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香港導演黃真真的新作《閏蜜》，英文片名叫做《Girls》，但是電影題材明顯類似《欲望城市（Sex and the City）》，若因此將《Girls》更名為《Sex and the Girls》是否更加精準？雖然全片的Sex，也只是嘴上說說而已，黃真真只想替女性觀眾搔搔癢，但她很懂女人心，從滿場歡笑的劇場效果來看，還真是很多人給搔到了癢處。

 

黃真真拍攝《閏蜜》有搔癢三招，「扮醜」是第一招，關鍵角色就是陳意涵。

 

飾演希汶的陳意涵在結婚前夕才撞見了未婚夫鍾漢良的外遇，睛天霹靂讓她整個人失魂失志，再也不是昔日那位美麗自信的女孩。陳意涵要先做到素顏，既而臉部肌肉失控，再來則是肢體任人蹂躪，三個表演要求的共同特質就是：重現失戀傷心人的情傷實況，她越敢扮醜，就越接近真實，情傷指數就直往飆點高，觀眾的共鳴迴響就更大，事實證明，陳意涵任人揉捏，要多醜就有多醜的表演尺度，僅次於「變胖增瘦」的「變形記」最高難度，那是把玉女形象踩在腳下，只求逼真，只求重現情傷極致的「實況」重生，因為陳意涵「敢」這麼做，也真的放得開，她的醜態因而同時兼具了愁苦與喜感，再也不似以往的半調子玉女。

 

陳意涵的「敢」確實是《閏蜜》的動力發電機，也是黃真真的第二招。

 

黃真真的「敢」是把「性」的話題融入話白之中，她的策略就是先說一回，再做一回，說與做之間就創造了理論與實踐的空間，關鍵戲份就全交給了薛凱琪飾演的Kimmy。

 

Kimmy是《閏蜜》三位姐妹淘的領頭羊，一方面是家世富有，可以照顧陳意涵與楊子姍兩人，她的個性設計又是情場前衛，閱人無數，所以總是有說不完的男人話題，片中經典台詞之一就是如何分辨男性是否為同志？一，褲子緊不緊？二，愛做什麼運動？三，怎麼看指甲？她說得理直氣壯，就算是歪理，也說得煞有介事，然後再由陳意涵直接把「心得」應證在余文樂身上。

 

《閏蜜》的這兩場戲先是求逗趣，薛凱琪說得津津有味，陳意涵問得小心翼翼，很有乒乓球的來來往往趣味。可是，余文樂卻是除是陳意涵的新歡，就算他符合了同志三要素，但他畢竟不是同志，亦即黃真真只是消費余文樂來成就同志神話，卻讓觀眾不知如何再來界定這段初萌牙的戀情。也就是黃真真只替觀眾搔了搔癢，就把你推向一旁，不管你止癢了沒？這麼戲劇上的失落與不滿足，暴露了她在戲劇結構上還是力有未逮的盲點。

 

其次，薛凱琪敢於向姐妹淘分享「鼻子小，就那裡小」以及「太小了，放嘴裡沒感覺」的男性觀察（這又算什麼新話題？難道只因為華人電影以前很少有人公開談，口頭點到為止，就算是開疆闢土的前衛猛士嗎），卻也是耍耍嘴皮子，這個在姐妹淘心目中「要是打炮要收錢， 妳早就發財了」的前衛大姐，真正在生活中的實驗，也只有宴會上糾纏男賓的黏貼而已，沒有人知道薛凱琪真想要的欲望與愛情究竟是什麼，這個角色因此成了一個沒有靈魂的花蝴蝶，她為了要勸退小美（楊子姍飾演）與九天（吳建豪飾演）的歐洲行，不惜獻身的行為，不但突兀，也還真的只能以小美的註解來形容她了：「妳只是嫉妒，為什麼九天沒有選擇妳，卻選擇了我。」

 

