之藥），誤打誤撞下卻意外促成了「異形」的誕生，整部電影可以簡化成《異形（Alien）》前傳，一則雷利．史考特在1979年創造的驚悚科幻傳奇《異形》，時隔卅三後，他在2012年補寫了前傳。

《普羅米修斯》在電影中指的是太空船的名字，但把普羅米修斯用做片名，一方面是要以從希臘神話的神仙名字，創造開闊的想像，中，一方面則是從神話典故中，找出普羅米修斯把火從天庭偷渡人間，改變俗人文明的神人對話連結，以呼應電影「世人想與造物主對話」的主題。

人若能與造物主對話，若能解開生命的源頭，確實堪稱美麗新世界，但是雷利．史考特卻不願提供百科全書似的逐一比對，他先透過考古學家Elizabeth Shaw（由Noomi Rapace飾演）及Charlie Holloway（由Logan Marshall-Green飾演）在蘇格蘭洞穴裡發現的星人壁畫，就斷言那是人類始祖的召喚，兩年後就找到金主，直奔那顆神秘星球而去，而且降落之時就發現了地表上有類似秘魯納斯卡沙漠上的納斯卡線（Nazca Lines），更加確認那是文明痕跡（因為殞石不會畫直線），進一步深入洞穴查看時，赫然又發現了類似智利拉帕努伊島（Rapa Nui，即俗稱的復活節島）上常見的摩艾石像（moai），差別只在於拉帕努伊島上有八百多尊摩艾石像，這個神秘星球上即使只有一尊，外星與地球古文明的神秘連結，即已悄悄完成。

雷利．史考特的破題論述法其實是避開了老學究的說文解字傳統，說好聽一點，他是尊重觀眾的知識與常識，不想多費唇舌，浪費大家時間做介紹，他相信大家一看就懂得納斯卡線與摩艾石像的神話象徵，就能有恍然大悟的解謎快感；說難聽一點，他其實不屑為白丁多費唇舌，直接進入核心，固然乾脆俐落，但也失去了劇情片的導覽功能，讓很多摸不著頭緒的影迷，悵然若失。

卅三年前的《異形》其實是公認的經典，已然開發完備故事的雛型：當年的太空船以了預言家Nostromo為名，其實相近於普羅米修斯的文化指涉意味；明知「異形」有特異功能，卻也相信人定勝天，甘冒危險要帶回地球研發；一旦異形茁壯，開始屠殺船上成員，只剩女英豪獨力對抗……人類的私心與禍心情節，悉數在《普羅米修斯》得以重溫。

同樣地，星球建築的工程模型、蛋形武器排列方式或者外星戰士的造型，多少都套用（或者修改了）了舊時模組，雖然，工程品質堪稱一流，但是新意不多，卻也夠讓挑剔的影迷嘟嚷半天了。

至於最驚悚的穿腸破肚戲，《異形》首開風氣時創下的驚嚇指數，迄今都無人能破，《普羅米修斯》的進化處理，則是濃縮了《異形》系列的精華，不論是男人遭殃，或者女人受孕，寄生的入侵與宿主的抗拒過程，都有緊緊揪住人心的能量，甚至那個白蒼蒼，光冷冷的手術艙，都成就了最鮮明的恐怖符號，就讓遍灑的血腥殘痕，噬咬著觀眾的恐懼（特別是手術後，快速的釘合過程，更用了類似釘書針的不鏽鋼白金質感取代了傳統的貓腸線，更讓金屬的蝕人「印象」強化了痛楚的連想力量。

至於真正的男主角David（由Michael Fassbender飾演），更是標準的混血綜合體，他的「能力」、「忠誠」與「背控」，都有如《2001太空漫遊（2001: Space Odyssey）》中那具超級電腦Hal2000的功能再現，但是他與「造物主」溝通的下場卻又有如《異形續集（Aliens）》中的那位「主教」生化人（由Lance Henriksen飾演），身首異處的變奏版，如非雷利．史考特在《阿拉伯的勞倫斯（Lawrence Of Arabia）》中找到了前輩偶像Peter O’toole做楷模，讓同為一頭金髮，同屬纖瘦身材，又有憂傷氣質的兩代影星有了參照比對趣味，例如David模彷Peter O’toole摸頭髮的方式，甚至模彷他的說話腔調，當Peter O’toole用手指捻熄火柴時，跟著唸出那句「忘痛」的關鍵對白：「The trick, is not minding that it hurts。」更是把生化人的「感官」特質有了從《阿拉伯的勞倫斯》找到進化註解的悠遊空間，才讓Michael Fassbender的表演有了新人耳目的能量（否則就是太多舊時相識了）。

