藍色電影夢

 

國際電影音樂評論協會（The International Film Music Critics Association，簡稱IFMCA），美國時間2月9日公布了2011年的第八屆影視音樂獎提名名單，一如以往要搶在奧斯卡頒獎典禮之前，於2月23日宣布得獎名單。

 

好萊塢傳奇作曲家約翰．威廉斯（John Williams）沈寂了四年之後，最近頗有東山再起之勢，一口氣就以《丁丁歷險記( THE ADVENTURES OF TINTIN: THE SECRET OF THE UNICORN）》和《戰馬（WAR HORSE）》兩部電影的配樂拿下了七項提名，相較於今年奧斯卡的兩項提名（五片佔了兩片），從古典沈穩到前衛新潮，不同風格的作品在他手上就會轉換成不同能量的風味，讓人頗有大師出手，自必不凡的讚歎。

 

不過，江山代有才人出，去年最耀眼的作曲家Ｍ 當屬《大藝術家（THE ARTIST）》的法國作曲家Ludovic Bource，一人包辦了年度電影音樂、年度電影音樂作曲家、新秀作曲家、年度戲劇片音樂和年度電影音樂創作等五項提名，《大藝術家》向默片致敬，非常仰賴音樂敘事，所有電影音樂的功能，從「模彷」、「敘事」、「暗示」到「抒情」幾乎全都用上了，更重要的是旋律動人，帶動劇情流轉，讓人物和劇情的主流傳統得能再度吸聚觀眾目光，表現不俗。

 

不過，我個人還是覺得有不少遺珠，例如去年的年度作曲家亞歷山大．戴斯培（Alexandre Desplat）今年只獲得年度作曲家一項提名，其實從《永生樹》到《選戰風雲》，他在2011年的作曲表現是炙手可熱，應該可以得到更多注視；同樣地，《溫莎公爵夫人（W.E.）》的Abel Korzeniowski，《落日車神（DRIVE）》的Cliff Martinez，以及《少女殺手的奇幻旅程（Hanna）》的化學兄弟（The Chemical Brothers）表現得都很不俗，卻都只佔有一席之地，實在可惜，但是只要記得他們的名字，反覆聆聽，你還是會確定2011年的電影音樂創作堪稱華麗精彩。

 

以下就是今年的入圍名單：

 

 

 

年度電影音樂（FILM SCORE OF THE YEAR）

《丁丁歷險記( THE ADVENTURES OF TINTIN: THE SECRET OF THE UNICORN）》，作曲：John Williams
《大藝術家（THE ARTIST）》，作曲：Ludovic Bource
《大奇蹟（THE GREATEST MIRACLE）》，作曲：Mark McKenzie

《雨果的冒險(HUGO）》，作曲：Howard Shore
《戰馬（WAR HORSE）》，作曲：John Williams

 

年度電影音樂作曲家（FILM COMPOSER OF THE YEAR）

• LUDOVIC BOURCE
• ALEXANDRE DESPLAT
• MICHAEL GIACCHINO
• ALBERTO IGLESIAS
• JOHN WILLIAMS

 

年度新秀作曲家（BREAKOUT COMPOSER OF THE YEAR）

• LUDOVIC BOURCE
• BRIAN BYRNE
• THE CHEMICAL BROTHERS
• MICHAEL RICHARD PLOWMAN
• LUCAS VIDAL

 

年度最佳戲劇片音樂（BEST ORIGINAL SCORE FOR A DRAMA FILM

《大藝術家》， 作曲： Ludovic Bource
《簡愛（JANE EYRE）》， 作曲： Dario Marianelli
《靈魂衝浪（SOUL SURFER）》， 作曲： Marco Beltrami
《溫莎公爵夫人（W.E.）》， 作曲： Abel Korzeniowski
《戰馬》， 作曲： John Williams

 

年度最佳喜劇片音樂（BEST ORIGINAL SCORE FOR A COMEDY FILM）

《我們撞到外星人（PAUL）》， 作曲：David Arnold
《醉後型男日記（THE RUM DIARY）》， 作曲：Christopher Young
《多浪迪警官4 致命危機（TORRENTE 4: LETHAL CRISIS）》， 作曲：Roque Baños
《豬頭漢堡包3（A VERY HAROLD 和 KUMAR 3D CHRISTMAS）》， 作曲： William Ross
《王子殿下（YOUR HIGHNESS）》， 作曲：Steve Jablonsky

