藍色電影夢

真正的名師，厲害之處不在一本正經地講授大學問，而是善用小故事，開啟學生大智慧。至於學生有無慧根，見微知著？那則是看個人造化了。

好萊塢影星克里斯多佛．華肯（Christopher Walken）多數飾演反派角色，或許心機猙獰，手段殘酷，但也都在浮光掠影的皮相層次，鮮少撼動人心的深層震撼，但在《濃情四重奏（A Late Quartet）》中卻有了極其「人性」的刻畫，他詮釋的大提琴家Peter一角，透過一則生命傳奇的分享，留下了充滿靈光的生命體悟。

Peter除了主導自家的四重奏樂團之外，還在音樂學院授課，那一天，學生吵了起來，精明幹練的小提琴手斥責起跟不上節拍的大提琴手，語氣甚為嚴厲，Peter沒有訴諸老師權威來維持課堂秩序，他突然說起了一則昔日師事卡薩爾斯的往事。

是的，卡薩爾斯，是的，Pablo Casals，二十世紀最富名望的大提琴家，一手將巴哈的大提琴無伴奏組曲發揚光大，提升成為大提琴愛好者的聖經，能得到他指點琴藝，當然是莫大福氣，當然也會神經緊繃，Peter那回在大師面前獻藝，他拚盡全力，但卻拉得一塌糊塗，心想一定會被罵慘了。不料，卡薩爾斯無一語苛責，反而高聲讚美，怎麼回事？大師還需要「應酬」學生，虛禮瞎應嗎？

多年後，兩人再度相逢，而且在同個樂團裡合奏演出，Peter終於鼓起勇氣問卡薩爾斯這段陳年往事，卡薩爾斯當場就對Peter示範起當年拉琴的下弓手法，「我看到你與眾不同的拉法。」或許，那一天Peter真的拉得一無是處，犯了所有初學者都會犯的錯，但是卡薩爾斯獨具隻眼，他看見了Peter的用心、勇氣與潛力，所以優予寬容，甚至不吝獎勵。

說著說著，Peter當場示範起他在卡薩爾斯面前全力一搏的那回下弓技法。原本怒氣上臉，怒目相視的學生，聽到這裡，臉上都有了笑意，他們聽懂了Peter的故事。絕大多數時候，我們都嚴以「律人」，卻寬以「待己」，放大了別人的缺失，卻忽略了自己的缺漏，所以怨嫌多，讚美少，生命變得稜角鮮明，鋒芒銳利，卻也傷人傷己。但是大師不然，他看見了美好的那一點，就算渺小得有如纖毫細末，即已難得，一顆溫柔敦厚的善意種子，就此埋下，誰知他日能否開花結果？

《濃情四重奏》是一部音樂電影，卻也是一部人性電影。克里斯多佛．華肯飾演的Peter，一輩子都沈浸在音樂的和諧天堂中，求真盡善亦圖美，他遇過名師，也有知音相伴，但在音樂殿堂上，他不但嚴以「律人」，卻嚴以「待已」，才能一手帶出知名的四重奏團體，而且在多數人都聽不出的節拍隙縫中，放下琴弓，向滿座觀眾坦承自己的帕金森氏症病情，已經影響了演出。能在燈火時節下樓台，何其不易？也何其瀟灑！

他的言教，讓學子得見生命靈光，他的身教，則是藝術家的真性情，《濃情四重奏》就透過Peter的生命寓言，傳達了無盡的生命智慧，角色有如此深度，再加上克里斯多佛．華肯恰如其份地詮釋，成就了一次難忘的銀幕表演。

一部電影能夠包容知識、專業、趣味與人生，肯定會讓人回味再三，Yaron Zilberman執導的《濃情四重奏（A Late Quartet）》就兼具了知性與感性的豐饒。