沒有光，就沒有世界，沒有光，就沒有電影，做為一部科幻驚悚電影，《普羅米修斯（Prometheus）》的「光」設計，毋寧是全片最迷人的設計。

電影的探險主題是從蘇格蘭的深山洞穴開場，從的鑿開山壁開始，光的形影就主宰著全片的視覺線索，不論是山壁上的壁畫（其實，如果真如女主角Noomi Rapace所扮演的科學家Elizabeth Shaw所言，壁畫或古物遺跡是造物主的邀請，有此神力，有此誠心，大可大剌剌地昭告世人，何需躲在山壁裡，等待有心人或有緣人發掘？），或者是科學家向普羅米修斯艦艇上成員解釋此行任務的圖影解釋，從古文明拓印而來的光影織圖，已然是全片迷人的光圖序曲。 

至於太空船出發後，唯一清醒的生化人，戴著黃色護目鏡，逐一中醒在保溫艙沈睡兩年的探險隊員時，鵝蛋黃的光影，竟然是全片最溫的片刻人性時光了。

隨著探險隊進入到洞穴後，導演Ridley Scott接受了一個並不實用，卻很有視覺魅力的光球制服：每位探險隊員的太空衣衣頸中，都有幾顆光球，光球不思照亮前路，讓隊員能清楚看見眼前的陌生世界，光球的主要功能卻是要讓觀眾能看清楚隊員的五官反應，衣頸光源的設計，解決了黑暗洞穴裡的攝影師打光困擾，更因為從頸圈上照的特殊光源，讓觀眾得以更清楚辨識隨著前行腳步，一個陌生空間可能產生的恐懼與震撼。

其次，2089的地球人科技當然得有新鮮點子才能夠服眾，於是探索隊射出了探造儀，那是具有掃瞄空間功能的小小飛行器，一如蜜蜂探馬，搶先去探索與建構洞穴的縱深和寬幅。最特別的是這些探馬飛行器，一展翼就有紅光透體，光芒四射，全方位的紅光走向，等於是用紅光塗上了一道科幻輔助色，既新奇，又隱藏著前途難料的不祥氣氛，進可攻，退可守，讓Ridley Scott的幻術更有悠遊空間。

再來就是紅光傳導回來的綠光接受器，紅光不能白忙，在太空船的駕駛室裡，後勤指揮官立刻就能接受訊號，建構組合成綠光勾描出來的山壁重建圖，這個綠光世界一如前頭的紅色光線，都是後製動畫的效應，卻也是全片探險事實的重要敘事基地，就在後勤指揮官得能窺見全貌，做出撤離與否的研判時，觀眾也同時參與了這場綠奇拼圖奇景，滿足了平常時分難以得見的科學先驅功能。

接下來的螢光世界當然亦極迷人，Michael Fassbender飾演David捧出了「造物主」設定的地球目標儀時，投射在他臉上的螢光與笑容，散發出一種秘密揭曉的詭譎氛圍，但是那顆清冷的螢光地球，卻不是美麗的星球模型，而是作戰標靶時，悚然一驚的冰冷清洗，呼應得極其允當。

至於更動的科學設計則是那面夢之牆，基本上那是多媒體藝術的概念，既有人生成長史的吉光片羽影像，亦有片語隻字的生命密碼，以往的科學家從DNA的結構與排列序位來了解一個人，《普羅米修斯》卻透過David告訴Elizabeth Shaw說：「我讀過妳的夢。」傳達了更震撼的科學訊息：DNA只是你的生理結構，夢卻是你的心理結構，人類的DNA排序已非秘密，每個人的夢卻都有著自己的私情，一旦夢被人看穿，如同私密盡被人掌控，再難跳脫如來佛手掌心，Elizabeth Shaw怎能不心驚？觀眾怎能不心驚？Elizabeth Shaw私密檔案中的這檔夢之牆，既符合多媒體科技的綜合「新效」，亦富含了科技寓言的警世功能，確有巧思。