 

年度最佳冒險驚悚片音樂（BEST ORIGINAL SCORE FOR AN ACTION/ADVENTURE/THRILLER FILM

《美國隊長（CAPTAIN AMERICA: THE FIRST AVENGER）》，作曲：Alan Silvestri
《落日車神（DRIVE）》，作曲：Cliff Martinez
《不可能的任務4：鬼影行動（MISSION IMPOSSIBLE – GHOST PROTOCOL）》， 作曲：Michael Giacchino
《鋼鐵擂台（REAL STEEL）》，作曲：Danny Elfman
《猩球崛起（RISE OF THE PLANET OF THE APES）》，作曲：Patrick Doyle

 

年度最科幻恐怖片音樂（BEST ORIGINAL SCORE FOR A FANTASY/SCIENCE FICTION/HORROR FILM

《別怕黑（DON’T BE AFRAID OF THE DARK）》， 作曲： Marco Beltrami 和 Buck Sanders
《哈利波特：死神的聖物2（HARRY POTTER 和 THE DEATHLY HALLOWS PART 2）》， 作曲： Alex和re Desplat
《雨果的冒險》， 作曲： Howard Shore
《獵魔教士（PRIEST）》， 作曲： Christopher Young
《超級8（SUPER 8）》， 作曲： Michael Giacchino

 

年度最佳動畫片音樂（BEST ORIGINAL SCORE FOR AN ANIMATED FEATURE）

《丁丁歷險記》， 作曲：John Williams
《大奇蹟》， 作曲：Mark McKenzie
《功夫貓熊2（KUNG FU PANDA 2）》， 作曲：John Powell 和 Hans Zimmer
《鞋貓劍客（PUSS IN BOOTS）》， 作曲：Henry Jackman
《飆風雷哥（RANGO）》， 作曲：Hans Zimmer

 

年度最佳紀錄片音樂（BEST ORIGINAL SCORE FOR A DOCUMENTARY FEATURE）

《冰凍星球（FROZEN PLANET）》， 作曲： George Fenton
《HOLD AT ALL COSTS: THE STORY OF THE BATTLE OF OUTPOST HARRY》，作曲： Larry Groupé
《JIG》， 作曲： Patrick Doyle
《俄羅斯—-在老虎，熊和火山之間（RUSSLAND – IM REICH DER TIGER， BÄREN UND VULKANE）》， 作曲： Kolja Erdmann
《（THE WIND GODS）》， 作曲： Pinar Toprak

 

年度最佳電影音樂創作（FILM MUSIC COMPOSITION OF THE YEAR）

• “The Adventure Continues” 《丁丁歷險記》，作曲：John Williams
• “George Valentin” 《大藝術家》，作曲：Ludovic Bource
• “Captain America March” 《美國隊長》，作曲：Alan Silvestri
• “Final Round” from《鋼鐵擂台》，作曲：Danny Elfman
• “The Homecoming”《戰馬》，作曲：John Williams

 

年度最佳電視影集音樂（BEST ORIGINAL SCORE FOR A TELEVISION SERIES）

《異世奇人（DOCTOR WHO）》， 作曲： Murray Gold
《唐頓莊園（DOWNTON ABBEY）》， 作曲： John Lunn
《（ERMESSENDA）》， 作曲： Arnau Bataller
《權力的遊戲（GAME OF THRONES）》，作曲：Ramin Djawadi
《新世紀福爾摩斯（SHERLOCK）》，作曲：David Arnold 和 Michael Price

 

年度最佳電玩及互動媒體音樂（BEST ORIGINAL SCORE FOR A VIDEO GAME OR INTERACTIVE MEDIA

《決勝時刻：現代戰爭3（CALL OF DUTY: MODERN WARFARE 3）》， 作曲：Brian Tyler
《上古卷軸5：無界天際（THE ELDER SCROLLS V: SKYRIM）》， 作曲：Jeremy Soule
《黑色洛城（L.A. NOIRE）》， 作曲： 和rew Hale 和 Simon Hale
《第二國度：白色聖灰女王（NI NO KUNI: WRATH OF THE WHITE WITCH）》， 作曲：Joe Hisaishi
《美國海豹特遣隊4（SOCOM 4: U.S. NAVY SEALS）》， 作曲： Bear McCreary