黃真真的搔癢第三招則是「猶豫」。剪不斷，理還亂，確實折磨人，可以道盡癡情男女舉棋難定的微妙心情，但是「猶豫」的鄰居就住著「空洞」，稍一閃神，焦點就沒了。

 

相對於陳意涵和薛凱琪的外放表演，楊子姍受到角色性格的節制，表現上遠不如《致青春》亮眼。關鍵在於職場上的專業表現全是導演黃真真（就飾演導演黃真真）的施捨，不是她憑本事爭來的，電視導播的工作也無關乎她究竟拍到了些什麼，尤其還是只想依附在知名男人身旁（如李安或九天）找尋自己的位階，她的自卑與弱勢導致全片重心失衡，全得靠「不打不相識」的吳建豪用愛情來解救她，相對於陳意涵和薛凱琪的「敢」，她的「不敢」突圍，導致最後的港邊送別，只說明了她的信心空乏，難有同情，就更難有共鳴了。

 

整體而言，《閏蜜》算是深諳觀眾心理學的精算設計，很多道具悄悄完成了置入營收，很多橋段擊中了慕情男女的微妙心思，編導知道觀眾的渴望，也把能收能放的演員推到極致，輕輕搔到了癢處，完成了商業電影的基礎工程。

 

江金霖執導的《等一個人咖啡》，中心思想叫做「玄」，主要技法叫做「迷」，關鍵訴求在於：你相信眼睛看到的，但它未必是真實；你相信聽來的傳聞，更多時候卻是他人加油添醋的結果。

 

電影的第一個策略在選角：看到女主角時，多數人會以為她就是夏宇喬，乍看五分相似，細看卻又有三分岐異，帶著二分難以確定惶惑，看到終場，才知道她叫宋芸樺。

 

其次，看到短髮拉子阿不思時，有幾人能一眼認出她就是賴雅妍？改頭換面的不只是外型，更是表演方式，賴雅妍自顧自地登高攻尖，不知情的觀眾讚歎又有新人輩出時，對她，不也是最美麗的讚美詞？

 

至於總是神思恍惚，周遊在傷歎幻境中的老闆娘，同樣又有誰認得出她是周慧敏？又或者說：「誰是周慧敏啊？」20年前迷戀過她的人，重相逢，未必還認得出她；10年來不曾聽過她名字的人，驟相遇，當然更認不得這位年近半百的昔日玉女了。一記接一記的伏筆，都在為最後答案揭曉時，安排驚喜。

 

然而這種皮相層次的不相識，只能算是噱頭，看不出太多功力。原著九把刀的古靈精怪在於大玩「真假難辨」的猜謎辯證遊戲。

 

電影開場的白菜比基尼傳說，看似校園社團的迎新簡介，卻替全片針砭批判的「人間流言」確立了紮實基礎，例如有一對酒窩的新人布魯斯飾演的阿拓，明明是男兒身，為何成天穿著比基尼，踏著輪鞋逛校園，而且身後總要拖著一只大白菜？繪聲繪影的是看圖說故事，再加油添醋的「流言」本色；當然，他的女友究竟是被拉子給搶走？還是倦了男女情，只想做自己的生命選擇？也在布魯斯與賴雅妍之間看似「今日情敵」，實則還是「昨日戀人」的曖昧對話，產生了誤導效應，再由「真相揭曉」帶來恍然大悟的戲劇翻轉效果。

 

同樣的結構，也透過四處打工的布魯斯帶出了「海產店老闆暴哥」（由李㼈飾演）與「洗衣店老闆娘金刀嬸」（由藍心湄飾演）之間的「野史」和「正史」的辯證學，只不過九把刀和江金霖的企圖沒那麼雄大，一方面只想製造誇張諧趣（例如戲中戲的黑社會寫實戲碼，揶揄了台灣電視的浮誇表演，這亦是找來李㼈與藍心湄客串的考量），另一方面則是再次呼應了「傳說」與「真相」的誤謬指數（大嫂的水性楊花，是失戀人對感情仳離的過度演譯，大嫂的食物下毒，則是對海產店大廚的「錯誤報導」）。至於李㼈與藍心湄、宋芸樺與布魯斯的「情緒失控」指數，落在瞎掰世界的框架中，也就不顯得太過離譜了。