以上的「光景」，都是精心設計的「光感視效」，但是《普羅米修斯》中真正的恐懼，還是在那台功能超強的手術檯，不該出現的科學儀器，透露著金主不惜血本的商機考量，但是白亮亮，冰透透的器材與空間感覺，不但沒有醫護救人的安全信靠力量，反而成了擺脫冤孽的救命場與異形滋長的溫床，諸多矛盾的特質匯聚在那個慘白的房間中，才是《普羅米修斯》中最駭人的噩夢空間了。

Ridley Scott在《普羅米修斯》中的視效設計，有其卓見，亦有其巧思，唯有體察他做了些什，才能夠進一步檢視這些視效究竟有多大的前衛開創力量，我的認 知是Ridley Scott這回扮演了很成功的「綜效家」，原創的發明或許不多，但在後現代主義拼貼精神當道的前提下，他確實把諸多科幻光影元素都推向了極大值，創造了科幻電影與觀眾期約的視覺期待科。

如果說Chris Gorak執導的《黑暗時刻（The Darkest Hour）》是一部莫斯科觀光電影，Mabrouk El Mechri執導的《冷光線索（The Cold Light of Day）》則是另一部西班牙觀光電影。

我曾用「開場線索毫無關連」，「主角喪命不讓人心疼」和「主要事件欠缺合理解釋」三個觀點來檢視《黑暗時刻》的粗糙與簡陋，《冷光線索》其實也完全適用這三個標準來檢視。

首先，電影一開場讓我們看見男主角Henry Cavill飾演的Will，面對公司即將破產的危機而憂心忡忡，但是他破不破產，卻與後來的劇情發展並無關係（勉強的關連則在於是因為他頻頻講手機，惹惱了Bruce Willis飾演的父親Martin，一把搶過手機丟向海裡，他氣得游泳登岸，才讓他逃過以色列軍人的襲劫）。

其次，巨星Bruce Willis是電影的主要訴求賣點之一，但他卻不過亮相四場戲就莎喲娜拉了，他遇襲中彈就殞命的劇情固然是要讓Henry Cavill不得不獨挑大梁，負責解救被押做人質的母弟三人，但是大明星早早就死了，你不覺突兀錯愕嗎？正因為他死得不明不白，輕若鴻毛，更讓他原本是CIA強力探員的真實身份，顯得蒼白貧血；至於他留下的謎團，則是任由他人解讀，身為兒子的Henry Cavill只能驚訝於父親有這麼多他不知道的秘密，卻也只能任由對手牽著鼻子走了。

第三，《冷光線索》的核心劇情在於Bruce Willis曾經攔截了一隻皮箱，以色列情報特工急於取回，但是Bruce Willis的合作夥伴Sigourney Weaver則另有圖謀，想要高價轉售，以色列人不惜綁架Bruce Willis的家人做要脅，Sigourney Weaver卻寧願出賣夥伴，也要完成高價交易，問題就在於那隻皮箱裡究竟有什麼秘密？值得這麼多人拚死相爭？對不起，電影從頭到尾都沒交代，做兒子的Henry Cavill最後忍不住問了美國大使館官員，同樣得到了一個諱莫如深的笑容。

