藍色電影夢

客人如果得罪了主人的金主，會發生什麼事呢？

答案要看客人是誰？金主又是誰？

羅馬尼亞在今年六月二日到十一日舉行了一個第三屆外西凡尼亞國際影展〈Transylvania International Film Festival〉。

這個影展的主力贊助金主是總部設在多倫多的Gabriel Resources礦業公司，因為它正積極進軍歐洲，要在羅馬尼亞的Rosia Montana地區開採全歐洲規模最大的金礦。

這個影展今年將終身成就獎頒給了英國知名女星凡妮莎．蕾格列芙（Vanessa Redgrave），她也欣然出席影展受獎。

在這之前，要明星有明星，要錢有錢，影展一切順利，問題就出在凡妮莎的得獎剎那。

因為凡妮莎是影壇知名的特立獨行女俠，她可以在奧斯卡典禮上批評美國政府的越南政策，從越南、車臣到伊拉克，凡是帝國主義對弱勢國家的侵略行動都是她深惡痛絕的，她在接受這個終身成就獎項時宣布要把獎座捐給當地的環保團體Alburnus Maior。

 

問題在於Alburnus Maior強力反對Gabriel Resources礦業公司在羅馬尼亞的開發行動，強調他們預定在2009年開始，為期16年，目標要挖出五十萬噸金礦的開採行為會強迫二千人遷離家園， 而且會污染當地生態，再加上凡妮莎又在媒體和影迷面前高聲疾呼說：「地球已經奄奄一息了，我們沒有權力再做任何危及生態體系的事。」Alburnus Maior則是回贈她Rosia Montana當地一平方公尺的土地，讓她也能和這塊土地產生連結關係。

不是Gabriel Resources礦業公司出錢贊助，影展當局顯然沒錢可以請到凡妮莎；影展肯定的當然是這位從影半世紀，拍了99部電影的女星的影藝成就，關鍵在於凡妮 莎從來不想當一位關在藝術象牙塔中的演員，一向熱心社會改革和政治議題的她曾經說過：「我一向慎選銀幕角色，這樣，一旦我的演藝生涯走到了盡頭，我才可能 充分表達出近代史上受迫害人們的故事，才可以對很多事物說出自己的看法。」

以前，她總以為只要自己夠有名，就有許多權力去圓夢，「後來，我才知道這不是真的。」凡妮莎表示只有不斷地衝撞挑戰，才能逐步實踐自己的夢想，她就是身體力行自己信念的實踐家。

然而，凡妮莎的行動也惹毛了Gabriel Resources礦業公司，六月二十三日在英國衛報登了全版廣告，以公開信的方式駁斥凡妮莎的言論，強調當地相當貧苦，半數人沒有自來水，四分之三的人 只能使用公共廁所，失業率高達七成，一旦礦業公司放棄開採計畫，村民生計就大有問題，如果能夠順利開發，初期至少有一千兩百個工作機會，日後正式開採時， 也可以提供六百位當地居民出任礦工，更別說因此創造的附屬就業機會，這份公開信上另外附有七十七位當地居民的聯署簽名。

其實這是一場開發與破壞的辯論，村民為了生計，自然歡迎帶來就業機會的財團，凡妮莎熱愛山林自然，但是不能實際解決他們的生活困境，投靠財團，是必然的選 擇，凡妮莎可以理解村民仰賴礦業公司的心情，但她還是強調：「開採礦業並不能拯救Rosia Montana地區，因為開採帶來的破壞與毒害是影響幾十年的。」失業是嚴重的民生問題，採礦可以解燃眉之急，未來呢？沒有人知道。

開礦之爭，是見仁見智的，真正尷尬的是影展當局。一方是出錢的金主，一方是特邀的貴賓，雙方的交集與交鋒都聚焦在影展上，還真是左右為難，只好保持沈默， 影展的官網上對這場爭議一個字都不提，然而回頭看看影展海報，兩個手掌烙印在圓土上的設計，似乎也正呼應著凡妮莎那種追求凡走過必留下痕跡的奮鬥心情。是 耶非耶，這則新聞其實提供了很豐沛的人生議題觀察面向。

 

一九九三年，我在坎城現場，那年影展有兩部作品共同獲得了金棕櫚獎，一部是紐西蘭導演珍．康萍（Jane Campion）的作品《鋼琴師和她的情人（The Piano）》和陳凱歌的《霸王別姬》。