 

最佳重發電影配樂（BEST ARCHIVAL RELEASE OF AN EXISTING SCORE）

《黑洞（THE BLACK HOLE）》，作曲：John Barry

《丹尼葉夫曼與提姆波頓25周年音樂盒（THE DANNY ELFMAN & TIM BURTON 25TH ANNIVERSARY MUSIC BOX）》，作曲：Danny Elfman

《天堂之日（DAYS OF HEAVEN）》，作曲：Ennio Morricone

《小精靈（GREMLINS）》，作曲：Jerry Goldsmith

《（MASADA）》，作曲：Jerry Goldsmith 和 Morton Stevens

 

最佳重錄現存電影配樂（BEST ARCHIVAL RE-RECORDING OF AN EXISTING SCORE）

《百萬雄獅滿江紅（THE BATTLE OF NERETVA/THE NAKED AND THE DEAD）》， 作曲： Bernard Herrmann
《毀天滅地（CONAN THE DESTROYER）》， 作曲： Basil Poledouris

《羅馬帝國淪亡錄（THE FALL OF THE ROMAN EMPIRE）》， 作曲： Dimitri Tiomkin

《魔戒交響曲（THE LORD OF THE RINGS SYMPHONY）》， 作曲： Howard Shore

《戰國群雄（TARAS BULBA）》， 作曲： Franz Waxman

 

年度電影音樂品牌（FILM MUSIC RECORD LABEL OF THE YEAR）

• FILM SCORE MONTHLY
• INTRADA
• LA-LA LAND
• MOVIESCORE MEDIA
• VARÈSE SARABANDE 

 

有些電影會先高舉一些規則與邏輯，後來因難以為繼，都成了幌子，卻又愛稱顛覆，實為不知如何依循；有些電影則是大張旗鼓創造時代氛圍，卻又取用無當，徒然浪費了鋪排心血。

 

做為賀歲電影，爾冬陞執導的《大魔術師》，網羅香港和中國巨星，劇情也兼具政治、江湖和兒女情長的多元起伏，加上不少華麗繽紛場景，確實娛樂性極高，但是爾冬陞什麼都想沾一點，試圖為當權人物美容的結果，卻讓整部電影的劇情流動有如亂了套的分岔亂流，攪亂了電影主題及訊息。

 

一如《讓子彈飛》，《大魔術師》的時空背景設定民國初年北洋軍閥當政的北京，讓題材間對當代政治的暗諷或隱喻有了百無禁忌的著力空間，劉青雲飾演的軍閥雷大牛愛上七姨太柳蔭（周迅飾演），一方面軟禁柳父，另一方面則全力討柳蔭歡心，邀她去看當紅魔術師張賢（梁朝偉飾演）表演魔術，偏偏張賢是柳父徒弟，和柳蔭曾有婚約，張賢於是和革命黨合作，想要綁架雷大牛，救出柳父和柳蔭。

 

若非雷大牛粗暴搶婚，不會有那一段等待愛情發生的空洞婚姻，亦不會有張賢的設局踢館，若非雷大牛為了鞏固權勢，荼毒善人與學生，就不會有綁架行動，爾冬陞給了雷大牛截然不同的兩種性格：政治上，他是靠著新武器猖狂的惡魔；愛情上，他卻是拚盡氣力，只求美人一笑的癡情郎。因此，癡情戲份上，得著了最浪漫的彩繪，想要一親芳澤的雷大牛，不但得比畫功夫，以力制人；還得挖空心思，以愛服人。最後甚至不惜向情敵取經，學得一招半式，只求傾國一笑； 至於政治戲份上，他則是看似糊塗老粗，實則是精明盤算的梟雄，換言之，全片的戲劇動力全在他，喜感亦在他，情聖亦是他，梁朝偉飾演的張賢即使戲法俐落，風度翩翩，癡情不如他，機巧亦不如他，戲中光彩幾乎全都劉青雲都給吃掉了，確實是梁朝偉從影人生中相當罕見的奇景。

 

問題在於劉青雲的愛情是狡辯的，政治則是狡詐的。

 