 

最關鍵的戲則在宋芸樺的偏「見」與偏「信」。偏「見」是《靈異第六感（The Sixth Sense）》的翻版，偏「信」則是癡情人才得擁有的特質，劇本先順著宋芸樺的偏「見」創造了一種「真實」，再透過她的偏「信」，替謎一樣的帥哥張立昂添加了故事的神秘與稠密。但是宋芸樺的偏「見」，既得著了布魯斯的「實證」，卻也另外還加上賴雅妍的「盲證」，有實有盲，迷離人生的「正反合」趣味因而格外動人（礙於電影結局趣味，在此只能先點到為止）。

 

至於《等一個人咖啡》的愛情論述層次也有著拼盤趣味，既可以因為無感而變性；也可以因為愛戀太深，終日相守，難離難棄；可以明明有好感，卻更祝福對方得能愛其所愛，開闊的變奏組合，讓《等一個人咖啡》的愛情咖啡，除了多糖，還饒富意念香氣，也符合九把刀一貫的書寫風格（別忘了還有一把刀與九把刀的刀式幽默了）。

 

只不過，導演江金霖的技法略嫌毛燥生嫩，太濃烈的鄉土劇與偶像劇色調，讓全片包了太多糖衣，吃不到原味了；至於人物枝節，也略嫌冗長，故事若再精簡，節奏再快一點，這杯咖啡肯定更可口了。

 

台灣歌唱事業一向是華語歌壇龍頭，日換星移，出過無數巨星，但是我很少關心巨星身旁的樂團或伴唱，最著名的例子大概要算高凌風生前曾經陪他一起蹦蹦跳跳的「合音天使」阿珠與阿花了。美國紀錄片導演Morgan Neville拍攝的《伴唱人生》講的就是和音天使的故事，差別在於主角之一曾經得過葛萊美獎，甚至曾經入選搖滾名人堂，但是台灣的阿珠與阿花則只能在高凌風的高峰過後，嫁為人婦，難有第二春了，

 

《伴唱人生》描寫Darlene Love，Merry Clayton，Lisa Fischer和Judith Hill四位合音天使的故事，時光跨幅長達半世紀，等於就是半部美國流行音樂史的紀錄片了。只不過，多數美國人也許聽過她們的聲音，卻叫不出她們的名字，更不知道有多少紅花在她們的綠葉嗓音旁襯下曾經風靡一時。美國人都不熟這些美國歌曲的綠葉了，台灣歌迷或影迷，豈不更遙遠了？

 

傳奇，其實是《伴唱人生》最精巧的設計，畢竟若要認識綠葉，從紅花著手，也許就事半功倍了。

 

例如，年輕歌迷都知道Michael Jackson在2009年猝逝之前，原本正規畫「This Is It」的巡迴演出，他曾指名與Judith Hill合唱一首「I Just Can’t Stop Loving You」，麥可走得匆匆，Judith Hill的星夢幾乎是瞬間成了泡影，但是麥可有保祐，她在麥可追思音樂會上演唱一曲「Heal the World」，以歌喉和真情驗證了何以她成為麥可最後指名的合唱伙伴，因此有了無數邀約。

 

有了紅花背書，綠葉的魅力真的就容易凸顯，同樣的公式也可以用在Merry Clayton身上，她是半夜時分被經紀人找去與「滾石（Rolling Stones）」合唱團的 Mick Jagger搭手，合唱了一首「Gimme Shelter」，她就以獨一無二的高亢嗓音，完全顛覆了滾石純男聲的風采，有藝聞，亦有內幕，果真很有「娛樂」效果，夠讓歌迷看得津津有味了。

