藍色電影夢

《變裝男侍（Albert Nobbs）》是一部教人傷心的電影，因為主角找不到出口，得不到救贖，快樂如此短暫，痛苦如此漫長，觀眾一直揪著心陪著主角前行，她的絕望與哀苦，因此也逐步暈染到觀眾心上，不管是同情，或者黯然，都有著波長相同的共振效應。

 

《變裝男侍》描寫十九世紀都柏林旅館服務生Albert Nobbs，他取了一個很男性化的名字，但是身材嬌小，靠著不苟言笑的肅穆敬業態度，世人才難以發覺他其實是個女兒身，好萊塢傳奇女星葛倫．克蘿絲（Glenn Close）在1982年就曾在紐約的外百老匯演過Albert Nobbs這個角色，深受愛爾蘭小說家George Moore原著精神的感召，三十年來一直想要將這齣戲拍成電影，卻直到2011年才如願，或許就是天意，因為直到64歲才在大銀幕上飾演起Albert Nobbs，才更讓角色靠著小引存夠了一大筆錢，因此急切想要成家，想要娶妻的內心祈願，在體力漸衰的老年時分，得著了更有說服力的註解。

 

雌雄天註定，人生無法決定自己的性別，被迫變裝，或者自願變裝，一定都有不得已的心路歷程，《變裝男侍》中的女性變裝，只有一個目的：活下去。如果扮成男人才能找到工作，養家餬口，你幹不幹？如果扮成男人，才可以逃避家暴，你幹不幹？適合第一個問題的是葛倫．克蘿絲飾演的Albert Nobbs；適合第二個問題的則是Janet McTeer飾演的油漆工人Hubert Page。差別在於，Albert Nobbs永遠只能遵照男人畫定的世俗框架過日子，只能將就著狹窄的縫隙呼吸度日，因此總是愁苦滿面，極不快樂；Hubert Page卻多了一顆衝撞挑戰的心，她不但學會了男人粗魯豪邁的腔調與舉止，甚至還與女人給組了同性家庭，在男性的威權凝視下，他過著從容自在的生活，Albert Nobbs或許具現了變裝傳奇，但是Hubert Page卻是傳奇的進化版，他的出現，讓Albert Nobbs知道他並不孤單，他的突圍成功，更讓Albert Nobbs敢於加速往前衝去逐夢。

 

《變裝男侍》中的Albert Nobbs只有兩場戲得能露齒而笑，第一次是到Hubert Page家作客，赫然發覺，同性婚姻亦可以如此幸福美好；第二次則是Hubert Page喪偶後，她們一起穿上女裝外出，找回了身為女人的原初滋味。一輩子只笑過兩次的女人，每一回的笑，對照他的長期鬱悶，雖然能使旁觀眾生替他開心，卻也對他的，更加不捨與同情，這亦說明了電影的節奏雖然如此緩慢，卻夠讓觀眾懷著忐忑的心，希望癡傻的Albert Nobbs終能如願似償。

 

以往的變裝電影，總愛強調變裝奇觀，從《窈窕淑男（Tootsie）》到《窈窕奶爸（Mrs. Doubtfire）》無不如此，《變裝男侍》最聰明的一點則是直接跳過這種奇觀論述（不可能超越前人，也不必去超越，否則反而會讓人油生一種「又來了」的不耐感受），而是透過現在進行式的既定樣版，深入檢視其處境艱難。例如，粗壯男人都未必勝任的扛行李工作，Albert Nobbs卻不能讓人看扁，他的拚力以赴，自是讓人心疼，可是一旦真要與粗壯男人爭吵搏鬥時，明顯力不如人的Albert Nobb，反而讓自己陷進了鬼門關，那更讓人心痛；至於老闆娘硬要塞一個男人到他的房間共宿，他如果悍然拒絕，就會啟人疑竇，他的左右為難，讓人捏一把冷汗；但是同居一室，卻也終於讓他無所遁形，剎時就窩在牆角哀嚎求別洩密的急切，同樣讓人不捨；同樣地，他那一廂情願的感情追逐卻是「眾人皆醒我獨醉」的癡笨，連接吻都不會，連欲望都沒有的愛情，難怪要被少女棄嫌？

 

Albert Nobbs的真正悲劇在於他既做不成真男人，更不懂得女人心，因此進退失據，算計了一輩子的願夢，剎那就成了泡影，觀眾在他身上看到了命運巨輪輾壓過去的印痕，而他卻是連呻吟一聲都來不及的，無情與無奈雙雙輾壓而過，誰不唏噓？《變裝男侍》是一部懂得書寫悲涼的佳作，葛倫．克蘿絲則是讓自己蠟像般的蒼白臉孔，凝聚了古時女性的悲情，讓世人看見女人苦，女人悲，正是《變裝男侍》的用心所在了。