 

我清楚記得當時自己坐在節慶宮大廳觀賞《鋼》時，被麥可．奈曼（Mychael  Nyman）的音樂緊緊纏繞包圍起來的舒暢與感動，看完電影後，我出來告訴凱歌：「你遇到一位強勁對手了。」

 

但是，那一年，我對《鋼琴師和她的情人》的關注與熱情，遠不如陳凱歌的《霸王別姬》（雖然我也寫過不少報導和分析的文章，盛讚《鋼》片的藝術成就，但我心中一清二楚，不是魚與熊掌的兩難，真要我選，我還是會偏愛《霸王別姬》），只因自己是華人，只巴望著華人電影亦能創下在坎城影展摘下金棕櫚獎的紀錄，卻忘了《鋼琴師和她的情人》的獲勝，意味著女性導演首度在坎城摘下首獎的另一層歷史意義。

 

理應客觀中性的記者，還是會有偏見與盲點的。我承認。

 

十六年過去了，二００九年我在台北，卻慶幸自己不在坎城現場，不是不想去，而是一旦去了，我的心又會偏向李安、蔡明亮、杜琪峰和婁燁，可能又再度忽略了珍．康萍。

 

從外電的照片上，看到現年五十五歲的珍．康萍，華髮已生，昔日美女如今也白了頭；從外電的電文中讀到了她大聲呼籲著姐妹們披上盔甲站起來，勇敢挑戰以男人為中心，不信任女導演的現行製片體系。我不知道她的呼籲能起多少作用，我只是很好奇，她的新作《Bright Star》究竟如何刻畫英國詩人濟慈的愛情與詩心，當然更期待，這一回，《Bright Star》的音樂處理究竟會呈現何等風情？

 

這一切都只因為，當年我們看完《鋼琴師和她的情人》時，不會忘記女主角荷莉．杭特（Holly Hunter）的精彩表演，更忘不了麥可．奈曼的音樂，偏偏，導演與音樂家的合作過程並不順遂，雖然不至於口吐惡言，卻是彼此都不再提對方的名字，麥可後來來到台北演出，接受我的訪談，提到與珍．康萍的合作過程時，甚至略帶憤慨說出了：「先是邀請，然後建議，最後就是命令！」

 

邀請，是廣邀群賢的創作雄心；建議，則是要求作品符合創作風格的行動指令，徜若大家的觀念差距甚遠，最後就只能用「命令」要求作品完全符合自己的要求。導演往往是最後下決定的人，一旦要下決定，就難免會有犧牲。

 

平心而論，珍．康萍的電影寫盡了啞吧少婦追求情欲自主和人格獨立的滄桑艱辛，麥可．奈曼的音樂則彈奏出了女性與環境、命運和心靈肉體的三層對話的氣質空間，他一向很喜歡在音樂ＣＤ上發表專文談自己的創意，樂迷們只要熟讀《鋼琴師和她的情人》的導讀手冊，就可以清楚他是如何歷經三個階段的煎熬與淬鍊，才找到了「一種可以穿透身軀的情緒，一種可以依附個人的音符」。

 

首先，在看過珍．康萍的劇本之後，他要求自己要先深入女主角的腦袋裡，找尋這樣一位生活在十九世紀的不知名女鋼琴彈奏家，她到底會彈奏什麼樣的樂曲？既然是百年前的故事，她的音樂氣質就要有十足古味，不能流露二十世紀的氣息。女主角艾達是從蘇格蘭移民紐西蘭的，如果改從蘇格蘭民謠或十九世紀的流行歌曲上找靈感，或許就能掌握到她的血脈氣質。

 

其次，女主角固然號稱「鋼琴師」，鋼琴是她沈默一生中唯一可以對話相伴的伴侶，技法上畢竟還是業餘的愛好者，不像專業的鋼琴師可以輕易彈奏出技巧繁複的深奧作品，「中庸」級的流暢快意，應該就可以傳達出這位鋼琴愛好者的基本水平。

 

