藍色電影夢

荷馬史詩「奧德賽」，有神話、有英雄，有敗德，有闇黑……從想像到實相，諾蘭（Christopher Nolan)在電影《奧德賽（The Odyssey ）》中對神話的處理與改編，有的高明，有的讓我扼腕。

整體而言，看完電影想起了當年在施肇錫老師的「西洋文學概論」，課堂上，老師口沫橫飛，座位上同學個個悠然神往的青春燦爛。

我佩服的是遺忘宮殿的溫柔鄉。

希臘神話中有所謂的「食蓮者（lotus-eater）」，貪食蓮花，忘憂無慮，快樂似神仙。

希臘神話中也有 多情女神Calypso，愛慕英雄，卻總是好夢難圓。

荷馬史詩「奧德賽」中，食蓮者與Calypso分屬奧德賽迷航旅程中的兩段章節，諾蘭卻將其在電影中將其合而為一。

莎莉.賽隆（Charlize Theron）飾演的Calypso先是勸麥特.戴蒙（Matt Damon）飾演的Odysseus服食蓮花，鎮定心靈，遺忘戰爭創傷，當然也就忘記家鄉還有王國與妻兒。

蓮花美豔甘甜，讓人垂涎；女神嬌豔明亮，讓人愛慕。不管是神話中Calypso愛慕著Odysseus，用柔情羈留了他七年?還是Odysseus耽逸溫柔鄉，樂不思蜀？莎莉.賽隆的肉身美姿以及lotus的粉藍花色，交疊相乘，確實傳達出超強迷幻能量。

至於，她徬徨在催眠與喚醒之間的矛盾，適用成全或獨佔的愛情心理學來辯證解讀，也讓電影多添了幾分旖旎綺思。

電影就是要能看見，然後願意相信。

讓我悵然的則是Siren女妖的歌聲。

《奧德賽》的電影配樂由以《罪人（Sinners)》配樂拿下奧斯卡獎的瑞典作曲家Ludwig Göransson擔綱。

他的表現很大膽，也很古典。大膽，在於敢用吹管樂器牽引觀眾回到宙斯紀元的遙遠時空；古典，在於不時透過打擊節奏凸顯干戈殺伐的剽悍壯烈。

不過，全片最大的音樂挑戰在於Siren女妖如何用魔音迷亂眾生？

諾蘭沒有陷入神話中美若天仙的Siren，究竟是不是人頭鳥身的文字迷宮；也無須爭論Sirens究竟有三位？還是七位？他知道，關鍵在聲音。因為Siren的歌聲會亂人心智，即使眼見妖島上遍地白骨，「加蜜」的迷人歌聲，依舊誘使水手跳船。

史詩中，Odysseus 的應對策略是讓眾人以蠟封耳，聽不見，就不怕魔音穿腦。至於他自己則是綑綁在船樑上，即使魔音啃腦噬心，動彈不得的他也不至於跳海追聲。

諾蘭忠實重現了史詩細節，然而電影要聲色齊備，怎麼樣的聲音才能具現這款「加蜜」魔音？貝多芬、華格納和柴可夫斯基都做不到的，Ludwig Göransson會如何闖關？

諾蘭與Ludwig Göransson
選擇了迂迴策略，透過出乎意料的單調長音搭配Siren身影，以及失控水手以及Odysseus扭曲掙扎的狂叫，讓Siren 傳奇勉強達陣。

不按牌理出牌的聲音處理，在畫面掩護下，確實有著出人意表的震動。我明白，畫面強悍時，音樂該讓位，不要強撞，然而，豎立聆聽的Siren魔音如此輕輕滑過，我很難不輕聲一嘆！

若能聽見，我會更相信。

至於棄置在海邊，半身埋在沙灘下的那匹木馬。有創見，亦有新意，唯一的問號（或者挑剔）則是馬體太小，如何容得下眾多死士？

不過，平心而論，有關腹中翻滾、水淹鼻喉、刀刺檢測等細節，都處理得有聲有色，諾蘭早在《敦克爾克大行動》中就已經展示了他處理海濱密閉艙題的技術本色，即使這次用飛箭取代步槍，震撼不減當年。

不過，諾蘭對木馬屠城的處理，另有深意，透過Odysseus對戰爭緣起的微詞，以及召喚地獄亡靈的陰陽對質，諾蘭拍的其實是Odysseus的懺悔錄，《奧德賽》實質是在批判那些以莫名理由或者各式謊言發動戰爭的元凶與幫凶，電影中該咎責的是Agamemnon（希臘眾王之王及聯軍首領）或Odysseus，觀眾也可以自行連結到不惜遍地烽火，只為遂行私慾/私憤的當代獨夫。

正因為如此，當你看見天下第一美女海倫的那張臉時，你明白，膚色根本不是重點，那張臉的滄桑與創傷點出了戰爭的罪與罰，那才是諾蘭真正想要說的話，也是在2026年重讀3000年前史詩的創作本色。

滄海一旦變桑田，不復舊時模樣，總是讓人唏噓；

《穿著Prada的惡魔2》所以能名利雙收，躋身火熱續集電影，關鍵原因就在於歲月未曾催人老，滄海還是滄海、惡魔依舊是惡魔。

續集電影的核心趣味在於與觀眾有約，不但要再次召喚昔日光采，還要豐潤能夠取悅觀眾的新意。

續集的契約核心在主角。第一集創作經典模組，續集重溫模組，在變與不變中，喚醒了記憶，也召喚了喜樂，關鍵在於有了比較，就容易有共鳴。

首先，恆星理當就是恆星。

Meryl Streep, Anne Hathaway 、Emily Blunt以及Stanley Tucci四大天王，即使歷經20年風霜摧折，容貌依舊光鮮，身材依舊婀娜、披金戴玉起來，依舊是時尚弄潮兒；尖酸刻薄起來，依舊字字珠璣，無需髒字，依舊刀劍穿心。2006年觀看《穿著Prada的惡魔》感受到的浪潮風嘯，依舊颯颯作響，老友重逢、風韻如昔，當然成就就合格的續集電影。