先談愛情，他有妻妾成群，卻聲稱已經被他打入冷宮的舊愛都是心甘情願投懷送抱的，不得已則納之，別無虧欠之情，反而是周迅飾演的柳蔭才是真愛，再怎麼卑躬屈膝，也不以為意，虎豹變綿羊，裝聾又扮丑，也許只是他的追求之道，卻已足夠讓渴望有人追求的柳蔭悄悄動了心？這種一廂情願的邏輯，既不能掩飾他對舊愛不屑一顧的大男人心態（唯一吃醋的場景是小老婆閻妮拍起出浴電影，他會怒目斥罵說：「我的女人你也敢碰！」偏偏，後來閻妮真的與青梅竹馬被他捉姦在床，卻又不了了之），更不能保証他在得逞之後，不會始亂終棄，關鍵在於雷大牛的愛情人生全是他自己說了算。

 

更可悲的是，做為雷大牛的情敵，張賢既交代不清楚自己音訊全無的心情，亦說不出自己對青梅竹馬愛人的信心與渴望，他的愛情空白，讓他的北京行動，徒然失去了魅。

 

再談政治。如非雷大牛暴虐，把許多青年學子都下了牢，也就不會有革命黨想要綁他殺他，但是劇情最後卻來個大逆轉，他禁閉學生的目的其實是保護學生，不要讓其他人傷害了清純學生，還贏得了熱血青年的無限愛戴。這款「籠中鳥」般的政治註解，乍看有些道理，能夠唬人，其實是在為暴政開脫，只要乖乖接受「順我者昌，逆我者亡」的保護扇下，即使失去了自由，卻可以得著幸福（問題是：這種幸福算什麼幸福？問題是：套進回歸中國後的香港人生，雷大牛的幸福邏輯究竟是歌詠？還是批判？），我很想把爾冬陞歸納成為複雜深沈一點的創作者，只可惜《大魔術師》的文本內涵，並不能提供這些養份，我亦不能強作解人，去替爾冬陞的矛盾思路理出更清楚的頭緒。

至於有一身好本事，可以自由出入軍閥官邸的柳蔭，卻不思此圖，反以父親安危之名，享受著折磨男人（不管是雷大牛或張賢）的樂趣，但是張賢隨便就可以知道柳父下落，卻唯獨只有高宅也困她不住的柳蔭茫然不知，如此一來，反而讓她成了不是無能，就是無心的女兒，愛情固然成為她至高無上的信仰，卻也更加突顯她的自私與自戀了。

 

不過，《大魔術師》雖然劇情架構破綻連連（邀徐克等眾家導演客串演出一場軍閥鬥嘴戲，更是只求同業嬉戲，全然不顧念觀眾共鳴的同樂會），卻也並非一無是處，電影中的魔術表演煞是好看（特別是在動畫與剪接的加持下，早已超越了一般雜耍格局），一方面適時揭露了機關竅門，滿足了偷窺解密的觀眾心理，另一方面則是透過鏡中人的書畫與淚水傳奇，打造了一則「此景只能銀幕有，人間那得幾回聞」的戲中戲奇觀，從美術到敘事都極迷人；至於銀幕上先有坦克影像，終亦有坦克破幕而出的技法，則是點明了《大魔術師》的賀歲片胡鬧性格，不必虛誇浮捧了。

形式可以創造氛圍，氛圍可以書寫意境，意境能呼應主題，第一次執導好萊塢劇情長片的喬許．傳克（Josh Trank），以《超能失控(Chronicle)》的肩上型家用攝影機完成了一次青春冒險記錄，刻意卻不失真，冒險卻不躁進，形式與主題的相互呼應，讓《超能失控》在看似漫畫般的青春彈跳之餘，有了更深的主題得能反覆咀嚼回味。

 

由Dane DeHaan飾演的Andrew是《超能失控》的真正主角，他因為母親重病，父親對他不時家暴，除了表哥Matt（Alex Russell）之外，別無同齡同伴，青春苦悶之餘花錢買了攝影機，一方面紀錄自己的家居實況，一方面則是要呈現課堂實景。攝影機有如重要的生命投資，不但忠實呈現了母親呻吟，父親嚎哮的情貌，也讓同學們驚訝於新媒體(或言新勢力)的介入，有人抗拒，有人笑罵，但也因為Andrew有了攝影機，原本寂寞的青春突然就匯聚了人氣能量，Michael B. Jordan  飾演的Steve找上Andrew去洞穴探險，正因為他的攝影機可以紀錄實況，他的攝影機有燈，可以照亮洞穴內部。