更重要的一點，女主角荷莉．杭特扮演的艾達是個啞吧，所有說不出來的話，表達不清楚的情緒，完全得從她的手指尖流瀉出來。所以，電影中新移民家庭冒著狂風巨浪搬移鋼琴，但是丈夫完全不解風情，不明白鋼琴對她的意義，不知道鋼琴是她的魂魄所繫，反而是黥面的哈維．凱特從鋼琴裡掌握到她的心和她的欲望，琴音不但可以表現她的個性，更是她有口難言的情緒代言人，隨著劇情發展，奈曼寫下的每個音樂章節，就要讓電影主旋律能夠反應出她丈夫，以及情人之間的肉體和心靈互動層次。

 

奈曼經歷過這三層創作思惟的境界後創作出來的《鋼琴師和她的情人》主題音樂，輕柔中有動聽的通俗樂音，激昂中旖妮浪漫又不失華麗，準確地貼合劇情，傳達女主角的心情對話，激化點燃觀眾觀影的情緒。

 

奈曼的音樂可以分成「背景」和「心聲」兩個部分，「背景」音樂主要是指女主角艾達做為一位鋼琴師所彈奏出來的音樂，從她移民紐西蘭時所彈的「我的大秘密」、鋼琴搬遷時的單簧管音樂、她在情郎家裡練琴時所彈的樂章，以及她突然墜海時的旋律，都是屬於角色背景的音樂，反應的是女主角身處十八世紀中葉時所嫻熟的曲子，做為一位演奏家，她對鋼琴的狂戀，以及她在琴鍵上自然顯現的指法技藝，音樂充分說明了角色的外在環境與姿態。

 

至於「心聲」部分，則是從奈曼標題稱之為：「THE HEART ASKS PLEASURE FIRST」（心靈先求喜樂）的主題音樂，這段旋律電影一共出現了六次，但是有喜有悲，同樣的一段旋律卻能展現兩極化的情緒反應，音樂的縱深空間面對影像的詮釋配合時能夠呈現截然不同的情緒內涵，功力非凡。

 

首先是艾達要求黥面男人帶她重回海邊找到了被老公棄置在海邊的鋼琴時的喜悅，以及她終於在黥面男人家中重新彈琴時的喜悅，艾達什麼話也沒有說，但是奈曼的音樂傳達出了她的喜樂內心；但是同樣的主題卻也使用在她的先生發現艾達有了私情，要在山林中強暴她；以及狂憤嫉妒的先生在血氣衝頭下，拿出斧頭就朝艾達手指砍了下去的的關鍵時刻，甜美的主題瞬間轉化了飄零的小花小草任暴風狂雨摧折的無奈悲情。

 

斷指濺血的剎那，讓人心亂的主題旋律嚘然無聲，引導著大家錯愕驚覺於人間無情，然後音樂再悄悄回轉，以沈重穩緩的慢板，精準襯顯了手傷心也傷，手痛心更痛，但是一切都喊不出口，也不想讓其他人分享，只能無奈又無力地跌坐在爛泥裡，前一刻嘠然而止的音樂空白，成了緊叩人心的音樂處理，中斷，不存在的空白，反而成了最有力聲音控訴，光是這場戲，這段空白，就已經成為《鋼琴師和她的情人》名列影史珍寶的經典關鍵戲了。

 

但是這麼細緻精彩的音樂創作並不是得獎的靠山，1994年奧斯卡競賽，飾演母女的荷莉．杭特和安娜．芭昆都摘下了演技獎，僅管事前呼聲很高，但是奈曼碰上了強勁對手約翰．威廉斯，他的《辛德勒名單》靠著帕爾曼抒情感人的小提琴獨奏，傳達出德國人在納粹淫威下，還有辛德勒這種人敢於向猶太人伸出援手，悲天憫人的襟懷配合淒惻纏綿史詩樂章，感人肺腑，落敗後的奈曼只好自我安慰說：「我的ＣＤ賣得比約翰．威廉斯的好。」

 

多數的電影音樂都會走「甜美」路線，主要是因為電樂音樂搭配劇情畫面，以激化情緒或突顯衝突為主要功能。一旦「甜美」，觀眾就比較容易接受，聽懂，記住，可以在最短的時間產生認同感，在劇情畫面和個人想像力的相互激盪下，油生化學效應。《鋼琴師》的幾首鋼琴曲，即使單獨聆賞，也屬於是捉得住凡夫俗子耳朵的暢銷音樂，關鍵就在於麥可緊緊掌握住「中庸」和「通俗」的趣味，再從中滴加了個人才氣。