《濃情四重奏》描寫紐約的一個知名演奏團體「賦格四重奏（Fugue String Quartet）」，邁入第廿五年時，因為領頭的大提琴家Peter（由克里斯多佛．華肯 ／Christopher Walken飾演）罹患了帕金森氏症，速度與反應都跟不上同伴了，決定退休，原本堅若磐石的鐵四角，卻因此引爆了成員間的陳年心結，他們能否順利演出Peter的告別演出呢？

專業，是《濃情四重奏》無可迴避的第一個挑戰，首先的焦點在於：演員。

專業樂團的演奏家豈可用一招半式來唬人？好萊塢有多少演員勝任職業演奏家的演出模樣？有多少人能夠玩真的？來真的？本片的選角堪稱一絕，因為從Peter到第一小提琴手Daniel（由Mark Ivanir飾演）,第二小提琴手Robert（由菲力普．西蒙．霍夫曼／Philip Seymour Hoffman飾演）和中提琴手Juliette（由凱薩琳．基娜／Catherine Keener飾演），每一個人都極其稱職投入演奏表演，從指法到身姿與表情，都極其到味，看不出都是開拍前才下苦功練琴，從自信到自如，那種「真實」宛如夢幻，光彩奪目。

奧斯卡如果考慮頒獎集體表演獎，《濃情四重奏》和《愛．慕》絕對是今年互動關係最真摰動人的兩部代表作品。

第二個挑戰焦點在於：音樂。

專業演奏家，品味自必不凡，也各自有想要攀登征服的山頭，在茱莉亞音樂學院教琴的Peter會選擇什麼曲子做為自己的告別曲？他的選擇是：「舒伯特臨終前最想聽誰的作品？」答案的第一個層次攸關音樂知識，內行高手，誰不知道？但是凡夫俗子又有幾人知曉？貝多芬自詡為一生最偉大的「Op.131升c小調四重奏（String Quartet No. 14 in C sharp minor, Op. 131）」就此堂皇登場，光是音樂史的掌故連結，不就餵養了許多稚嫩觀眾的好奇心？

答案的第二個層次則是人生領悟的暗喻了。舒伯特是歌曲之王，讓他心儀的作曲家有幾人？臨終之前，唯一想聽的就是貝多芬的Op.131，甚至死後還想葬在貝多芬身旁，這個遺願，標示了多少音樂人向音樂人致敬的專業高度？奧妙在於Peter選用Op.131來告別，既是向大師致敬，又何嘗不是為自己這一生的專業旅程，回眸一笑？

第三個挑戰焦點在於：人。

合作了25年的四重奏，彼此都是知音，理應是莫逆之交，Robert和Juliette更因為終日相望，而結成夫妻，但是已經維繫25年的「固定」關係，難道沒有「審美」疲勞？一旦牢不可破的組合關係開始鬆動了，彆藏在心頭的情意結，有無噴湧激爆的可能？

四重奏就是四位樂師的合體，《濃情四重奏》既深情又細緻地交代了他們四人交錯互織的師生、父女、同業和夫妻關係，老邁的Peter不忍團體解散，急著尋找替代人選，陷入中年危機的Robert則是在外遇的挑逗下，在感情和專業上都想要嘗試「出軌」，感情的出軌讓他付出慘重代價，幾乎無法再合奏了；專業的出軌則因為爭著搶當第一提琴手，昔日老友終將撕破臉之際，他們又如何再合奏？

原本心領神會，各以技藝登赴藝術高峰的和諧樂團，有無優劣高下之分？凡夫俗子在意的虛名細節，即使情如伯牙子期，難道就不會有暗自較量之心嗎？這麼平凡的人性問題，激化了全片的戲劇矛盾，也讓觀眾更加體會了「合久必分，分久必合」的人生矛盾。