好電影有諸多功能，其中之一就是讓觀眾各言其志，每個人看完電影後都有眾多心得，可以書寫，可以分享，就像一塊巨石拋入水中，激起漣漪無數，而且漸散漸遠，不知幅員有多遼闊。

 

美國導演Alexander Payne參與編劇，根據女作家Kaui Hart Hemmings的小說改編而成的《繼承人生（The Descendants）》， 主軸核心是「親人死亡症候群」，但又另外搭配了「生前外遇」、「親子代溝」和「祖先遺產」三條副線，縱橫交織成浮世紅塵的人性肌理，既能讓觀眾「對號入座」（類似情境的感同身受），又能讓觀眾「冷眼旁觀」，寄予主角悲憫同情，不論主觀或者客觀，都能讓人自由出入的空間，世界就格外寬廣了。

 

《繼承人生》的故事設定在「人間天堂」夏威夷，但是男主角喬治．克隆尼（George Clooney）飾演的Matt King的 開場白，卻直接對「天堂說」提出質疑，「天堂？去他的天堂！」凡夫俗子都羨慕能住在天堂的人，但是天堂中人卻依舊要為俗事煩心，債要償，情要還，更別說「柴米油鹽醬醋茶」的瑣碎細節。不過，《繼承人生》批判的重點並不在夏威夷究竟是不是人間天堂，而是在天堂坐擁山河財富的子孫們，如何看待天堂人生？Matt King究竟要不要「變賣祖產」，出售那塊美麗海灣給財團？不但批判了資本主義下無盡開發的掠奪性格，更是對經濟不景氣底下，依舊好吃懶做的頹廢人生一計當頭棒喝。

 

電影劇情從Matt King的妻子Elizabeth（由Patricia Hastie飾演）滑水出了意外展開，「親人死亡症候群」其實是很多電影討論過的題材，《繼承人生》的犀利之處在於時間座標的往前挪移：別人都是死後的煎熬、醒悟與淚泣，本片卻把座標前移到一息尚存的暈迷時刻。生機不多，卻仍期待奇蹟轉機，還不到號啕大哭的時候，停在眼眶中的淚水，反而滌洗了哀傷家人的雙眼，得到更多的時間與空間來反省他們和「病人／死者」的關係，想要彌補的，想要再說一次的，即使已然得不著回應了，卻仍未到全然失去的絕望關頭，這種「尺寸之遙，意境全殊」的生死拿捏，構成了《繼承人生》的獨特韻味。

 

最辛苦的是Patricia Hastie，她唯一的演技竟然是躺在病床上，飾演「聞風不動」的植物人，有氣息，卻無知覺，有肉身，卻不能動彈，看似道具，卻牽動著所有的角色心情，雖然她不能再為自己的行為做辯解，靜默，卻存在；無言，卻有如無所不在的巨靈，對家人親友都構成強大的牽制力，份量極重。

 

昏迷不醒的Elizabeth，對她的家人造成了兩大衝擊：首先，女主人不見了，這位身兼妻子／母親／情婦／好友／女兒等多重角色的女性，就因為她的瞬間失能，迫使所有親友都能重新省視 她的價值與意義，這其實是「死亡」議題必定激發的人間反省效應，每一層關係的重新註解，都得著了這個破碎家庭縱深解剖：夫妻是怨偶，如今沒得吵了；母女爭執的不是管教，而是母親對父親與家庭的忠誠；情郎沒有不捨，反而如釋重袱，「幾許恩愛苗」，卻是「枉作相思夢」；論及婚嫁的心情，其實好友則要面對只說好話，不說真話的道德困境；父親則把女兒遭逢的劇變，一面倒地怪罪於女婿…不同的記憶角度，不同的論述反應，讓不能動彈，不能再辯駁的Elizabeth反而得著了更清楚的生命浮雕。

 

《繼承人生》的劇本雖然走的是家庭通俗劇的格局，卻不忘適時加進逗人爆笑，卻又極其辛酸的生命元素，其中之一是Elizabeth的母親早已失智癡呆，不記得自己的女兒，老伴說要去探視Elizabeth，「記遠不記近」的她卻解讀成要去見Elizabeth女王，得去盛裝打扮了，是的，骨肉至親也抵不過病魔摧殘，最高明的悲劇就是在笑聲中讓人黯然落淚，「參不透， 鏡花水月，畢竟總成空」的正是我輩癡人。

 

其中之二則是Amara Miller飾演的小女兒Scottie，母親的瀕死暈厥改變了所有家人的生命節奏，從未體會死亡陰影的Scottie卻是再難閃躲，她用照相機拍下了母親的垂死畫面，理由是著名攝影機曾以這款主題獲獎，她亦有絕佳機會在母親身上捕捉死亡的陰影，但是有如「停屍遺照」的真實照片卻嚇壞了同學，引發了不小風暴，《繼承人生》的劇本用了讓人始料未及的角度，突顯了年輕世代面對生死逆襲時的因應態度，透過這些「獨家」照片，精準表達出孩子對母親遭逢意外後的驚惶、憤怒或不捨，同時，也因為Scottie在同儕中率先碰觸到死亡議題，這種與死神握手的經驗「優勢」，帶動了其他同學的生命啟蒙，有人到病房「檢視」，確定Scottie不是瞎掰唬人，有人則是在Scottie的怨咒下，避閃無門，只能接受死神輕敲別人家門的殘酷現實。