台灣的電視觀眾在七月一日都可以從緯來電影台的螢幕上再度看到馬龍．白蘭度的風采。

很少人會想到這一天正是這位二十世紀最傑出男演員的逝世二周年祭日。

不過，很不幸地，緯來電影台不是誠心誠意要來追思馬龍．白蘭度，而是趕搭著《超人再起》的熱潮，讓影人重溫了近三十年前的第一集《超人》，其中，穿著一身純白晶亮的反光緊身衣的馬龍．白蘭度反而成為惹人爆笑的漫畫角色。

是的，《超人》絕對不是馬龍．白蘭度的演技代表作，而是他的撈錢之作。美國電視台追思他的方式是重映他的《岸上風雲》和《欲望街車》，而且請出專人解釋什 麼叫做方法演技，分析他在電影中的小動作，讓影迷知道一位傑出的演員是如何在細節上經營出大眾可信的寫實力量。

當然，我也會推荐他在《教父》和《巴黎最後探戈》中的經典演技。《教父》中，他在嫁女兒的婚宴上還不能拒絕老鄉的請託，冷酷與熱情，絕對矛盾的情緒在他身上找到了老爸與老大的交集；殷切叮嚀接班兒子艾爾．帕西諾的識人與防人術時的滄桑與老練，更是老江湖的精華再現。至於《巴黎最後探戈》最精彩的戲，其實不在他在公寓中野合的野獸衝動，而是他面對自殺妻子的最後告白，以及在浴室面對新歡時，違背自己不照鏡子，不披露名姓的原則，掉入另一個人生陷阱的自我剖析。

他是一個口齒不很伶俐，咬字不很清晰，情感卻能排山倒海而出的超級演員。

台灣人不太記得馬龍．白蘭度了，《超人》的重播， 其實是搭錯車的巧合，只是如果新生代影迷對他的初識是《超人》這部電影，那就可能是悲慘的錯誤了。因為他在《超人》中飾演穿起緊身衣的超人爸爸Jor-El，就是給人一種宛如得了大頭症的侏儒巨人，極度的不協調，他有超凡的能力，卻在星球毀滅的最後時刻只能倉皇辭廟，確實處理得很尷尬。不過，他在電影中宣稱永遠不會離開兒子的諾言，卻也提供了他在《超人再起》中得能透過影像晶柱的科技再度現身的前提。

或許是因為馬龍．白蘭度在《超人再起》中的驚鴻一瞥，讓出品「超人漫畫」的美國Mattel公司也決定讓這個角色進入玩具生產線，預定今年秋天上市，成為超人迷也可以珍藏的塑膠玩具。一輩子都在做叛逆英雄，他騎摩托車的帥勁，一直深受古惑仔推崇，應該是怎麼也沒料到自己會成為玩偶公仔吧？人生的吊詭與荒唐，在他的祭日，顯得格外突兀。

我可不可以不要用這種方式，紀念馬龍．白蘭度？

一張好照片，能夠說明千言萬語，一張好照片，能夠讓我們看到某人的一生。

英國國立人像畫廊〈National Portrait Gallery〉最近要展出知名超現實主義攝影師麥克賓（Angus McBean）的人像代表作品，就透過與眾不同的構圖，強調影像的潛意識內容與深層涵意，來突顯人像的內心和生命特質。

以前，我並不認識麥克賓，但是他的鏡頭卻留下了知名的二十世紀人物肖像，透過他的人像處理，過去，我對這些名人的籠統印像，卻變得格外鮮明，讓我更加相信一張好照片的魅力與影響力。

例如，主演過《春殘夢斷》、《魂斷藍橋》、《亂世佳人》和《欲望街車》的女星費雯．麗，年輕時，風華絕代，年華老去時，精神狀態卻極不穩定，麥克賓卻是早在1938年時就從觀景窗中看到她的憂鬱不歡，用陰影對照法，用雙面夏娃的基本結構，讓我們看到費雯．麗的靈魂。當年，這幅人像或許只能讓人構圖之美，以及內含的意境，如今，卻成為影史真像的解剖存証，這款功力，就是藝術家的直覺異稟了。

同樣地，1950年的奧黛麗．赫本（Audrey Hepburn），不過也才二十一歲，平心而論還只是個黃毛丫頭，從小就喜歡製作面具與劇場道具麥克賓卻已經看到她的天仙潛力，他拍的人像不是單純的人像，而是透過超現實主義的構圖法，讓我們看到赫本的頭與肩穿破歷史沙塵，身旁還有一根根的雄偉雕樑。如果赫本不曾走紅，這張人像就會是極其詭異的一張照片，但在赫本已經成為二十世紀的傳奇女星之後，重看這張人像，你就不能不承認麥克賓是先知。