是嘍，為了一只箱子死了這麼多人，卻從頭到尾不知所爭為何？這何只是沒頭沒尾的劇情罅漏，根本就是莫名其妙，又不負責任的唬弄手段了。

《冷光線索》其實是一部小規模的動作電影，從來沒有情報特攻經驗的Henry Cavill先是為了保命，既而為了救人，所以拚盡全力死裡逃生，演出一段連特工人員都佩服的生死戰，成全了一則平民英雄傳奇。《冷光線索》有動作、有槍戰、有飛車，有帥哥，有美女，有懸疑，有秘密，有父仇亦有家恨，更有臭不可聞的情報暗盤，還有叩人心弦的背景音樂，再搭配從西班牙海岸到馬德里街景的異國風情，確實齊備了商業動作電影渴求的諸多要素，但是那些都是肉身幻影，少了靈魂的電影，就很難討喜了，《冷光線索》的敗筆就在於完全沒有交代核心之謎：那口箱子究竟有什麼寶貝？值得讓昔日同夥反目？會讓無辜妻兒全都遭殃？就連周邊效應，也處理得有氣無力：Henry Cavill還平空多出了一個同父異母的妹妹，卻不見兩人好奇探索父親的多情分身，對同胞血緣的關切亦顯得陌生冷漠，喪失了戲劇焦點。

更不堪的是，就連特務交易的停車場，理應極其慎重隱密，竟然也可以被色列特工包夾，而且連毫無實戰經驗的Henry Cavill都可以躡步接近，這群情報特工也未免太不專業了！（包括Bruce Willis輕易就掛了，Sigourney Weaver雖是笑臉魔鬼，但是幾度開槍也射不中Henry Cavill，不也同樣是不專業的特工？）一群不專業的特工，難怪搞得天下大亂，難怪讓觀眾完全使不上力，Bruce Willis和Sigourney Weaver兩位昔日巨星，如此草率送做堆，只為捧紅新秀Henry Cavill，恐怕只是白忙一場。

人物既然如此蒼白，全片只剩下西班牙風光還可以讓人多瞄兩眼，但是恐怕日後不會有旅客因為看過《冷光線索》想要去西班牙旅遊。我的結論是：本片徒然白忙一場。

當一部電影開場鋪陳的遊戲規則，很快就証明毫無意義時，這部電影註定要讓觀眾覺得進退失據。

當一部電影的主角在你眼前死去，你卻不覺扼腕與傷痛，這部電影創造的遠距冷感，註定讓人心寒。

當一部電影忙了九十分鐘，卻不能清楚說明究竟發生了什麼事，這部電影註定要讓觀眾覺得茫然失落。

Chris Gorak執導的《黑暗時刻（The Darkest Hour）》就是一部讓人備覺疏隔，無從參與，亦無從關心的清冷電影。

《黑暗時刻》描寫兩位美國年輕人專程趕赴莫斯科要去解說軟體創意，到場時才發現已被朋友剽竊，只能悲憤到夜總會尋歡買醉，才剛要把妹，就遇上外星人入侵，只能在陌生異域靠著觀光手冊逃生，不管Emile Hirsch和Max Minghella這兩位的出場背景為何，《黑暗時刻》的開場論述一點都不重要，目的只是要帶出他們的莫斯科驚魂而已，他們是不是軟體工程師？與後來的劇情發展一點關係都沒有，他們是不是美國人？其實也只是在吸引美國觀眾的身份認同而已，並非劇情關鍵，他們可以是任何一國人，他們的角色與身份亦都可以輕易替換。

更慘的是，《黑暗時刻》並不想突顯Emile Hirsch和Max Minghella的人格魅力，大難來時，眾生平等，堪稱是《黑暗時刻》的主軸精神，不論智愚賢，不論種族膚色，遇上外星人的下場都是一樣的，正因為他們毫無稜角，毫無光采，無法創造同情的投射心理，以致於就算幾度生死涉險，甚至最後還是有人飛灰湮滅，也只是像其他剎那歸天的冤魂，無人扼腕，亦無從傷感了。

沒有人知道《黑暗時刻》的外星人來自何方，或者所為何來，只看見它們殺無赦地屠殺人類，急著掠奪地球資源，但是同樣地，沒有人清楚，它們看中的是什麼資源，這種迷糊仗，平心而論，符合弱肉強食的生物侵略戰，交戰不需宣言，殺戮無需警示，倖生的人只能邊逃邊猜，自行拼組答案。但是，這樣的戲劇章法，同樣只能讓觀眾晾在一旁觀戰，完全使不上力。