 

無所事事，百無一用的青春，因為一台攝影機完全改觀，攝影機此時不再只是流行的自拍道具而已了，隨身攜帶，一路拍到底的攝影機讓青春騷動有了更精準（雖然畫面構圖略嫌混亂）的紀錄，創造出乍看似乎突兀穿幫，其實更具寫實震撼的生活紀錄，更重要的是這台攝影機紀非一般家用攝影機那麼幌動，失焦，反而是資深攝影師刻意用來呈現生活紀錄感覺的「刻意生硬」，唯獨生硬，才有臨場記錄的氛圍；唯有刻意，才讓生澀的青春得著了惶惑盲動的立體感。

 

Andrew原本是個終日面對家暴與死亡陰的憂鬱高中生，一趟洞穴之旅，讓他與Matt和Steve都沾上了不明物體的輻射能量，因此有了特異功能，《超能失控》的真正趣味就在此展開：絕對的能力，會帶來絕對的腐化或者進化？

 

《超能失控》的主題其實是青春的嚮往從美麗到幻滅，Andrew等人開始發現自己有超能力時的喜悅，屬於一種漸進式的成長，從擲石頭打水花、用念力控制棒球、隔空取物到超級市場大混仗，原本都只是青春嬉鬧的荒唐成長，甚至Andrew駕馭念力成為才藝表演會上的超級雜耍冠軍，從沒沒無聞的邊緣學生，變成校園偶像時，一切都還只是校園奇譚，在Andrew的攝影機見証下，像極了無邪的成長日記。

 

但是，成長就註定要質變嗎？《超能失控》的質疑，其實適用在所有擁有能力（或者權力）的人身上，Andrew會飛之後，他們三人在雲端上飄飄然如仙子的悠然歲月確實讓人嚮往，但是一架飛機突然急掠而過，他們差點丟了小命，卻也預告著能力失控的必然結果。初級能力，讓他們自得其樂；中級能力，讓他們在胡作非為中嘗到了「順我者昌，逆我者慘」的「能力」滋味；高級能力則讓他們心中所有的黑暗勢力逐步抬頭，過去的生命委屈或者容忍，因為有了能力之後，意義與價值全都顛覆了，恨與報復的私心悄然進駐，無邪的青春也就因此逐步變成失控的青春。

 

正因為《超能失控》以高中校園的青年為中心，電影中提到的叔本華（Arthur Schopenhauer）著作，或者在鑽進地穴之前，引述柏拉圖(Plato)的洞穴理論，或是超級掠奪者的生物學邏輯，其實都是青春時期似懂非懂的「掉書袋」或「名詞賣弄」現象，但是擁有超能力的Andrew雖然獲得了注意與歡迎，卻依舊虛無，他在人群關係中的失落與挫敗，呼應了從感官理解到真實世界的落差，也讓這些前輩哲學家的理論，提供了青年心情的理論基礎，更突顯了《超能失控》的劇本厚度。

 

從成長到毀滅的主題，往往是史詩電影的格局，《超能失控》卻透過兩台攝影機限縮在三位少年的冒險人生中，這種限縮是刻意卻極其高明的選擇，不管他們是否能在城市的高塔上飛行決戰，不管他們是否能吹車毀樓，導演一方面用一台家用攝影機的低畫質影像，標記者那只是一場青春夢幻的本質，另一方面卻用專業攝影機的平行畫面，註記者這場青春印記，卻也同樣具有混世梟雄必然的膨脹變形，一部青春電影，就在拒絕史詩的架構下，得著了史詩的內涵與力道，其實也是功力。

犀利的演員身上都棲息著多個不同的靈魂，視需要，隨時調整身段，順應劇情刻畫人生百態，演員出身的鈕承澤，身上就至少棲息著導演與演員兩款靈魂，前者正要從「描紅」階段蛻變幻化成彩蝶，後者則深自眷戀《小畢的故事》，始終沒有太多變化。