 

當然，曾獲得Lisa Fischer更是星途坎坷，她曾被經紀人糟踏出賣，落寞好了一陣子，同樣也是與Mick Jagger搭檔巡檔才能翻身，只不過，她隨後發行的第一張專輯，雖然有技驚同行的「How Can I Ease The Pain」，卻是銷路不佳（簡單來說，就是少了聽眾緣〉，也成了她的最後一張專輯。

 

至於24歲就已拿下單曲冠軍，直到73歲躋身搖滾名人堂的Darlene Love，則是與影歌雙棲的奇人，合作過的歌手人人誇她，在2011年名人堂的紀念儀式上，歌手Bette Midler所唸的頌詞堪稱經典：「她改變了我的世界觀，聽她的歌，你就會跳會舞，你就會急著尋找叛逆男孩！（she changed my view of the world, listening to those songs, you had to dance, you had to move, you had to keep looking for the rebel boy.）」

 

光看上述這些銀河傳奇，再搭配一首接一首的動聽歌曲，《伴唱人生》確實有豐沛的娛樂性，但是更重要的是全片的文化視野。

 

傳統的合音天使，都信守基本原則：不能喧賓奪主。合音就是合音，不是主唱，然而《伴唱人生》這四位女郎，都有著獨當一面的唱歌實力，卻註定只能當合音，有人是抗壓性不足，有人是時運不濟，有人則是姿色不佳，只不過，她們讓人「聽見」的關鍵則在於「唱出了自己」，她們不只是大咖的背景合音，也不再只是左晃右擺，聊備一格的木頭女郎，她們活了，她們熱力四射了，歌手同樣沾光，相得益彰。這種看似不可思議，其實道理簡單不過的化學效應，不也是極其動人的職場哲學？每個團隊都是多角體，大家都強，團隊就強，只想或只能凸出一點，或許尖銳，卻也註定單薄。

 

《伴唱人生》提供了很多人生啟示錄，其中，四位主角都很愛唱歌，唱歌讓她們快樂，也使聽眾快樂，有人唱歌唱成了閃耀巨星，有人永遠距離聚光燈還有數呎之遙，但是伴唱有伴唱的樂趣，《伴唱人生》看見了她們，也聽見了她們，還拍成了一部得獎紀錄片，人生能夠自娛娛人，已然甜美了。

Matt Reeves執導的《猩球崛起：黎明的進擊（Dawn of the Planet of the Apes ）》 是一部非常悲觀，卻又非常真實的電影，人類的滅絕是咎由自取，但是星球換成猩猿當家，又能好到那裡去？

 

電影一開始，我們看到已經在叢林世界建立猩猿部落的猿猴們，開始教起子女讀書識字，其中老師刻在牆上的「教誨真言」就是：「猿不殺猿（Ape not kill Ape）！」清清楚楚，明明白白的四個大字，有如憲法戒條，深深烙印在猿猴心中，但隨著劇情發展，這四個字也成就了全片最諷刺的教義。

 

「Ape not kill Ape！」這四個字應該拿來和基督教「十誡」中的「Thou shalt not kill（不可殺人）」來對比。

 

先知摩西從西奈山帶下來上帝頒賜的「十誡」，對罪孽深重 的世人諄諄教誨，有慈光指引，有戒律相輔，理應大步邁向美麗新世界，但是千百年下來，有幾位忠誠教徒真的信守了「十誡」教義？多少人以生存為名，不惜干犯戒條，大開殺戒？多少電影描寫了信仰同一位神明的教徒兵戎相向，卻也會在耶誕夜那天停火，共唱聖詩，齊聲祝禱，隔日再繼續交火！

 

經文歸經文，戒條歸戒條，若為生存故，一切皆可拋。其實才是人間真理。

 