 

死亡會讓時間停格，死亡亦會催動人心反思，《繼承人生》因為多爭取到幾天的死前時光，讓停格與反思碰撞出更豐與更多元的親情論述，曹雪芹在「紅樓夢」裡曾經寫過：「世事洞明皆學問，人情練達皆文章。」《繼承人生》就有這等功力。

 「狗來瘋」，堪稱是2012年好萊塢另一個有趣話題，法國電影《大藝術家（The Artist）》的藝術形式與復古主題，從去年坎城影展就攫取了不少焦點與好評，其中，忠心耿耿守候在主人身旁，共同分享喜樂哀愁的那隻傑克羅素梗（Jack Russell terrier）Jack（由狗明星Uggie扮演），就因為充滿喜感，隨時可以配合主角裝死搞笑或者慰問送暖，每一回只要鏡頭帶到它，就能讓觀眾莞爾一笑，極有魅力，去年五月就先在坎城贏得了「狗棕櫚大賞（Palm Dog Award）」（因為坎城影展的最高榮譽是金棕櫚獎(Palme d’Or），「狗棕櫚大賞顧名思議就是當年表現最搶眼的狗明星，不管它是真狗或者動畫）。

 

接下來，Uggie在201年金球獎頒獎典禮上，不但打上一條蝴蝶領結走紅地毯，還能做出各種討喜表演，甚至在「主人」Jean Dujardin上台領取最佳男主角獎時，陪著上台領獎，表演「中彈身亡」的招牌搞笑動作，更是贏得滿堂采，甚至搶走了「主人」的光采。

 

正因為Uggie如此搶眼，美國電影期刊Movieline的記者S.T. VanAirsdale就帶頭發動了「支持Uggie／Consider Uggie」運動，希望奧斯卡或者正式的電影獎都能正視Uggie的精彩表演，理由是Uggie已經八歲了，傑克羅素梗的平均年紀約是十三歲到十六歲，亦即在狗世界中已經算是花甲老狗了，連它的飼主Omar Von Muller都主張Uggie明年可以退休了，不要再那麼勞累表演了，所以VanAirsdale主張，趁著黃金時光，頒獎給Uggie，此其時也。只可惜，動作不小，觀眾反應熱烈，就是投票委員沒有理他。

 

不過，Uggie的好運還在繼續上演，二月八日，任天堂推出一款「任天貓狗（Nintendogs + Cats）」遊戲，就請Uggie做「代言狗」；二月十三日，由「每日狗報（Dog News Daily）」主辦的金項圈獎（Golden Collar award），也頒給了Uggie，表揚它在影視節目中的精彩表演，大導演馬丁史柯西斯(Martin Scorsese)還為《雨果的冒險（Hugo）》中的愛犬明星未能獲勝大發雷霆，為娛樂圈多添了趣味話題。

 

狗明星要想亮眼，本身靈光當然重要，劇本給了多少空間？導演做出多少取捨？都是關鍵，例如，Uggie也曾演出《大象的眼淚（Water for Elephant）》，但是任我怎麼回想，也想不出導演給了他什麼特別戲份，以致於我過目即忘，完全不像《大藝術家》那樣，從舞台到餐桌，從富貴到落難，Uggie堪稱最佳配角，一路相伴不說，還有奔波求救，上演忠犬救主的好戲，導演Michel Hazanavicius坦承Uggie的功能就是讓觀眾經由它的忠心，接受男主角Jean Dujardin飾演的默片巨星George Valentin，因為電影的開場就是George Valentin挾巨星名氣，獨佔舞台，不肯介紹同片女星的囂張跋扈，相對之下，他對Uggie的鍾愛，Uggie的默契配合，反而是George Valentin最有「親和力」人性時刻，亦即Uggie的可愛，不但贏得了觀眾的驚歎，也讓觀眾愛狗及人，對George Valentin多了幾分好感與同情。

 

不過，Michel Hazanavicius對Uggie倒是有很中肯的評斷，他坦承Uggie如此暴紅，確實出乎他的預料，原因在於Uggie誠然聰明，也可愛，但是它只是聽話的好狗，只要忠實遵照指示，逐一完成設計動作即可，很難說那是「表演」。而且，因為《大藝術家》是默片，不收錄現場音，以及飼主Omar Von Muller可以在現場直接號令Uggie做動作，不用怕聲音穿幫，讓Uggie的表演能量得能更輕易的激發出來。Omar Von Muller也坦承他只是先讓男主角Jean Dujardin與Uggie相處幾天，培養默契，再讓Jean Dujardin學會基本號令手勢，能夠指揮Uggie做反應而已。