 

看過《超級大玩家（The Player）》的影迷，不會忘記導演勞勃．阿特曼（Robert Altman）一開場就用了長達八分鐘的長鏡頭帶出了相關角色及他們面臨的困境，向世人昭告長鏡頭的魅力與威力，更重要的是，只有視野宏觀的導演，才能掌握生命長河的風景，透過場面調度，展現對生命觀察和戲劇情節的駕馭功力。

 

《超級大玩家》是20年前的作品了，20年後，鈕承澤在新作《愛》片的開場拍出了12分鐘的長鏡頭，展示了陳意涵、彭于晏、郭采潔、趙又廷、趙薇、舒淇和阮經天七個角色的身份與互動關係，《愛》片一共八位演員，開場戲一口氣就帶出八分之七的角色，鈕承澤向大師禮敬，同時也不忘書寫新意的企圖，昭然若揭，行雲流水般的執行力，在攝影指導李屏賓的協力下，表現不俗。

 

描紅是書法習作的必要歷程，沿著前輩大師的手痕，就算只是臨摹複製，也得要有七分功力，才能摹寫得有模有樣，雖然透過描紅書寫自己的故事，難逃行家的檢視法眼，卻能夠刷新電影格局，展現不凡氣勢。

 

平心而論，走四生四旦路線的《愛》只是一齣浪漫偶像劇，只想透過明星的肉身訴諸愛情囈語，透過明星崇拜的效應，讓愛情魔法得能透過不同組合的配對遊戲達到一些戲劇趣味，但是不論是陳意涵、彭于晏和郭采潔的「友情與愛情」三角關係，或者鈕承澤、舒淇和阮經天年齡和富貴都極懸殊的世代戀情，或者趙又廷和趙薇的文化岐異戀情，坦白說，所有的劇情發展都太可預料（有時候甚至太過嗆俗或者媚俗，例如趙又廷和趙薇明明是嘴上互不相饒的冤家，卻能奉兒子之命，在樹下接吻；例如舒淇和阮經天的定情在於大家一起來養頭貓，例如彭于晏跳糞坑向郭采潔賠罪），遵循著偶像影視的必然邏輯，以致於觀眾期待的化學效應，並沒有預期來得狂猛，相對之下，片頭的12分鐘長鏡頭頓時就成為全片最珍貴的資產，畢竟，一般商業通俗電影誰會想要如此大張旗鼓，挑戰高難度的連貫場面調度？

 

難，因此珍貴，難，因此稀罕，難，因此有了不俗的高度。

 

但是《愛》終究只是一齣浪漫偶像劇，劇本雖然有意耍一些嘴皮子，例如舒淇感歎著她和阮經天的一見如故，有如上輩子就已相識時，鈕承澤忍不住就接口說：「我上上輩子就認識妳了！」頓時就被舒淇冷冷地倒打一棒說：「難怪我覺得夠了。」確實是精彩犀利的愛情磨牙，只可惜此類佳句少如鳳毛，勉強只能有于美人等配角偶而吐出幾乎幽默對白，但又顯得太過著相刻意，想要瀟灑風流，卻略欠文采，相對之下，馮小剛的《非誠勿擾２》打造的愛情囈語就量多且精了，編導對浮世戀情的觀察與批判功力就有了落差。

 

鈕承澤最大的問題不在劇本，亦不在導戲，而在於表演。他吃虧的地方並不在於他刻意追求清瘦身材，而是體態望之不似富商，眼神詭譎不似洞見人世滄桑，心機盤算不似商場狐狸老到歷練，從偷腥被舒淇破悉，從服食威而鋼不果，求婚不成的急切毛躁，到終於肯戴老花眼鏡唸出自己的贖罪台詞，鈕承澤的表現欠缺了這個角色需要的沈穩與幹練，他的肢體與眼神還停留在少年小畢的青春無悔階段，就像個永遠長不大，也拒絕長大的彼得潘，少年癡情固然動人，卻也讓靈魂與肉身未能緊密貼合，有賴他來引爆的戲劇張力就弱了。

 

換一位演員來詮釋富商，換一種高度來檢視自己創作下的演員表現，鈕承澤一定可以看到更多可以揮灑的空間，魚與熊掌既難得兼，專心做導演，或許是他能否更上層樓的明智決定了。