《猩球崛起：黎明的進擊》的主角是帶領猿猴獨立建國的凱撒（Caesar， 由Andy Serkis飾演），「猿不殺猿！」就是他頒布的憲法，但是手下第一悍將 Koba（由Toby Kebbell飾演 ）卻因深受人類折磨，身上處處疤痕，因此忌恨人類，因此也看不慣凱撒向人類示好，同意人類修復水力發電廠，又目擊人類正在整軍經武，決定制敵機先，對人類宣戰。

 

但是為達目的，必需先搞政變，才能發號司令，他唯一的選擇就是跨過Caesar的屍體。暗殺領袖，暗殺朋友，不但重演了《凱撒大帝》的莎劇，也宣告著猿猴與人類天性，相差無幾，悲劇只會循環。

 

但是，電影最犀利的論述則在於不但Koba要犯戒兩次，Caesar也同樣不能不破戒。

 

Koba暗殺Caesar是第一次破戒，表面上是為信念而戰，實則是奪權野心；就在他攻擊人類，殺得眼紅之際，同伴開始覺得不妥，質疑他的決策，為了立威，也為了鞏固王權，他「必也，殺猿乎！」就此猛踩油門下去了。

 

比較無奈的是Caesar，他僥倖死裡逃生，要重整山河，勢必還得單挑Koba，不論誰勝誰負，猿殺猿」是唯一的選項，「你不是猿」既是藉口，也是犯戒之人的救贖，但是不管你用什麼美麗的口號來包裝殺戮，「猿殺猿」成了血淋淋的事實，更是立法者自己踐踏了法條。

 

《猩球崛起：黎明的進擊》的「反派」都是極度欠缺安全感的受害人（人類把滅絕悲劇怪罪猿流感，卻不追究病毒來自人類實驗室，猿類則是「一朝被蛇咬，十年怕草繩」的聞人色變），一旦反撲，力道自是猛烈；有心為善的「正派」，卻也都面臨無力迴天的尷尬處境，Caesar的那句結論：「我原本以為猿猴比人類優秀，無奈…」他的歎息，就是全片最深沈，也最悲觀的歎息！

從科幻電影的格局來看，《末日列車（Snowpiercer）》並無太多銳猛新意；從奉俊昊導演的實力來看《末日列車》，好萊塢顯然不懂得如何善待這位南韓才子。

 

《末日列車》最主要的論述在於人類面臨地球暖化的危機，相信人定勝天，相信只要發射有降溫奇效的CW7，就可以調節氣溫，避免地球浩劫，不料，CW7降下的溫度遠超乎科學家的預期，全球急凍冰封，只剩一列動力和食物都能夠自給自足的火車，載著倖生的旅客，在地表上沿著軌道前進。

 

是的，這輛列車就是「諾亞方舟」的神話翻版，差別在於「諾亞方舟」避開了舟上的矛盾鬥爭，《末日列車》則是血淋淋地揭露了即使到了逃命列車，人類還是不可能同舟一命，還是會搞階級，唯有鬥爭或者革命，才可能改變現況，這樣的劇情，不是像極了Neill Blomkamp的《極樂世界（Elysium）》。

 

是的，傲慢的科學家與政治家，他們信仰的尖端科技救不了世界，反而毀了世界，《末日列車》的主要命題在電影的第一分鐘就已講完了，接下來的則是「救世主」Wilford（由Ed Harris飾演）應運而生，救了蒼生，卻又陷進了另一個專制霸道的框架體系之中，再度應驗了基督教思想主張的「七宗罪」邏輯：傲慢自大是最根本的大罪。撒旦挑戰上帝，所以墜入地獄；俗人與天比高，因此只能在紅塵煎熬受罪。

 

《末日列車》的第二命題則在於既然江山代有惡魔出，賤民不起身反抗，就只能註定世代沉淪了。差別在於《極樂世界》是從地球向天仰攻，《末日列車》則是困居在末節的賤民一路往前節車廂進攻，《極樂世界》打出了經線的弧度，《末日列車》則畫出了緯線的運動。經線也好，緯線也好，既然差別不大，失了先機的作品，就給人東施效顰的印象了。