Peter的生理困境，其實是《濃情四重奏》最動人的生命惆悵，大限來時，能不接受嗎？他的猛然告退，何其突兀，卻又何其優雅瀟灑！但是Daniel和 Robert所遭遇的心理困境（那種就怕無計留春住的中年危機），卻又俗得太過粗糙，巧合到太不可思議，結束得又太一廂情願，先是割裂，既而扯開了縫隙，最後卻找不到一個迴轉點，欠缺動人元素來圓融收場，只是草草覆蓋了傷口，疤未結，痕未消，卻已無暇再琢磨修補，殊為可惜。

不過，還好有貝多芬的Op.131，四重奏依序奏響樂聲時，演員入神，觀眾也醉了，做為音樂人生的電影，《濃情四重奏》的樂起音落，既有繞樑三日的盈耳召喚，更有人間那得幾回聞的美麗邂逅呢！

西班牙電影《尋找希薇亞（En la ciudad de Sylvia／In the City of Sylvia）》並不是一部容易觀賞的電影，因為它要求你專心「聽」與「看」。在幾乎沒有太多細節變化的過程中，唯有專心，才咀嚼得出其中滋味。

《尋找希薇亞》描述一個不知名的男生（Xavier Lafitte飾演），一心念著六年前在法國史特拉斯堡（Strasbourg）遇見的女孩希薇亞，六年後重返舊地，他能夠在這座看似熟悉，卻又陌生的城市找到昔日心動嗎？

表面上，《尋找希薇亞》是個癡戀與苦戀的愛情小品，但是西班牙導演荷西．路易斯．格林（,José Luis Guerín）並不想拍部規規矩矩的純愛電影，陷在傳統框架上訴說通俗故事，從感性角度訴說愛情故事固然迷人，從理性角度來量測「追尋」的深廣餘波，《尋找希薇亞》才得以不俗。

格林首先選擇的切入點是：記憶。

一代哲人胡適曾寫過小詩「秘魔崖月夜」，其中有兩句傳頌一時：「山風吹亂了窗紙上的松痕，吹不散我心頭的人影。」輾轉反側，思量難忘，戀愛中人無不如此。然而，心頭的「人影」真的清晰可辨嗎？六年前的記憶，驚鴻一瞥的心動，能夠在你的腦海深處鐫刻下多精準的人物肖像？如果不能，這份尋覓，能有結果嗎？

男生每天會從下榻的旅館裡，來到城市廣場前的咖啡館，那兒人來人往，或許就能撞見六年前的心動，如果心中確有定見，一眼就能確悉，正因為人影其有些糊了，焦距對不起來，所以只能先行凝視，既而在紙上素描。掠過眼前的人影，都吸引他的目光停留，從髮絲、眼影、唇形到輪廓，所有的仔細端詳，都像是先用眼睛尋找可能的組合，再用素描的方式來重繪佳人形影，從摸擬中進一步確認究竟是什麼樣的弧度勾去了魂魄？能否從那樣的線條中得到昔日的感動？

尖酸苛薄之人難免訕笑：連希薇亞究竟長成什麼模樣都不確定，還能稱為癡戀？但也唯有赤誠卻忐忑的凡人，才會臣服於時間之神麾下，才會告解求恕，才會拚盡全力，盼能完成尋人的最後拼圖。等到他終於「認定」Pilar López de Ayala可能就是他的希薇亞，開始尾隨，等待搭訕……陪著他凝視多時，守候多時的觀眾，對於他在電車廂裡終於鼓勇開口，能不給予最高的期待與祝福嗎？對白不到二十句的《尋找希薇亞》，就在如此低限的空間裡，孕育了一個夢。

然而，女孩告訴他：「我不是。」繼而再以手指往唇上一擺：「別再道歉了。」前者，否定了「過去」的癡迷；後者，切斷了「往後」的可能。《尋找希薇亞》就用了這麼簡明的手勢，讓史特拉斯堡的仲夏頓時有了秋涼。