當然，《黑暗時刻》並非全無是處，莫斯科與光影特效，至少維持了全片的視覺新奇。全片借用四位美國男女的莫斯科歷險，讓好萊塢以美國城市為戲劇焦點的傳統框架，得著了全新視野。俄羅斯的異國風情，不論是空無一人的紅場廣場，或者東正教風情的傳統建築，都讓這部並無新意的外星人入侵電影，至少有了新穎的異國風景，用全新的角度來審視莫斯科的名勝古蹟，埋下城市行銷的種籽，鋪陳日後的莫斯科旅遊契機。

當然，《黑暗時刻》亦沒有忽略科幻電影不可缺少的視效，努力打造了澄黃螢光的光影奇觀，一旦光影襲人，就像吸塵器一樣將人解體崩裂的特效，還算別致，只可惜偶一為之還有可觀，一再重覆，很快就讓人倦累了，至於其他的感熱偵測，則太過近以以往格局，更難讓人興奮了。

另外一個有趣的文化觀察是明褒暗眨的軍力掫揄。好萊塢的對抗異形電影，就算是人類兵敗如山倒，最後總有義軍從四面八方崛起，找出對抗之道，打一場沒頭沒腦異形戰爭的《世界異戰(Battle Los Angeles）》就是典型實例，《黑暗時刻》把場景移到莫斯科之後，俄國軍力全面潰敗，只靠散兵遊勇用土法打游擊，即使最後還有一艘核子潛艇潛泳脫困，但是艦上官兵從頭到尾只剩一人（電影的成本預算，節制了演員與場景規模），生機微薄，卻還會想要協助美國人回返美利堅？

是的，我不需要多花力氣來討論這部好萊塢小明星演出的小製作了，當成是莫斯科的觀光電影，或許還會讚歎這個城市的行銷勇氣。

如果用美食來比方，伊朗電影《天堂的孩子》是清粥小菜，好萊塢電影《神鬼傳說（The Mummy）》則是滿漢全席，用數位和杜比環繞音響炸得你耳朵開天窗，用電腦合成特技讓你的嘴吧只能連聲驚歎，來不及閉上。

愛看電影特效的人，應該不會忘掉《法櫃奇兵》木乃伊復活過程，甲蟲從大祭司的左臉頰的腐肉層跑進去，卻被他一口吞食掉的天衣無縫效果；愛看電腦動畫的影迷，看到大巫師化身滾滾黃沙，一路追逐滑翔機，差點就要把它吹垮，把它給吞噬掉的驚險鏡頭，的確，看到這兩場戲，你會佩服好萊塢的動畫科技，的確讓我們看到了不同層次的冒險故事，花了高票價不會太心疼。

但是，挑剔一點的人或許會覺得挖墓盜寶的電影結構好像《法櫃奇兵》，只是片頭多了一場法老王的宮廷政變戲，讓這段後宮偷情史，以及木乃伊借屍還魂的苦戀心志，有了更具說服力的原始動機。但是細皮嫩肉的白人主角就是聰明，就是有大難不死的好命；滿嘴絡腮鬍的埃及人就是笨，就是貪婪，以致個個不得好死的醜化描寫，根本就是建立在白人優越的帝國主義心態上。

因為，其實不管是白人或是埃及人，闖進死亡墓地，無非就是一個貪字。不論是去挖死亡法書，或是金銀財寶，都是想要掠奪原本不屬於他們的古物或珍寶，大家都是一丘之貉，只是有的人可能進一步會運用掠奪的法術或財寶去做惡，就成為被鬥爭的對象，成為眾所不容的大反派，大惡賊，反而是其他的小小偷有了可以存活的堂皇理由，這麼簡單的善惡二分法劇情，是娛樂電影最不負責，卻是最省力的方法，因為觀眾看電影一定要找到可以認同的對像，大奸碰上小惡，小惡就沒有那麼該殺了，小惡自然成為觀眾同情的對像，是不是？但是這樣的劇情註定了你在走出戲院的時候，就忘了你的心靈真正會同情，真正關切的戲劇角色。看過，就忘了，好像是這類電影的宿命。

就算你是很信仰好萊塢文化的影迷，你也不能不承認，至少，《法櫃奇兵》還捧紅了哈里遜．福特（Harrison Ford），但是《神鬼傳說》的布蘭登．費雪（Brendan Fraser）壯碩有餘，神采不足，喳呼不少，帥氣不足，就是無法相提並論；至於Arnold Vosloo飾演的印和闐，如非特效驚人，亦不會給人太鮮明的反派印象，只能算是聊備一格的黑暗勢力而已。