 

不管真相如何，觀眾永遠是癡情與瘋狂的，相信，也迷戀銀幕上看見的一切，Uggie所帶來的「狗來瘋」現象，我相信在今年的奧斯卡盛會上，一定還會有專為它而設計的表演節目，就讓大家拭目以待吧。

很少有電影工作者對美國中央情報局（CIA）說好話，但卻經常看到電影拿CIA做文章，CIA是個可愛的搖錢樹，所有的壞事都可以賴給CIA，它不會抗議，只會默默承受，而且刻畫得越是惡形惡狀，就越可能創造更多的財富。

 

CIA其實是勢力龐大的惡魔，它以美國的「國家利益」為名，挾著美國強大國力，在全球各地為所欲為，好萊塢CIA電影的基本公式幾乎可以歸納如下：被貼上標籤的，未必就是「壞人」；正義凜然的，未必就是「好人」；「長官」最不可信賴，「敵人」往往才是知音。而且「壞人」往往另有隱情，不是含冤莫白，就是力求清白；「好人」往往才是包藏禍心，上下其手的貪腐敗類；追殺你的，往往是同一陣線的夥伴；最能伸出援手的，往往卻是你的獵物。Daniel Espinosa執導的《狡兔計畫（Safe House）》雖然網羅了丹佐．華盛頓（Denzel Washington）和雷恩．雷諾斯（Ryan Reynolds）等紅星，卻因未能超越公式，所有的變數情節都太可預料，驚悚動作電影的樂趣就輕弱了許多。

 

《狡兔計畫》的英文片名「Safe House」，指的是CIA在各地布置的機關暗室，用來秘密偵訊人犯，理應安全又私密的「Safe House」，其實一點都不「Safe」，正是編劇David Guggenheim想要玩的片名遊戲，但是有「Safe」之名，卻完全不「Safe」，顯然機關太清楚，既不吊詭，又不意外，趣味大失。

 

雷恩．雷諾斯飾演的Matt是看管南非開普頓CIA「Safe House」的探員，上任12個月來，沒有風吹草動，整天獨對空屋，苦悶至極，還好有一位熱戀中的法國女友凱莎琳（由Vera Farmiga飾演），Matt急著想要改派巴黎，就可以共效于飛了，但是直屬長官要他稍安勿噪，等他立功，就一定會改派他移駐巴黎。這種立功就行賞的「餵養」招式，其實已經明示觀眾，接下來的「Safe House」任務就是他要充份証明自己實力的戰功任務。

 

丹佐．華盛頓飾演的Tobin Frost是CIA的知名叛將，他的能力與戰績在CIA的歷來探員中都名列前矛，若非CIA太黑了，太多人假公濟私，他未必會站在CIA的對立面，卻也因為他太熟悉CIA的運作規則與罩門，才能逍遙自在，才敢公然鬥法。《狡兔計畫》的開場是他拿到了拿黑錢的黑心情報員名單，行蹤卻已敗洩，殺手全力追獵，他就算能夠暫時脫身，也不得不闖進美國大使館，以真實身份換來保命機會，因此CIA先行搶人押人，Tobin才剛解了狙殺之危，旋即又面臨刑求之苦，甚至殺手也已接獲內線密報，直闖「Safe House」要滅口……Matt不但要保自己一條小命，更要保護Tobin，自家小命是風雨飄搖的柴火，Tobin則是青山，保不住Tobin這片青山，就代表他能力有限，任務失敗，他也就甭在CIA混了，巴黎夢想鐵定泡湯。

 

《狡兔計畫》的邏輯並不複雜，Matt的宿命情境也簡單明白，形式上，有著「狡兔三窟」的逃命趣味，實質上也有著「狡兔死，走狗烹」的特務悲情，他與Tobin從對立火拚到同仇敵愾的轉知歷程，勉強算是一場CIA幹員的覺醒錄，看著Tobin以老前輩的態度預告未來發展，有時明明是人囚，卻指導著Matt如何保命（保人亦自保）；有時是逃犯，卻又恨Matt死纏活打，壞了計謀，丹佐．華盛頓與雷恩．雷諾斯的老少配、黑白配（不只是膚色，還包括戲份），原本是《狡兔計畫》的主力好戲，兩人的互動拔河攸關全片魅力，只可惜Matt一路挫敗，只剩鍥而不捨，不服輸的意志苦撐，Tobin原本該是老狐狸，卻又看不出他的精算能力（暴露身份，豈不自陷危機？殃及無辜，又算什麼好漢？），硬湊在一起，給人白忙一場的感覺。

 

兩個英雄都未能激發化學效應，劇情又太可預料，再加上南非開普頓的地理環境沒頭沒腦，發揮不了視覺或者劇情上的張力，《狡兔計畫》基本上只是照著公式搬演的情報槍戰電影，熱鬧有餘，看完之後，你不會記得太多。