 

一如所有的抗暴電影，Chris Evans飾演的賤民領袖Curtis，就是比別人冷靜，算得出閘門開關時間，計算著子彈還剩幾顆，同時也比別人驍勇，拿起斧頭往前衝，職業軍人也莫可奈何，但是導演卻忘了交代，長期營養不足，每天只有一片蛋白質口糧，不得已還吃過人肉的賤民，那有力氣來拚鬥？他們能夠革命，不也說明Wilford享受慣了順民歌諛，再也無力防杜漸，只能坐視自己從「偉大領袖」變成「亡國之君」。

 

刀法太過鮮明，符號太過刻板，其實是《末日列車》最大致命傷，美麗的Tilda Swinton 願意戴短勁假髮，套上暴牙，扮演言必稱領袖的「監軍」角色，固然創造了討論話題，但是她「遇弱則強，遇強則弱」的言行舉止太可預期，尤其是把鞋子放在頭頂上，來嘲諷賤民要安份，別囂想逾越的「體態」，都因為誇張過度，色厲內荏的結果，讓這個本來就不討喜的角色，更少了讓人驚服的力道；至次宋康昊飾演的列車設計師南宮民秀，除了裝酷扮帥，抽上最後的兩根紙菸之外，遇上難關時，看不出有如先知般的從容，應對上，也看不到乾淨俐落的梟雄手段，也就下一位坐冰監的異議份子，重見天日後也不過爾爾，不也是一種失落嗎？

 

從尾節車箱到引擎室，《末日列車》清楚定義出了車箱依排序，就有不同階級與待遇的人生實況，Wilford只想控制生態平衡，完全不想經營美麗新世界（或許亦是能力有限），那是編劇亦不知從何說起的尷尬，但是至少美術設計完了不少階級示意圖，一方面實踐了電影的科技論述（有花圃，有水池，有肉林，有課堂，有夜店，亦有毒品（但是毒品與炸藥的連結點，既牽強又處理乏力），另一方面則是要以美術工程，服務挑剔影迷。

 

只可惜，《末日列車》的絕大部份論述都只是重複廣為人知的理念，美術設計亦只停留在「重複」的框架裡，少了讓人驚豔的力道，理念不新，技藝不新，「諾亞方舟」以飛鳥銜來了橄欖枝做結，《末日列車》則以雪地裡的白熊揭示地球解凍的生機，技法何其相似，只是換了動物而已，《末日列車》就此撞毀，也算是不勉強的結語了。

 

同樣是龍族為害導致身體殘缺，為何有人心存憾恨？有人卻坦然接受？《馴龍高手2（How to train your dragon 2）》用對照法撩撥了想像，也從開示中撒下了愛的種子。

 

《馴龍高手》的第一集中，透過維京人的制龍寶典，委婉點明了「恐懼」與「憤怒」比鄰而居的人心現實，但也透過「小嗝嗝（Hiccup）」與「無牙（Toothless）」的相知相惜，凸顯了唯有接觸與了解，才能化解「非我族類，其心必異」的偏見鴻溝。

 

維京人經歷了《馴龍高手》的洗禮，人龍一家親，第二集用類似《哈利波特（Harry Potter》中魁地奇競賽（Quidditch）的模式，安人了賽龍大會，透過高速奔馳，再鬥趣鬥力的彎轉競賽，將動畫電影的「想像力」踩足油門，不論是無辜羊兒的糗趣模樣，或者更勝雲霄飛車的彎轉驚呼，都滿足了歡樂的想像。

 

但是，第二集更高明的設計卻是Hiccup把爭雄遊戲留給了同伴，他偕同Toothless展翅凌雲，有如《天地一沙鷗》中的那隻李文斯頓海鷗，追求著飛行與速度的極致。他沒有高喊口號，只默默去拓展個人與家國的邊界，留下了「不與俗人同」的印記，但也因此才明白了人外有人，天外有天。