當然，從知名人物的肖像倒推回去解讀影像的力道，分析影像的魅力，很多人都可以洋洋灑灑地倚馬千言，但是如果面對的是陌生的名人，一知半解的遙遠傳奇，影像的力量其實更有趣。

例如舞蹈天后瑪歌．芳婷的舞姿，我無緣得見，但是麥克賓把她的肖像擺放在一舞蹈家肌肉豐飽的雙腿胯下，強烈的互動對話，鮮明的動能形象，幾乎就要躍出相片畫框來了。

同樣地，曾經在阿特曼電影《謎霧莊園》中佔有一席戲份的二十世紀英國名作曲家艾弗爾．諾維羅（Ivor Novello），對我而言就是絕對陌生的名字，不查資料，我根本不知道他曾經是前半世紀英國知名的男演員/作曲家/劇作家，曾經拍過兩部希區考克的電影，還進軍過好萊塢，也因為他是同性戀者，一度還有八卦流言說邱吉爾曾和他有過一夜情，他最傑出的成就在於歌曲和輕歌劇的創作，至今英國每年還會用他的名字頒發獎項，肯定優秀音樂工作者。

面對這樣一個人物，麥克賓採用了樂譜、手稿和肖像的疊現拼圖，建構後人對他傳奇一生最鮮明的記憶圖像。

看著麥克賓的人像攝影，我不禁就會想起麵包合唱團的名曲「If」，歌詞中深情款款地唱著「If a picture paints a thousand words, then why can’t I paint you?」如果每個人的一生都可以用一張照片來整結，你會選擇什麼樣子的構圖，選擇什麼樣的象徵呢？

古典音樂知名的家族有萊比錫的巴哈家族，還有維也納的史特勞斯家族，電影百年的唯一音樂世家就是紐曼家族。

紐曼家族的大家長艾佛瑞．紐曼（Alfred Newman）1900年出生在康乃狄克州的新港，他的父口母親從事水果批發工作，艾佛瑞從小就展露音樂天才，八歲就上台演奏鋼琴，十八歲到百老匯當指揮家，寫過不少流行歌曲。電影從默片時期進入有聲片之後，他在製片人艾文柏林(Irvin Berlin)的賞識提拔下，從紐約前進洛杉磯，先後擔任了聯美公司和福斯公司的音樂總監，創作過兩百多部膾炙人口的作品，更創下個人包辦45次奧斯卡提名的驚人紀錄（直到2006年才被約翰．威廉斯以第46次提名超越了），至於他從1938年到1946年連續九年都有作品獲得奧斯卡提名肯定，一生一共拿過九座奧斯卡獎，都是很難超越的創作標竿了。

當時，好萊塢的音樂主流由來自歐洲的音樂家如馬克斯．史坦納(Max Steiner)（代表作品有：《亂世佳人（Gone With The Wind）》和沃夫岡．康古德（(Erich Wolfgang Korngold)代表作品有：《俠盜羅賓漢（The Adventures of Robin Hood）》，艾佛瑞紐曼則是純粹士產的美國音樂家。

他是出名的暴君，要求完美，不肯輕言妥協，一般指揮家通常排練個十五分鐘就很難得了，但是艾佛瑞往往練上一個下午，還不肯休息，經他慧眼賞識，安排擔任《南太平洋(South Pacific)》鋼琴伴奏，才晉身好萊塢的名作曲家約翰．威廉斯（John Williams）就曾說過：「只要艾佛瑞站在指揮台上，大家都會格外賣勁！」老將勾史密斯（Jerry Goldsmith）也說：「只要你有才華，他就會敬重你。」如果導演嘮嘮叨叨干預音樂創作，他也會不客氣地把導演趕出錄音室，大名鼎鼎的卓別林就挨過他的逐客令。