電影在1895年於巴黎誕生時，是個啞巴，直到32歲那年（1927年）才會開口說話與唱歌，在那之前的電影通常都叫默片，法國導演米歇爾．哈查納維歇斯（Michel Hazanavicius）執導的《大藝術家（The Artist）》，透過默片的形式與內涵，回首那個時代，看似追思憶舊，其實多了反思的沈澱與提煉。

 

默片受限於時代科技，有兩個先天限制，得靠藝術家的創意來突圍：影像黑白是其一，無聲是其二。

 

因為無聲，就沒有話白，只能靠字幕卡做重點提示；因為無聲，就沒有音效，全靠現場的音樂演奏來「提神」與「註解」。 這些障礙在有聲電影與彩色電影相繼問世後，迅速就被拋進時代洪流中，留給後繼才子揮灑利用，有人用「黑白影像」渲染特定情緒（例如《阮玲玉》或者《不能沒有你》），有人則是以「靜默」來突顯特定氣氛。默片元素得以再度成為創作利器，也算是古典的新生。

 

《大藝術家》的故事架構完全遵循傳統通俗劇的架構，時代洪流對默片明星的衝擊主題，類似過去兩部經典名片《紅樓金粉（Sunset Boulevard）》和《萬花嬉春（Singin’ in the Rain）》走過的時光印痕：曾經紅極一時的默片明星George Valentin（由法國影星尚．杜賈丹（Jean Dujardin）飾演），想要抗拒有聲電影的潮流，卻遭時代遺棄，潦倒落寞，反而是昔日提攜過的女星Peppy Miller（由阿根廷女星貝芮妮絲．貝喬（Bérénice Bejo)飾演）不捨舊情，一路暗助，終於得能重生。導演米歇爾．哈查納維歇斯逐一撿拾了默片特質：華麗的攝影，貫穿全片的流暢音樂，誇張的表演，極具戲劇變化的冷暖人生，讓不知默片滋味的當代影迷得能重溫默片風情。

 

無可避免地，初晤默片，必會有形式上的驚豔，然而浸泡進純然古典的默片世界中，亦會有難以描述的不適應，其中自然是以話白與音效的消失影響最為鮮明。《大藝術家》提供了一個古典舞台，讓名氣不大，過去十三年只替四部劇情長片做過配樂（都是同一位導演Michel Hazanavicius的作品）的作曲家Ludovic Bource得以盡情揮灑，銜含電影誕生初期的原生滋味，把音樂能夠發揮的配樂力量，都運用得恰到好處。

 

電影音樂的原初功能，無非就在強化電影感染力，讓電影得能如虎添翼，得能翔舞九天。只不過，有聲電影問世後，可以聽見的聲音層次變多了之後，音樂的許多功能其實已經退位或者退化了，不是雜音太多，讓人難以仔細聆聽，不然就是音樂只成了墊底粉撲，只宜化妝，再無本色，《大藝術家》就因為少了雜音的干擾，反而突顯了影像與聲音的互動關係，讓人可以更仔細地去聆聽與思考。是的，去雜音的結果，就是讓音樂魔法徹底浮現，不論「模彷」、「敘事」、「渲染」、「暗示」或者「抒情」，Ludovic Bource的音樂充份發揮了註解與放大功效，讓觀眾得以重新審視長期陪伴電影成長的聲音元素，從中體會作曲家的貢太與成就（這亦說明了Ludovic Bource一鳴驚人的魅力所在。

 

但是《大藝術家》真正的魔法師並不是作曲家Ludovic Bource，而是導演Michel Hazanavicius。因為，一旦觀眾在接觸了極其飽滿，幾乎從不間斷的音樂洗禮後，難免起了厭煩，難免有了抗拒之心（因為沒有空白，亦沒有喘息），《大藝術家》固然極其華麗地帶領觀眾回味了古典的精髓，卻也直接闖進了默片與真實人生的矛盾困局之中，名為向默片致敬，其實卻是精準傳達出聲音讓世界更有活力的魅力訊息，說明了何以有聲片出現後，默片再難抗拒抵擋的真實原因。

 

《大藝術家》全片只有短短的兩場戲是有聲效的，其一是男主角George不信觀眾不愛他，正想全力反撲時，生活中原本聽不見說話聲音的他，卻突然聽見了身旁所有事物的聲響，畫家懂得留白，畫作就更氣韻酣暢，《大藝術家》卻是因為懂得「留聲」，讓原本無環境聲的「虛空」人生，突然有了真實氣息，每一個聲效，不但嚇壞了George，也更清楚有力地點出了默片時期的觀眾，一旦「驚聞」有聲片的「寫實」震撼時，就再也不願回頭的無情現實。

 