其次，惡魔創造了時代，時代考驗著惡魔。

身為時尚雜誌「Runway」的總編輯，Meryl Streep飾演的Miranda確實享受了紅火紙媒當令，得能呼風喚雨的時代風流，也養就了煙視媚行、睥睨眾生、行為與言詞不是歧視就是霸凌的習性。然而，20年風水輪流轉，勞權意識崛興後，傳奇成了地雷、刺蝟成了刺身，動輒得咎，不時要人資主管提醒叮嚀，碎唸起緊箍咒，看到氣焰不可一世的惡魔，金箍當頭，強制謹言慎行……

昔日無所不能的惡魔，如今成了受氣吃憋的惡魔，無需人比人，光是自己比自己，就提供了歡樂逗趣能量。

恆星也會變流星，則是《穿著Prada的惡魔2》添加時代手痕的趨勢素描。

核心就在紙媒的萎縮潰敗。

電影一開始是Anne Hathaway 飾演的記者Andy ，就在勇奪新聞獎的當下，接獲公司的資遣簡訊。電影點出的訊息簡單明白：傳統媒體仰賴的內容品質不敵便捷新速的電子媒體、耗日費時的深度調查在流行「copy/paste」的數位年代，也失去了領頭羊的意義與地位。

其次，原本走雪銅精緻路線的「Runway」，也在成本與閱讀習慣的改變下，「進化」成數位電子版，Stanley Tucci的唏噓感嘆，真的有如一則紙媒輓歌。

至於Andy撰寫與策劃的道歉文與富豪專訪，則像是「無計留春住」的絕地大反攻，引發「長文誰要看？」「年輕受眾不關心」、「同溫層取暖」的冷嘲熱諷，坦白說還真是不住打臉傳統媒體。

《穿著Prada的惡魔2》最犀利的批判還是把希望寄託給「救世主」 （對不起，改成「救世［金］主」才更精準）。

續集的對「金主」的素描別具深意。

「Runway」的價值與意義，全賴「老」金主的戀戀情深，畢竟他是看紙媒長大的古早人。一旦只看數字的第二代接班，少了人情與傳統包袱，「Runway」可割可棄可轉手一點都不意外。

只不過，Meryl Streep, Anne Hathaway 、Emily Blunt依舊相信「人治」，相信只要找對金主，仍可續命，仍有可為。其實，電影後半段的金主拔河戰只是熱鬧噱頭，結論過分樂觀了。

畢竟，天下沒有不過問編輯政策的金主，也沒有坐看虧損的金主。Emily Blunt的金主可以百依百順，真要變臉不也比翻書更快？當然，電影也沒有能力解釋為什麼「Runway」的領航員非她莫屬？此事無關「黃鐘毀棄、瓦釜雷鳴」的

《穿著Prada的惡魔2》真正有力的觀點來自劉玉玲接受專訪的金句：「女人的價值發，不該被她的婚姻給定義。」婚姻或許帶來名位與財富，那可以是八卦談資，也可以是個人意志的延伸，關鍵卻在於你透過名位與財富做了什麼。

至於Miranda從來不知道自家有員工餐廳？那只是消遣Miranda高高在上，不與屬下互動的惡魔雕刻，新老闆選擇在員工餐廳議論公司新制，則是「富二代」務實、的小器的雙重鋪排。不盡合理，戲劇密度卻極高，也是世代矛盾的排列並比，看得出編劇用心。

戀愛自由，發乎人心，合乎人性，不應禁制或剝奪對幸福的追求；自由戀愛，同樣發乎人心，順乎本性，卻不保證追求到的就是幸福。

深田晃司執導的《偶像禁愛令（Love on Trial）》談到了戀愛自由與自由戀愛，更挖掘出尊嚴與幸福，驕傲與神傷往往是一體兩面的同時存在。

女主角齊藤京子飾演子女偶像團體「Happy☆Fanfare」的中心成員山岡真衣，目睹同伴談戀愛的幸福模樣，卻因違反合約中的「偶像禁愛條款」，受到經紀公司懲處的驚惶，不捨與不平之情油然而生，公然與伴侶私奔，對抗經紀公司。

有關戀愛自由的命題，《偶像禁愛令》採取平鋪直敘的白話文書寫，反抗有理，最終必能討回公道。

至於自由戀愛的命題，深田晃司顯然洞悉人心無常，同甘易、共苦難的道理， 從酸澀果子榨出來的果汁，果真就得到一個「苦」字。

談戀愛，往往唯心，天馬行空，愛怎樣就怎樣。一旦面對現實，不管是官司、巨額賠償、生活壓力……愛情濃度與純度都會消退，同志會爭吵、牽手會分手，現實風霜在在讓你懷疑當初的相信、追求與堅持，到底正不正確？究竟值不值得？苦酒滿杯的人生惆悵，蕭索黯然，讓人只能淺酌低唱。

深田晃司用白話文的文體說故事，淺顯明白不是問題，卡關的關鍵在於戀愛自由的命題沒有啥迴旋空間，是非黑白，人心自有定論，導致議題討論就像來到淺水灘，一眼就看到底了，沒有意外，因此沒有驚喜。至於，自由戀愛的代價也少了「to fight for the right，without question or pause」的豪情，或者「一杯看劍氣、二杯生分別、三杯上馬去」的斷離抉擇，以至於《偶像禁愛令》就像小石頭打水漂，水花小小，餘波微微。