艾佛瑞．紐曼的爸媽養育了十位孩子，他排行老大，在好萊塢奮鬥有成，理所當然成為弟弟們跟進的踏腳石，前後共有三位弟弟跟著他進入好萊塢，首先是很會寫歌，也是好萊塢明星家庭醫生的艾文．紐曼（Irving Newman’）；還有以指揮見長，但是個性風流，不拘小節，會穿著紫色襪子配著黑色大禮服到林肯中心指揮演出的艾米爾．紐曼（Emil Newman）；以及深受梅．蕙絲和瑪麗蓮．夢露信賴，在艾佛瑞過世之後，接任福斯音樂總監的李歐尼．紐曼（Lionel Newman）。

紐曼家族都和奧斯卡淵源很深，加起來已經將近百次提名，但是得獎的只有三人，除了艾佛瑞之外，李歐尼．紐曼先後獲得十一次奧斯卡提名，並以《我愛紅娘（Hello, Dolly!）》獲得奧斯卡改編音樂獎。至於曾以《怪獸電力公司（Monsters, Inc.）》獲得奧斯卡電影歌曲獎的蘭迪．紐曼（Randy Newman）則是艾文．紐曼的兒子，論輩份算是他的侄子了。

艾佛瑞忙於事業，很晚才結婚生子，長子大衛．紐曼（David Newman）才十五歲的時候，艾佛瑞就去世了，不過，他的音樂細胞完全傳給了他三個孩子，大衛、湯瑪斯（Thomas Newman）和瑪莉亞（Maria Newman），除了瑪莉亞致力於古典音樂之外，大衛替一百部電影創作過配樂，而從1995年開始陸續獲得十次奧斯卡提名的湯瑪斯儼然已經是好萊塢的音樂新掌門了。

大衛．紐曼和父親一樣，從小就很有表演欲，跟著交響樂團拉小提琴，直到進了大學，才開始專心聽爸爸的作品，他發覺用音樂表和電影結合，表現電影的精神和趣味實在是很好玩的一件事。

可是，老爸名氣再大，並不保証他就業順利，他在好萊塢混了三年，只爭取到幾部小成本電影的配樂機會，一直到遇上了矮子紅星丹尼．狄維托（Danny DeVito），才以《推媽媽出火車（Throw Mama from the Train）》爭取到自我表現的空間，片約從此不斷，他也感恩圖報，丹尼．狄維托再拍新片，他都會全力以赴，他很推崇丹尼的音樂感官，他會先告訴大衛他要什麼樣的音樂，然後就交給大衛去完成，去落實，他最怕那種說不出音樂感覺，只會說一些還不夠高，還不夠低，或是可不可以倒著演奏的外行話的天才導演。他們先後合作過《玫瑰戰爭（The War of the Roses）》、《超級巨人（Hoffa）》、《小魔女（Matilda）》和《美國詐炮（Death to Smoochy）》等片，至於《石頭族樂園（The Flintstones）》與《希德姐妹幫（Heathers）》等片的配樂也都出自大衛手筆。

音樂生涯往往有很多神秘的巧合傳奇，其中最特別的是1998年他以卡通電影《真假公主（Anastasia）》音樂，第一次獲得奧斯卡提名，而他的父親早在1956年，也同樣以英格麗．褒曼主演的《真假公主（Anastasia）》獲得奧斯卡獎，父子倆相隔四十二年創作同一個故事的電影音樂，就已經是很難得的事了，況且還都獲得奧斯卡提名肯定（但是父子也同樣不幸敗北），還真是巧啊。

大衛形容他自己是個樂團癡，音樂創作的時候，他都想請交響樂團來詮釋他的作品，後來洛杉磯愛樂交響樂團也知道他的這個喜好，特地和他簽了一紙合約，負責譜寫「電影音樂」作品，每年由洛杉磯愛樂來演出，同時也提供給一般的短片創作使用。

今天會拉雜提到大衛紐曼和他的家族，主要是大衛獲 選為BMI音樂基金會每年一度的Richard Kirk獎得主，五月二十日要頒獎了，這個獎的歷屆得主都是赫赫有名的電影配樂大師，包括了傑利．弋史密斯（Jerry Goldsmith）、麥可．凱曼（Michael Kamen）、丹尼葉夫曼（Danny Elfman）、艾倫．曼肯（Alan Menken）、約翰．貝律（John Barry）和約翰．威廉斯（John Williams）等人，讓近年來致力帶領美國青年交響樂團的大衛也能追上弟弟湯瑪斯的腳步。他在2009年完成的電影《閃靈俠（The Spirit）》配樂也頗受推崇。