其二則是George東山再起，與從踢踏舞結緣的Peppy再度共舞（有始有終，多古典的戲劇手痕？）時，音樂告一段落，額頭淌汗，跳得上氣不接下氣的George，在接受各界喝采時，突然讓所有的人聽見了他的喘息聲，是的，無聲世界太不真實（偏偏，George過去一直相信：「觀眾是要來『看』我的，不是要來『聽』我的。」），有了喘氣聲，人就突然多了七分真實感，這個帶有人味的喘氣聲，也預告著George順利轉型，邁進有聲世界的新人生。

 

默片的聲音層次雖然多元，有其魅力，亦有其局限，就在導演的巧手鋪排下，這些古典元素的重生，不但註記了時代氛圍，也突顯了後浪推前浪的真實震撼，如此精準，又如此犀利，讓電影的古典印痕重新得到檢視與驗証，還真是功力非凡呢。

如果只是對默片時代的追思與致敬，法國導演米歇爾．哈查納維歇斯（Michel Hazanavicius）執導的《大藝術家（The Artist）》，絕對無法從去年的坎城影展到今年的奧斯卡獎，一路吸聚眾多目光與掌聲，哈查納維歇斯除了深諳古典精義，從中擷取創作元素，完成時代的雕像外，其實還有很多動人的創新手痕。

 

《大藝術家》的故事架構其實是從一見如故，一路提攜，繼而感恩圖報的銀河傳奇，由阿根廷女星貝芮妮絲．貝喬（Bérénice Bejo)飾演的女主角Peppy Miller，第一場戲是擠在紅地毯旁，爭睹巨星風采的影迷而已，陰錯陽差，竟然得能和法國影星尚．杜賈丹（Jean Dujardin）飾演的天王巨星George Valentin合影，而且成為「那女孩是誰？」的娛樂報紙頭版新聞。Peppy 再到影城試鏡，一方面勇於毛遂自荐，另一方面幸運地被George注意到她的美腿，一場雙人舞，開啟了Peppy的星運，在George無私指點下（包括點一顆美人痣），Peppy星運扶搖直上，成為有聲電影的當紅偶像，反而是食古不化的George，逐步被時代的漩渦給淘汰了。

 

默片巨星的失落或殞落是經典名片《紅樓金粉（Sunset Boulevard）》的主題，另外附加了小編劇成了大明星包養的小白臉，卻又另結新歡的感情背叛，《大藝術家》卻選擇了溫情喜劇的語法來新詮好萊塢的人性關係，Peppy曾經無意之間傷了George，但是她從未忘記昔日追星心情，亦懂得報恩之道，導演哈查納維歇斯只安排了兩場戲，而且都是透過不會說話的道具，就完成了的純樸與真情的書寫。

 

第一場戲的道具是：衣架上的西裝。

 

George一直是Peppy的偶像，但是George有家室，景仰而不及於亂，散發了迷人的純情。有一回Peppy來George的化妝室找他，正巧人不在，使她得以細覽偶像的房間細節。把頭靠上那件衣架上的西裝，不但似乎聞見了男人的氣味，她還把手伸進衣袖之中，幻化成為George的手，以「自摸」的自慰式動作，模擬情人摟擁的親蜜動作，她的芳心私語，就在這個人手合一的「虛擬」動作下，達到男女璧合的層級，戲假情真，反而比真的George來摟擁她，更煽情，亦更有力了。

 

更重要的是，就在Peppy忘情陶醉之際，George恰巧開門進來，撞見了Peppy的私密心情，但是George沒有順勢拈花，了解又尊重，也許並不符合風流情聖的檢驗標竿，卻也為爾後的雙人共舞的報恩心情，打下了更通達人性的情感基礎。

 

第二場戲的道具是：書架上的膠捲底片。

 

名利場上的人情關係，其實都很現實，多少急著成名的人都會踩著別人的屍體前進，Peppy不捨舊情，在George沒落潦倒之際，還不忘殷勤探視，從拍賣義助到安排新片，其實都只是傳統技倆，不算新穎，導演哈查納維歇斯的新手痕則是讓Peppy從George的書架上，發現了昔日試鏡時的溫馨畫面，那時，Peppy還是菜鳥，不是George給她機會，不是George不時指點，她不會這麼容易找到終南捷徑，每一格的膠捲都記錄了good old days的美好，但是現實的薄倖人兒或許一笑置之，只有純情之人，才會在昨日身影中看到明日的光影。

 

一盤膠捲，一回凝眸，無需任何言語，觀眾已然了解Peppy會如何回饋George，嫻熟古典風味的導演哈查納維歇斯，其實也懂得用新潮的影像來敘事，而且千言萬語，盡在畫面構圖中，這不也是默片時代，最想透過影像來與觀眾對話的藝術境界嗎？

 

國際電影音樂評論協會（The International Film Music Critics Association，簡稱IFMCA），美國時間2月9日公布了2011年的第八屆影視音樂獎提名名單，一如以往要搶在奧斯卡頒獎典禮之前，於2月23日宣布得獎名單。

 