 

《馴龍高手》第一集採用了二元對立邏輯，人龍有別，面對生存壓力的顧慮與反應，也就各不相同；但到了第二集，卻改成了細胞分裂的論述法：人有矛盾，龍亦有矛盾。過不了自家人這一關，外面的世界就更混亂了。

 

兼任導演與編劇的Dean DeBlois巧妙安排了兩位龍騎士，同樣愛龍，一位是全力保護，就怕受傷害的Valka；另一位Drago Bludvist則是驅策群龍變戰士，唯有進攻，才能存活。更妙的是兩位龍騎士，同樣都知道只要駕馭了ALPHA這種大龍，群龍就有首，就能無往不利，只不過，一旦龍騎士起了衝突，原本各領風騷的ALPHA就得奉主人之命，骨肉相殘，用實力活下去。

 

這兩位龍騎士，一位以仁護龍，一位以暴馭龍，殊途卻難同歸。不但騎士的人生觀相差十萬八千里，失去一隻手臂的Drago Bludvist與裝上金屬義肢的Hiccup，也因為人格有別，走上了兩條完全不同的道路，決戰因此難以避免，勝負卻也不難預料：主張暴力的必定會先演出秋風掃落葉的優勢鋒芒，但是仁心之士終必逆轉勝。

 

正邪對抗，黑白相爭，原本是最簡單的戲劇結構，《馴龍高手２》不搞族群對立，而是搞族群分裂的剖析圖，才讓看似遵循黑白對戰的傳統結構，從中調理出全新風味，耐人回味咀嚼。

 

因為，《馴龍高手２》同樣有父子矛盾，Hiccup不敢承接王位，能躲則躲，同樣地，Hiccup的母親Valka亦是不同意夫君Stoick的馭龍大計，所以遠走天涯，同樣想對權說不，兒子是若即若離，掙扎於理想與現實之間，妻子則是乾脆不聞不問，直接為理念獻身去了。同樣的細胞分裂，出現截然不同的結果，人生的複雜度與真實度也就更加迷人了。

 

當然，《馴龍高手２》中最動人的感情戲就是看似粗枝大葉的Stoick，重見愛妻Valka時，情不自禁唱出相識情歌「For the Dancing and the Dreaming」，那麼大塊頭的人，遇到愛情也化為繞指柔，那副憨厚魯直模樣，完成了鐵漢柔情的最佳註解，也讓這部卡通片不再只是靠速度與動作來炫技，真情流露時就連大人都要動心動容，更讓《馴龍高手２》輕易就攻佔了老少咸宜的賣座山頭了。

讓觀眾愛上主角，電影的魅力就能穿透人心。《生命中的美好缺憾（The Fault in Our Stars）》有兩大穿透力：女主角Shailene Woodley飾演的肺癌少女Hazel，男主角Ansel Elgort飾演的骨癌少男Gus。

 

上述一百字裡，癌症出現兩次，幾乎就已揭露了《生命中的美好缺憾》的主軸：青春正好，明日無多，一切全因癌症攪局。

 

《生命中的美好缺憾》最不俗，也最動人的書寫在於雖然他們都癌症纏身，但是從不哭天搶地，也不自怨自艾，以極其優雅與尊嚴的體態，爭取幸福，「極一生無可如何之遇」，將「缺憾還諸天地」。

 

電影開場時就是Hazel的母親（Laura Dern飾演）與醫生都咬定罹癌的Hazel有「憂鬱症」，Hazel則以堅定但不動氣的口吻說：「I am not.」她很清楚自己的狀況，抗拒不了病魔，但她可以堅持自己的腳步。只不過，因為體弱只能在家自學的她，並不排斥參加支持團聚，正因為她敢於面對其他病友，才會遇見同為天涯罹癌人的Gus。