格林的第二個切入點是：聲音。

史特拉斯堡是個美麗的小鎮，格林看似隨機選擇了旅館前的長巷，咖啡館旁的街道，固定好攝影機，就開始紀錄起來來往往的行人，有人走過，就有腳步聲、機械聲、談話聲、風聲、鳥聲，特意調高音量的環境聲，在安然不動的長鏡頭中，成了合唱的主角，唱出了城市風景，唱出了紅塵熱度，正因為鏡頭不動，你的眼睛也停了下來，忙個不停的耳朵因此取得了感官的主導地位，開始從聲音的進出與挪移，捕捉看得見的，以及看不見的生活雜音，眾聲喧譁中，唯獨你和這位急切的男生一樣，尋覓，也期待著共鳴的和弦。

《尋找希薇亞》有點像存在主義的名劇《等待果陀（En attendant Godot‎／Waiting For Godot）》，果陀好比希薇亞，好像存在，卻不確定存在，果陀可能是上帝或者死亡，《尋找希薇亞》只是將《等待果陀》核心論述的「生命意義」 套進了「愛情意義」的軀殼中，但又在一無所獲的等待裡，完成了「生命意義」的素描。

找不到愛人，也找不到答案，《尋找希薇亞》試圖用波麗露的音樂輪迴來註解人生，但是誰也都可能是希薇亞，只要持續凝視，只要專注凝聽，你的希薇亞是否就在下個光影流轉處？好玄的問題，好玄的註解，《尋找希薇亞》提供了一個好玄的誤讀空間。

丹麥導演Thomas Vinterberg的《謊言的烙印（Jagten／The Hunt）》是今年初春足以與《愛．慕》分庭抗禮的力作，世人的傲慢與偏見，在泛道德的光環加持下，自以為理直氣壯，再也不分青紅皂白了。

《謊言的烙印》犀利地選擇了兩個很難抗拒的道德盲點：天使般的孩子怎會撒謊？幼兒園的老師涉嫌性侵幼生，豈非十惡不赦？只要踩到了以上任何一個雷區，誰不粉身碎骨？

北歐影帝麥德．米克山（Mads Mikkelsen）在《謊言的烙印》中飾演深受小朋友喜歡的老師Lucas，大家樂於找他嬉戲打鬧，黏纏著他，Lucas好友Theo的女兒Klara常跟著Lucas上下學，甚至還畫下了心形卡片送給Lucas，但是有一天，Klara卻告訴園長她看過Lucas的雞雞。剎那之間，Lucas從萬人迷變成了萬人嫌，成了全民公敵，不見容於社區，連警方都逮捕了他。

Thomas Vinterberg的美學選擇非常精準，他不玩推理破案的遊戲，給觀眾的就是全知觀點，看著他如何與小朋友，如何擦屎把尿，甚至還會告誡小女生不要隨便親男生……因為全盤了解，無有疑惑，所以Lucas的煎熬與悲憤，觀眾不但「全知」，而且「全受」，明白真相，卻也完全使不上力，即使有切身之痛，就是鞭長莫及，只能悲喜共嘗。Lucas的苦，成為觀眾的苦，共鳴迴響就更強更大了。

偏聽與偏信，是《謊言的烙印》鞭笞凡夫的第一個人生盲點。明明知道Klara很有想像力，卻更相信孩子不會無冤無故撒謊，事出必有因（電影中清楚交代了原委，但只有觀眾和Lucas清楚），再加上其他同學的附和起鬨，偏見就此滋長蔓延，再也回不了頭了。

信任值幾兩重？則是《謊言的烙印》鞭笞俗人的第二個人生盲點。出事前，Lucas與Theo是交心摰交，無話不談，無所禁忌，視同兄弟，一旦親人受辱，親疏立別，只會怪自己識人不明，引狼入室，卻沒想到過去何等莫逆，真情厚誼建立的信任，何以如此不堪一擊，就此毀於旦夕？Theo面臨的是親人與摰友間，究竟該相信誰？他的為難，他的憤怒，竟然也讓觀眾難以苛責。