在技術層次來講，本片的動畫特技很夠水準；就戲劇層次來講，本片完全沒有超越《法櫃奇兵》的刺激，和《大法師》的恐怖效應；就文化層次而言，更欠缺了《大戰巴墟卡》中對帝國文化入侵原始文明的深刻反省。

平心而論，《神鬼傳說》只是一部熱鬧有餘，但是很快，你就會忘掉它，也不會再討論它的電影。不過，《神鬼傳說》的特效場面確有新人耳目的力量，搭配印和闐大祭司的古埃及秘法傳說，好萊塢肯定會有續集接連推出，就算如此，《神鬼傳說》還是難登好萊塢名人堂。

這是一部充滿音樂詩情的電影。

台灣電影，不是不懂得運用音樂，只是多數的電影，只會取巧運用主題歌曲，因為主題曲將來可以打歌，創造另類的電影附加價值。不過，萬仁導演的這部《超級公民》卻擺脫了電影歌曲的迷思，透過音樂家范宗沛的大提琴技法，將巴哈與韋瓦第的音樂，做為台北城的主題骨架，再搭配排灣族的原住民音樂，來豐足電影中弱勢族群人士迷失在城市裡的主題血肉。

每一段音樂揚起，就是一首詩，每一段音樂飛飄，就是一次的心靈詠歎，你如果能先從音樂著手，掌握導演的深情與智慧，你就更能體會電影的詩情意境。

電影的男主角阿德是一位計程車司機，平常不太說話，但是隨著劇情發展我們才逐漸發現，原來也以前曾經參與過相當多的政治反對運動，拍攝下許多難忘的反對運動抗爭史，不論是鄭南榕的自焚，或是盧修一的立院抗爭史，他曾經在火線上見証歷史，但是理想終究質變，火線往事，終歸也被人世給俗化了；回到個人的生活裡，我們也發現由於激情的政治崇拜，使得他疏於照顧兒子，以致兒子從高樓墜下殞生，從此，他開始自閉流放，像個都市裡的遊魂，改以開車為業。

但是他依舊在車前窗裝了攝影機，拍下這個都市的活動景觀（算是最原初的行車紀錄器，足足比流行早了十年，那亦是電影導演做為文化觀察家和流行趨勢先行者的傲人視野），拍下這個成長環境的點點滴滴，直到有一天，他接載了一位渾身是血的原族民青年，這位番仔才剛氣不過老闆罵他是《番仔》而把老闆給殺了，這段短短的旅程，是這位原住民青年人生的最後族程，後來他就被逮，被槍決了。不過，他的魂魄卻成和計程車司機有了連結的因緣，透過一陰一陽，一漢一原的對立談話和辯証中，原先的種族對立界線不見了，漢人知道了排灣族人的習俗和禁忌，也從中學習到更多面對生死的哲理與氣度。

原來，人生在激情時刻，眼睛裡是容不下雜質的，耳朵也聴不見雜音的，他們相信激情燃燒的光熱才是世間唯一的光輝；等到激情消散，回到最原始的生死根本，才會發現狂熱讓人目盲，讓人心盲，因為狂熱，因為迷戀，我們錯失了太多人生的面向，只在同一條死胡同中鑽營。

蔡振南的獨白不只是一位政治狂熱份子回歸平凡之後的省思心情，同時亦是亦其深情的人生詠歎，作家陳芳明在本片中重新展示了台語的優美詞藻，再透過蔡振南的滄桑嗓音註解，旁白與音樂交雜的效應，有如詩情入畫的交響詩，替電影打造了一份極其不俗的氣質，讓人生的光采與幻滅的對比，具現了歷史的無情與人生的無奈。

詩情的電影不會告訴我們人生的標準答案，而是透過鏡頭的線形運動和音樂的震動頻率，帶你進入一個深層思考的新空間。

看電影能夠帶給我們知識，啟發，用多一隻眼睛來看待我們的生活，萬仁的《超級公民》就是這樣的一部作品。