神風特攻隊自殺攻擊在1944-1945年間，曾經重創美軍，讓美國人聞風喪膽，但在美國名導演葛斯．范．桑（Gus Van Sant）的《最後一次初戀（Restless）》中，卻意外出現了日本影星加瀨亮（Ryo Kase）飾演的Hiroshi。

 

加瀨亮理了個大平頭，乍看之下，似是青春的流行髮型，是Henry Hopper的室友，兩人可以下棋，可以談心，甚至可以到野外的鐵軌上玩起青春冒險遊戲，很難相信他的真實身份是個孤魂，只有曾經瀕死的Henry Hopper看得見他，他分享著Henry Hopper的心緒，甚至見証著Henry Hopper與Mia Wasikowska的愛情滋生，既有陰陽隔絕的無奈，亦有著友情與愛情的混合滋味，為莫可名狀的慘綠青春，留下一段既曖昧又青澀的記錄。

 

《最後一次初戀》探索年輕人面對死亡的生命態度，Henry Hopper急著要重溫死亡的滋味，Mia Wasikowska卻是無法抗拒死亡的威脅，加瀨亮的出現則替青春與死亡寫下與眾不同的勁力：神風隊員真的視死如歸嗎？那是祖國與長官強加的生命神話？還是青春別無選擇下的逆來順受？

 

看似八竿子打不在一起的人物角色，加瀨亮卻悄悄鼓動著四個化學效應：首先是聆聽。Henry Hopper無處話淒涼的寂寞心事，非一般同齡少年能懂，只有永遠停格在早逝青春的孤魂明白，此時的加瀨亮的功能是青春同伴。

 

其次是療癒。因為愛情的出現，Henry Hopper的生活開始有了色彩，但是亦有了舉棋難定的惶惑，加瀨亮的陪伴，讓Henry Hopper透過問答對話（其實是獨白）的方式，替生命的問號找尋答案與新註解，此時的加瀨亮的功能是時而理性，時而感性的互動體。

 

第三則是平行對照。Henry Hopper因為對死亡敏感，積極出席各式喪禮，順理成章會去認知早逝的青春人影，才會看見總是穿著神風特攻隊制服的加瀨亮，才會從神風特攻隊員的「鴻毛青春」去思索生命的意義。然而，如果加瀨亮只是孤魂，也能算是強行送做堆的硬湊合的角色，葛斯．范．桑其實不想浪費這個青春角色，《最後一次初戀》耽溺的是青春無悔的戀情，所以，加瀨亮也有一段青春憧憬，他也曾在出任務之前，寫遺書給戀人，差別在於他的遺書未曾寄出，該看的人始終不曾得見，加瀨亮的遺恨頓時有了對照力量，聽著他娓娓唸出那封未寄的情書，哦，不，是遺書，不但開啟了Henry Hopper的心靈視窗，也灌注了他的衝刺能量。

 

我最愛的卻是第四個功能：旁觀。戀愛的心緒何其私密，加瀨亮不但聆聽與見証著Henry Hopper的愛情心緒，也目睹好友浸染在愛情世界中的點滴改變，從原本的獨佔關係，逐步淡出，終至可有可無，難以形容的男性友情，陰陽同志關係，面對逐漸萌牙的愛情，不停地調整身段，原本無所得，也無失的孤魂，竟然也有了幾分難以啟齒的惆悵。

 

朋友的功能是什麼？陰陽兩界的靈魂能有多少的糾纏？看著加瀨亮逐步模糊的身影，難免就會油生「欲說還休，卻道天涼好個秋」的輕歎，看似天南地北毫無交集的人生，卻能陰錯陽差交會，多元、複雜、曖昧、岐義，這不就是詩？

詩是千錘百鍊的文體，電影要拍出詩的韻味，關鍵在於導演有詩心，有詩情，還懂詩藝，能夠恰如其份捕捉到生命裡既飄渺，卻又真實的情緒。

 