觀賞《謊言的烙印》其實是邀請觀眾去踩一個道德的蹺蹺板，明知Lucas是冤枉的，卻也能夠體會每位關係人的微妙轉變，包括Lucas的女友明知此事荒謬，卻也因為難免會有些問號，竟也會被Lucas趕出家門，Lucas的情緒與潔癖，引人同情，但是其他人的選擇，卻也並非那麼偏激，站在人情之常的倫理論述，就使得全片的道德辯論更難用簡單的是與非、對與錯來做評判了。

《謊言的烙印》固然讓我們看見了謊言的諸多波瀾，但是深陷心靈的「烙印」才是最精彩的一擊，即使警察還了Lucas清白，即使狩獵社團重新接納了他，但是那場因謊言而生的裂痕，真的就此消弭無蹤了嗎？酒酣耳熱，縱情狂歡之後的那聲槍響，是否意謂著還是有人視Lucas為女巫，必欲獵殺而後快呢？

「再生」人，真的能夠順利再生嗎？Lucas可以不計前嫌，再度抱起Klara，年幼無知，從何計較？但是一旦被謊言紋身，那個火燙的烙印，真的能夠清洗乾淨嗎？沒有人知道那一槍是誰開的？是誤射？還是謀殺？冷汗直冒的Lucas，又能如何清洗自己的冤情呢？一旦被流言纏身，誰不是終身被流言所困？誰能還公道？公道又是什麼？

Thomas Vinterberg的人性素描，既悲觀又陰鬱，《謊言的烙印》中所有的角色塑造都極盡人情之常，正因為如此合情入理，才讓人無所閃躲，因此釀生的悲劇震盪，才更巨大。細品《謊言的烙印》，就能體會編劇功力：道德掛帥，是否必定株連無辜？公道的需索發生在平安夜的彌撒上，是不是更悲愴？兒子沿門追問真相，又是多勁力的雪中送炭？獵人擊殺糜鹿，不也是幸福橫遭不測的天意？以此對照Lucas的禍從天降，不也是極其嘲諷的生命輪迴？《謊言的烙印》踩中的人性弱點，都是人生的痛腳，問題只在於世人肯面對多少。

有了莫札特的雙簧管，《遠離非洲（Out Of Africa）》的古典愛情，得能從非洲大陸到瑞典書房有了纏綿的連結；有了莫札特的小步舞曲，《巴黎鞋奏曲（I Have To Buy New Shoes）》的姐弟戀情，從單身寂寞中得著了血色溫度。

《遠離非洲》中，Meryl Streep飾演的Karen是一位很會說故事的女生（事實上，她就是原著《Out Of Africa》的作者Isak Dinesen（這其實是她的筆名，本名叫做Karen Blixen），她愛上的情郎Denys（由Robert Redford飾演），最愛在營火旁或者客廳裡，喝著咖啡或小酒，聆聽她說著一則又一則的故事。最後，她真的把她的非洲傳奇寫成了充滿浪漫綺思的《Out Of Africa》。

《巴黎鞋奏曲》（請原諒我一開始就要批判這個片名，實在譯得有夠粗俗）則是日本知名編劇北川悦吏子升格做導演的作品（如果北川知道台灣譯成如此，可能也會眉頭一皺吧？），北川也是說故事的高手，片中，她透過中年熟女中山美穗來說，她升格做導演了，找來了中山美穗和向井理談了一段短暫的姐弟戀。一位陪妹妹到巴黎做男友的攝影師，卻在塞納河畔巧遇了旅法的女作家，兩天兩夜的相逢相識，竟然有了不忍分離的愛慕，電影情節確實太過巧合（很像巴黎市的觀光宣導片），如果不是中山美穗藉著莫札特的音樂說出了動人的故事，或許就不會有太引人歎息的動情力量。