 

電影中的Hazel，一直在鼻間插著鼻管，還得牽著隨身呼吸器，鼻管就像「紋身」，呼吸器則像包袱，讓Hazel的腳步走得比別人更艱難，但她不以為意，坦然承受。陽光與陰霾是這麼不諧調地衝撞著她的身心，但她卻也能逆來順受，揉合得如此順暢，讓人油生「我見猶憐」的疼惜之心，這也是何以片名中，「美好」與「缺憾」能夠同時並存。

 

Shailene Woodley的美麗在於容貌與氣質。容貌順眼，可親，有讓人一見鍾情的磁吸能量，那是老天庇蔭；氣質在於病痛讓她早熟，隨遇而安，可以讓周遭的親人少一些愧疚；但也有著最起碼的堅持，讓自己可以抬頭挺胸，走自己的路，那份灑脫與貼心，則是參透角色靈魂後得到的後天琢磨。庇蔭與琢磨，兩者得兼，她的一顰一笑，她的悲喜際遇，也就容易緊扣人心。

 

Ansel Elgort的不俗在於幽默與不群。骨癌讓他裝了金屬義肢，但他樂於示人，殘疾不能奪志，不諱言自己愛看庸俗小說的癖好，卻又樂於接受直挖人心創痛的文藝作品。他的矛盾在於有時超自信，有時卻又極忐忑。例如他怕人遺忘，卻又明白人終將歸諸塵土，一如他看似愛模彷叛逆少年，老愛叨根菸，卻又從來不抽它，只因他想藉由抗拒，來顯示自己的意志超越。

 

《生命中的美好缺憾》採取了雙主軸的敘事基調，一為癌症，一為愛情。癌症讓Hazel與Gus逐步衰弱，但是愛情則讓他們得見夕陽餘暉，他們確實同病相憐，卻不隨便將就，唯有掏心交肺，真能靈犀相通後，才開始牽腸掛肚。Hazel等待Gus來電的寤寐思服，因此更添動人神韻；Gus不願辜負佳人，一定要讀完小說才肯回電的魯直，不也成就了「青青河畔草，綿綿思遠道」的青春志氣？

 

過去的《愛的故事（Love Story）》與《最後一次初戀（Restless）》，都只是女方得病，男方陪她走過最後歲月，留下最美回憶，本片的最大不同在於男女同樣罹癌，只是不知誰會先走一步而已，正因為他們很難擁有這個世界了，僅剩的那一點堅持，只有每天都面臨「失去」威脅的人才能會明白，因為懂得，也就更彌足珍貴了。

 

電影詮釋癌症時，選擇了一個很不凡的面對態度：兩人都接受「Pain demands to be felt.」 的這句小說名言，因為多數人遇上痛苦只想轉身，只想避逃，但是他們不能，因為藥石無效，癌細胞一再增生，根本無處可躲，所以只能轉身迎向痛苦，感受它、面對它、擁抱它、處理它（像不像法鼓山聖嚴法師的名言「面對它、接受它、處理它、放下它」？），即使如此，Gus還是會怕，還是會哭；Hazel同樣會痛，也會絕望，但是與心愛的人一起去看最後夕陽的那份執念，則讓所有的「痛」都昇華了，這也是為什麼Gus與Hazel一定要去趟荷蘭，可以接受最迷戀的作家的盛宴款待，也被他的粗魯毀了一切；一定要辛苦爬上閣樓，見證「安妮日記」的少女如何看待生命，才能明白活在當下有多幸運，能夠執子之手，是多難得的福份……因為痛過，才知人生想要l無憾，何其艱難？

 

Shailene Woodley與 Ansel Elgort渾然天成，看不出表演痕跡的雕刻刀法，讓《生命中的美好缺憾》更添說服力，明明我們的雙眼看見了缺憾，但是我們的心靈卻都是美好的歎息，本片就像是一杯悲喜雜陳的雞尾酒。