已經六十歲的美國名導葛斯．范．桑（Gus Van Sant），其實是最能留住青春身影的導演，從《男人的一半是男人（My Own Private Idaho）》、《心靈捕手（Good Will Hunting）》、《大象（Elephant）》到《迷幻公園（Paranoid Park）》，從中學生到大學生，青春的迷惘與衝動，他都能鐫刻出如詩如夢的影像基調，他的2011年作品《最後一次初戀（Restless）》就對青春主題做出最關鍵的選擇：他把兩位主角伊諾與安娜貝爾的年紀從原始劇本刻畫的20出頭年紀，往前挪移到16、17歲的高中生。20多歲與16、17歲的差別有多大呢？別小看這個小小挪移，其實就已經夠讓青春的迷惘情懷得著了迷人的暈染筆觸。

 

《最後一次初戀》的片名看似贅字連篇，初戀就是「初次」相戀，人生只有一次，何來「最後一次」？然而參照英文的《Restless》，卻似乎另外透露了「至死方休」的騷動訊息，事實上，《最後一次初戀》的劇情主軸就在於緊貼著男女主角生活的死亡陰影。

 

青春芳美，誰會想到死亡？在旭日東昇的花樣年紀，卻耽溺於死亡暗影，很容易就被人界定成「少年不識愁滋味，為賦新詞強說愁」，偏偏，《最後一次初戀》卻從頭到尾緊緊纏黏著死亡主題，不但讓死亡的幽靈有了順理成章的浮遊空間，成功改寫了「強說愁」的青澀印象，因為死亡的幽暗深谷不但困鎖住了兩個年輕靈魂，也讓他們的青春覺醒有了更寬廣的視野。

 

《最後一次初戀》從一場不知名的葬禮開場，男主角伊諾（由Henry Hopper飾演，他的父親就是鼎鼎大名的《逍遙騎士（The Easy Rider）》─Dennis Hopper）有事沒事就飄盪在不同的葬禮之間，他不是到處假冒，混吃騙喝的無賴，也非愛窺人隱私的無聊男生，流連喪禮的心理癥結在於他曾經有過青春創痛，他的雙親酒駕往生，自己也因車禍曾到鬼門關前暫住了兩個月，不但對生死玄機有了比他人早熟的經歷，也真的能夠看見他人看不見的魂魄，面對這麼特別的生死議題，《最後一次初戀》完全無意訴諸特效，反而是回歸最單純的生活細節，從遊戲、對話、閱讀到達爾文與小獵犬號，以及夜鶯的啼叫傳奇（每天早上發現自己又活了，於是就愉快的唱歌），Henry Hopper的五官具現著青春的稚氣，但是雙眼的濃鬱憂傷，卻又吸引著觀眾想要一探他的心靈，特別是他在葬禮上第一回見到回眸一笑的蜜雅．華絲柯思卡（Mia Wasikowska），青春就有了羈絆，夢想就了駐足港灣。

 

蜜雅飾演的安娜貝兒是位癌症患者，第一眼看見伊諾就看穿他的心虛與假冒，她的直言不諱，讓伊諾有些難以招架，但是她會要伊諾出席喪禮時別穿沈重黑衣，改裝鮮豔華服，甚至會挺身解圍的諸多細節，都讓單獨闖盪喪禮的伊諾感受到善意與友情，人生溫度的滲透力量，就是人生詩情的美麗展現，葛斯．范．桑就透過這種暈染擴散的手法，讓青春男女有了交集。

 

死亡的節奏分成回溯與順流兩種律動前行，伊諾因為父母雙亡的重創，始終走不出死亡蔭影，蜜雅的聆聽與理解，讓伊諾得著了療傷的能量，也讓過去完成式的往事，經過重新召喚與清洗後，從迷霧中看到了出口；蜜雅的死亡陰影則在現在進行式，癌細胞的持續擴散，讓她窒息，但是她對生的喜悅，對美的追求，對知識的眷戀，又都是最昂揚又浪漫的青春進行曲，只是她的追尋有其時限，短暫卻不草率，順勢而為的坦然接受，因此更得著讓人心疼的能量。

 

死亡的回溯，讓人領略了痛的重量；死亡的前瞻，卻讓人看到痛的勇氣。葛斯．范．桑避開了呼天搶地的熱血煽情，短暫的青春擁抱，每一回的小小章節卻都有著讓人心悸的能量，看似青春小詩，卻在妙手點撥下，暈染成了滔滔之歌，懂得青春，才會書寫青春，葛斯．范．桑無愧青春詩人。