一如《少年PI的奇幻旅程》，中山美穗在電影中說了兩段有關莫札特的音樂傳奇，層次有別，傷情則一，不管你相信的是那一個版本的故事，都耐人咀嚼回味。

電影中，中山美穗在喝了兩杯調酒後，就醉了，走路跌跌撞撞，向井理只能用揹的，肌膚相親，讓單身的中山美穗有了溫暖，結果兩人就回到中山美穗的家中，一個爛醉沙發，一個則躺在浴缸中，第二天，中山美穗晨起後，信手在鋼琴上彈起了莫札特的「K1小步舞曲（K1Minuet and Trio for Piano in G）」，引起了向井理的好奇，於是中山美穗分享了她的第一個故事。 

那是家裡的貓與小步舞曲的互動故事，貓很聰明，與她相依為命。聽見莫札特的琴音，就知道主人備妥了食物，聞琴聲就會現身，即使外出多時，只要聽見琴音，依然會聞琴知返，可是有一天，貓咪不見了，她再怎麼彈，貓咪就沒再回來了…但她還是重複地彈，是在召喚舊時相愛，是在召喚昔日記憶。

此時的「K1小步舞曲」像是優雅但感傷的小曲，簡單幾個音符，似已道盡了獨居女郎的寂寞情懷。

但是第二天，她說出的第二版本的「K1小步舞曲」卻更加淒愴了。貓不是她養的，是她的兒子，她結婚沒多久就離了婚，獨力撫養孩子，有一天，孩子在路旁揀到了這隻野貓，膽怯地站在門邊問母親能否養貓？從此，孩子就全力來照顧貓咪，每一回孩子彈琴，貓兒真的就會聞樂相伴，但是孩子只在人世呆了短短五年，孩子走了，貓咪也走了，她再怎麼彈「K1小步舞曲」，房子裡就是空盪盪地，沒有童音，亦沒有貓聲。

你喜歡那一個版本的故事呢？不是因為眼前這個男人與她多相處了一天，也多交心了一天，也許中山美穗願意分享的只是第一個版本，美麗的愁緒，小小的惆悵，但是正因為兩人交心了，她挖出了更多內心底層的傷痕，向井理選擇用臂膀溫暖了這位傷心的女人（或者說媽媽）。

第二天，中出美穗外出買花歸來，卻發現向井理不告而別了。他是不是像那隻貓咪一樣，在巴黎街道揀到了它，好不容易成為親近伴侶，卻又很快就從眼前消失了，她沒有哭泣，只呆呆地坐回到鋼琴旁，開始彈起那首莫札特的「K1小步舞曲」。

只有敏感的人，只有敏感的心，才聽得出來女人的呼喊，聽完中山美穗的故事，誰不知道「K1小步舞曲」就是她的召魂曲，要召回最愛，要讓美好繼續，如果召不回來，此曲就是傷情曲，召得回來，那就真是最美麗的救贖了。

向井理為什麼離開？向井理又會不會聞「K1小步舞曲」而返回呢？答案要留待觀眾到戲院去尋訪，北川悅吏子的功力在於用一首「K1小步舞曲」就點化了音樂與癡情的連結，在於將「K1小步舞曲」的低限輪迴曲式，成為全片最動人的主題樂章，更特別的是如果你知道「K1小步舞曲」是莫札特在六歲時就寫就的小步舞曲，是否更能體會中山美穗每回彈琴時，都會想起她那年僅五歲的無緣孩子呢？此時，你會不會想要再要聽一回這首「K1小步舞曲」呢？

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那麼多的古裝片，那麼多的戰爭電影，我們還能期待多少新風景呢？

于仁泰執導的《忠烈楊家將》試圖透過金沙灘一役展示他亦有執導戰爭場面的能力；亦要在兩狼山的突圍戲中，展現他場面調度的功力；更要在峽谷決戰中，成就死戰成仁的豪情；要在葦花田中，極盡兩張強弩捕風捉影的緊張氣勢…論場面，論構圖，論雄心，《忠烈楊家將》都不失為一部熱鬧緊湊的商業片，但卻弱在角色刻畫，戰爭與家族的主題探討亦失之淺薄，還是在通俗演義的格局上打轉。