好萊塢傳奇作曲家約翰．威廉斯（John Williams）沈寂了四年之後，最近頗有東山再起之勢，一口氣就以《丁丁歷險記( THE ADVENTURES OF TINTIN: THE SECRET OF THE UNICORN）》和《戰馬（WAR HORSE）》兩部電影的配樂拿下了七項提名，相較於今年奧斯卡的兩項提名（五片佔了兩片），從古典沈穩到前衛新潮，不同風格的作品在他手上就會轉換成不同能量的風味，讓人頗有大師出手，自必不凡的讚歎。

 

不過，江山代有才人出，去年最耀眼的作曲家Ｍ 當屬《大藝術家（THE ARTIST）》的法國作曲家Ludovic Bource，一人包辦了年度電影音樂、年度電影音樂作曲家、新秀作曲家、年度戲劇片音樂和年度電影音樂創作等五項提名，《大藝術家》向默片致敬，非常仰賴音樂敘事，所有電影音樂的功能，從「模彷」、「敘事」、「暗示」到「抒情」幾乎全都用上了，更重要的是旋律動人，帶動劇情流轉，讓人物和劇情的主流傳統得能再度吸聚觀眾目光，表現不俗。

 

不過，我個人還是覺得有不少遺珠，例如去年的年度作曲家亞歷山大．戴斯培（Alexandre Desplat）今年只獲得年度作曲家一項提名，其實從《永生樹》到《選戰風雲》，他在2011年的作曲表現是炙手可熱，應該可以得到更多注視；同樣地，《溫莎公爵夫人（W.E.）》的Abel Korzeniowski，《落日車神（DRIVE）》的Cliff Martinez，以及《少女殺手的奇幻旅程（Hanna）》的化學兄弟（The Chemical Brothers）表現得都很不俗，卻都只佔有一席之地，實在可惜，但是只要記得他們的名字，反覆聆聽，你還是會確定2011年的電影音樂創作堪稱華麗精彩。

 

以下就是今年的入圍名單：

 

 

 

年度電影音樂（FILM SCORE OF THE YEAR）

《丁丁歷險記( THE ADVENTURES OF TINTIN: THE SECRET OF THE UNICORN）》，作曲：John Williams
《大藝術家（THE ARTIST）》，作曲：Ludovic Bource
《大奇蹟（THE GREATEST MIRACLE）》，作曲：Mark McKenzie

《雨果的冒險(HUGO）》，作曲：Howard Shore
《戰馬（WAR HORSE）》，作曲：John Williams

 

年度電影音樂作曲家（FILM COMPOSER OF THE YEAR）

• LUDOVIC BOURCE
• ALEXANDRE DESPLAT
• MICHAEL GIACCHINO
• ALBERTO IGLESIAS
• JOHN WILLIAMS

 

年度新秀作曲家（BREAKOUT COMPOSER OF THE YEAR）

• LUDOVIC BOURCE
• BRIAN BYRNE
• THE CHEMICAL BROTHERS
• MICHAEL RICHARD PLOWMAN
• LUCAS VIDAL

 

年度最佳戲劇片音樂（BEST ORIGINAL SCORE FOR A DRAMA FILM

《大藝術家》， 作曲： Ludovic Bource
《簡愛（JANE EYRE）》， 作曲： Dario Marianelli
《靈魂衝浪（SOUL SURFER）》， 作曲： Marco Beltrami
《溫莎公爵夫人（W.E.）》， 作曲： Abel Korzeniowski
《戰馬》， 作曲： John Williams

 

年度最佳喜劇片音樂（BEST ORIGINAL SCORE FOR A COMEDY FILM）

《我們撞到外星人（PAUL）》， 作曲：David Arnold
《醉後型男日記（THE RUM DIARY）》， 作曲：Christopher Young
《多浪迪警官4 致命危機（TORRENTE 4: LETHAL CRISIS）》， 作曲：Roque Baños
《豬頭漢堡包3（A VERY HAROLD 和 KUMAR 3D CHRISTMAS）》， 作曲： William Ross
《王子殿下（YOUR HIGHNESS）》， 作曲：Steve Jablonsky

 

年度最佳冒險驚悚片音樂（BEST ORIGINAL SCORE FOR AN ACTION/ADVENTURE/THRILLER FILM

《美國隊長（CAPTAIN AMERICA: THE FIRST AVENGER）》，作曲：Alan Silvestri
《落日車神（DRIVE）》，作曲：Cliff Martinez
《不可能的任務4：鬼影行動（MISSION IMPOSSIBLE – GHOST PROTOCOL）》， 作曲：Michael Giacchino
《鋼鐵擂台（REAL STEEL）》，作曲：Danny Elfman
《猩球崛起（RISE OF THE PLANET OF THE APES）》，作曲：Patrick Doyle

 