《忠烈楊家將》的「忠烈」兩字，其實已然局限了全片的格局，封建時代，確實皇令難違，風燭老將亦得拚死上戰場，但是明明已被奸人所累，明明都已拚搏到皮開肉綻，必需刮骨療毒的慘烈末日，老將還要帶領兒子跪謝皇恩，忠和愚之間的等號，固然具現了封建皇朝的餘毒深重，卻也暴露了編導無意就「窮途」人性多做挖掘，訴諸傳統老招，就草草帶過的羅盤偏差。

挑剔《忠烈楊家將》不想多給人性深度，或許失之過苛，畢竟于仁泰給了大反派遼國耶律原（邵兵飾演）相當空間，他忘不了母親終夜啜泣之痛，矢志要報楊業殺父之仇，先是兵困楊業，再誘出楊家七子，要一舉殲滅楊家男丁，確實可見恨毒之深與算計之精，仇恨之火讓他不惜一刀斬了囉嗦的監軍，但是他真是個英雄嗎？真想血祭家翁嗎？電影中的耶律原也只是先讓兵眾做犧牲，等到楊家男兒以寡敵眾，人乏力盡之後，他再來一刀刺胸，冷言揶揄。

是的，世界上沒有公平的戰役，特別是只問結果，不問過程的生死決戰裡，贏家才有生存權與發言權，弱肉強食才是真理，耶律原善用兵力優勢來殲滅楊家男兒，確實應驗了鬼谷子預告的「七子出，六子回」的悲慘史事（這裡的「六子回」算是全片少數的機巧伏筆了），但也正因為耶律原像禿鷹掠殺雛鳥，所有的同情與憐憫就全都匯聚弱者身上，他的悲情早已不足輕重，他的無情（一槍挑起大郎，一槍掠穿三郎）固然霹靂勇猛，也夠讓人驚愕心疼，卻只有把同情的能量全都送往楊家男兒了，一心一意想要實踐心願的人，何以不能圓夢？甚至不能贏得同情？關鍵在於前頭對耶律原的仇恨解剖，其實只是裝飾，楊家（漢族）才是正統，電影早已選邊，耶律原的夢碎志破，反而符合了通俗演義的黑白臉譜了。

我願意把《忠烈楊家將》的娛樂性歸功於作戰設計，從楊家七子的破敵戰法，遼國軍隊的巨石攻城，都頗有新意，但是真正玩出了點新意的拚戰戲還是要歸功於周渝民飾演的三郎，他的武器是弓箭，背上的箭筒羽飾，原本就讓他的體格顯得比其他人更巨大雄武，七個男兒中亦只有他一人蓄鬍，而且家族合影，誰人不是垂手肅立，唯獨他叉手環胸，這些角色細節都是要突顯他的特殊視覺，雖然弓箭手的交戰戲，根本就是翻版自《魔戒三部曲》中Orlando Bloom飾演的勒茍拉斯（Legolas Greenleaf），而且似乎箭筒裡永遠都有射不完的箭，但是至少于仁泰還懂得先來個趣味變奏：弓一舉，對手全部止步低身，一動一靜之間，充份說明了他的神射功力，以及臨陣應變的求生機巧；然後再來個聽音辨位的箭神決戰，就在黃蕩蕩的芒蘆叢中，要欺敵，還要制敵，速度與力度快速輪轉，既讓人目不暇給，又讓人莫測高深，確實是一場讓人難忘的決鬥好戲。

當然，于仁泰深諳無情之道，他最愛在觀眾還來不及喘息之際，就又迅速逆轉情勢，鄭伊健和周渝民都是在這樣的節奏律動下，完成了失敗英雄的悲歌，卻也因為結果往往來得如此突兀與錯愕，哀泣更濃，惆悵更烈，光是這種節奏控制，就已証明于仁泰的電影技法，完全符合了商業電影的煽情期許了。