年度最科幻恐怖片音樂（BEST ORIGINAL SCORE FOR A FANTASY/SCIENCE FICTION/HORROR FILM

《別怕黑（DON’T BE AFRAID OF THE DARK）》， 作曲： Marco Beltrami 和 Buck Sanders
《哈利波特：死神的聖物2（HARRY POTTER 和 THE DEATHLY HALLOWS PART 2）》， 作曲： Alex和re Desplat
《雨果的冒險》， 作曲： Howard Shore
《獵魔教士（PRIEST）》， 作曲： Christopher Young
《超級8（SUPER 8）》， 作曲： Michael Giacchino

 

年度最佳動畫片音樂（BEST ORIGINAL SCORE FOR AN ANIMATED FEATURE）

《丁丁歷險記》， 作曲：John Williams
《大奇蹟》， 作曲：Mark McKenzie
《功夫貓熊2（KUNG FU PANDA 2）》， 作曲：John Powell 和 Hans Zimmer
《鞋貓劍客（PUSS IN BOOTS）》， 作曲：Henry Jackman
《飆風雷哥（RANGO）》， 作曲：Hans Zimmer

 

年度最佳紀錄片音樂（BEST ORIGINAL SCORE FOR A DOCUMENTARY FEATURE）

《冰凍星球（FROZEN PLANET）》， 作曲： George Fenton
《HOLD AT ALL COSTS: THE STORY OF THE BATTLE OF OUTPOST HARRY》，作曲： Larry Groupé
《JIG》， 作曲： Patrick Doyle
《俄羅斯—-在老虎，熊和火山之間（RUSSLAND – IM REICH DER TIGER， BÄREN UND VULKANE）》， 作曲： Kolja Erdmann
《（THE WIND GODS）》， 作曲： Pinar Toprak

 

年度最佳電影音樂創作（FILM MUSIC COMPOSITION OF THE YEAR）

• “The Adventure Continues” 《丁丁歷險記》，作曲：John Williams
• “George Valentin” 《大藝術家》，作曲：Ludovic Bource
• “Captain America March” 《美國隊長》，作曲：Alan Silvestri
• “Final Round” from《鋼鐵擂台》，作曲：Danny Elfman
• “The Homecoming”《戰馬》，作曲：John Williams

 

年度最佳電視影集音樂（BEST ORIGINAL SCORE FOR A TELEVISION SERIES）

《異世奇人（DOCTOR WHO）》， 作曲： Murray Gold
《唐頓莊園（DOWNTON ABBEY）》， 作曲： John Lunn
《（ERMESSENDA）》， 作曲： Arnau Bataller
《權力的遊戲（GAME OF THRONES）》，作曲：Ramin Djawadi
《新世紀福爾摩斯（SHERLOCK）》，作曲：David Arnold 和 Michael Price

 

年度最佳電玩及互動媒體音樂（BEST ORIGINAL SCORE FOR A VIDEO GAME OR INTERACTIVE MEDIA

《決勝時刻：現代戰爭3（CALL OF DUTY: MODERN WARFARE 3）》， 作曲：Brian Tyler
《上古卷軸5：無界天際（THE ELDER SCROLLS V: SKYRIM）》， 作曲：Jeremy Soule
《黑色洛城（L.A. NOIRE）》， 作曲： 和rew Hale 和 Simon Hale
《第二國度：白色聖灰女王（NI NO KUNI: WRATH OF THE WHITE WITCH）》， 作曲：Joe Hisaishi
《美國海豹特遣隊4（SOCOM 4: U.S. NAVY SEALS）》， 作曲： Bear McCreary

 

最佳重發電影配樂（BEST ARCHIVAL RELEASE OF AN EXISTING SCORE）

《黑洞（THE BLACK HOLE）》，作曲：John Barry

《丹尼葉夫曼與提姆波頓25周年音樂盒（THE DANNY ELFMAN & TIM BURTON 25TH ANNIVERSARY MUSIC BOX）》，作曲：Danny Elfman

《天堂之日（DAYS OF HEAVEN）》，作曲：Ennio Morricone

《小精靈（GREMLINS）》，作曲：Jerry Goldsmith

《（MASADA）》，作曲：Jerry Goldsmith 和 Morton Stevens

 

最佳重錄現存電影配樂（BEST ARCHIVAL RE-RECORDING OF AN EXISTING SCORE）

《百萬雄獅滿江紅（THE BATTLE OF NERETVA/THE NAKED AND THE DEAD）》， 作曲： Bernard Herrmann
《毀天滅地（CONAN THE DESTROYER）》， 作曲： Basil Poledouris

《羅馬帝國淪亡錄（THE FALL OF THE ROMAN EMPIRE）》， 作曲： Dimitri Tiomkin

《魔戒交響曲（THE LORD OF THE RINGS SYMPHONY）》， 作曲： Howard Shore

《戰國群雄（TARAS BULBA）》， 作曲： Franz Waxman

 

年度電影音樂品牌（FILM MUSIC RECORD LABEL OF THE YEAR）

• FILM SCORE MONTHLY
• INTRADA
• LA-LA LAND
• MOVIESCORE MEDIA
• VARÈSE SARABANDE