只要是錐子，即使沒有一句對白，也會出人頭地，光芒四射。
現年94歲的影帝勞勃.杜瓦（Robert Duvall)，63年前演出他的第一部電影《梅崗城故事（To Kill a Mockingbird）》即使最後才出場，前後不到三分鐘，一句對白也沒有，但是非常搶眼，看過就不會忘記，預告著他的內斂卻動人的表演功力。
勞勃.杜瓦在《梅崗城故事》
中飾演一位邊緣角色，一開始沒人看得到他本尊，只看得到巨大的人身黑影，不然就是威脅逼近的手掌暗影。對電影中的男女童星造成極大恐懼。
但是，等他露出真面目時，劇情起了大逆轉。不要道聽途說，不要被偏見誤導，都是《梅崗城故事》重要主題。
或許是第一次拍電影，或許角色一言不發，更有魅力，勞勃.杜瓦多年後透露，原本在《梅崗城故事》中，他有一句對白，拍攝的時候他也念出了這句話，但是導演在剪接檯上，剪掉了這句話。使得他成了沒有聲音的人。
勞勃.杜瓦在《教父》中，對白也不多，卻是忠心耿耿的機伶律師；話多一點的戲或許是《現代啟示錄》中那位吹小號、把直升機當成騎兵隊攻擊的美國軍官。
意外在《梅崗城故事》中遇見初試啼聲的他，確認他真是會用眼神示意的高手，不講話，也捉得住你。
吳念真曾經以「爸爸親像山」形容父子關係的遠與近；沈可尚導演的《膠囊時光》，透過三對父子/父女關係，替「爸爸親像山」這句話做出「近看成嶺側成峰」的立體雕刻。
蘇麗媚主持的「夢田影像」不只關心獨立書店的文化景觀，也關心萬家燈火中的親子關係。沈可尚的《膠囊時光》都已經拍了三季，今天才趕上進度，汗顏又慶幸。
「爸爸親像山」至少有三個軸向可以探討：
首先，山，可能是壓力。沉重又巨大，讓你只想逃，不想在陰影下做不完整的復刻品。
其次，山 ，可以是依靠。不管多忙多累，他讓你靠、讓你躺，讓你好好睡一覺，再出發。
第三，山，可以是友伴。可以興、觀、群、怨。一起悲歡，一同成長。
這次在台北電影節看到的《膠囊時光》，包含三組故事：
*張泰山 x 張可洛 x 張可妮
《胖子，棒球，和光頭》
*黃路家翔 x 黃路梓茵
《角色練習題》
*鴻鴻 x 樂天
《忍不住為你寫了幾首詩》
恰恰就呼應了「爸爸親像山」的多元論述。
有些孩子因為不知道怎麼溝通，或者總是沒等到陪伴的時機，漸行漸遠；有些孩子，做了父親後，才明白該要彌補遺憾，卻又未必確知如何做好。畢竟，親子關係是沒有答案的練習題，永遠邊走邊學。
看到《膠囊時光》中的張泰山，心頭想起NBA球星LeBron James。
不是張泰山= LeBron James ，而是他們都有兒子要走父親走過的路。
LeBron James的兒子LeBron James Jr.目前也是湖人隊球員，父子同隊，上場時間和表現數據，都有一段距離。
爸爸是超級球星，即使血液內流著相同DNA，命運和際遇就是大不同。
張泰山的兒子同樣熱愛棒球，當然還有其他運動。要追上爸爸新人王、安打王、打擊王和全壘打王的輝煌紀錄，同樣還有條漫漫長路要努力。
兒子倍感壓力，爸爸難道就沒有嗎？因為相關或不相關的人，誰都不免比較品評。表現好，理所當然；表現不好，輕輕一聲：唉。都是不可承受的重！
雖然心得與經驗都很重要，臨場就是不同。不需要耳提面命，指點秘訣，更不需要誇說當年勇，孩子從小已經看過、聽過太多。陪伴就是關心，凝視就是祝福。有些話，夜深人靜時，四顧無人說，心領神會就好。
沈可尚紀錄下張泰山 與兒子張可洛、女兒張可妮的日常，在《胖子，棒球，和光頭》，說著明星家庭的幽微心事。
《膠囊時光》這三組故事都有個前提：不是爸爸知名度高，就是子女頗有名氣；族群相疏、聚落不同，面臨的壓力與拔河張力亦不同，無可諱言，知名度引發的觀賞趣味，更能夠讓觀眾興致昂昂看下去。
紀實電影最大的挑戰在於親子之間突然多出一台/雙機攝影機，或者一群工作團隊，如何正常重現日常？知道有人正在拍攝，如何避免「表演」？沈可尚在電影中展現的各式隱藏式攝影機，或許是一款出口解藥。越近本色越動人，外在干擾的消去法，正是沈可尚在《膠囊時光》中靄靄內含光的魅力所在。
「爸爸親像山」的歌詞是這樣的：
細漢爸爸親像山
看伊攏著舉頭看
大風大雨攏不驚
永遠高高站直那
大漢爸爸親像山
總是恬恬不出聲
想要親近不敢倚
不知伊的心內咧想啥
今年父親節還有40多天，邀請家人一起觀看《膠囊時光》，可以讓爸爸或阿公天天都是父親節 ！
遠看，山頭有雪，山腰有雲；近看，綠茵遍野，山谷有羊，此情此景毋須天上找，人間就有如此讓人心曠神怡的美景，《牧羊人，你來自哪裡？（Bergers）》透過詩意山河向天下文青訴說一則集甜美與苦澀與一身的山中傳奇。
這是一部非常適合愛山者，適合都市文青在夏天觀看的電影，因為高度變了、溫度變了、文化變了，所有的改變都是啟蒙、撞擊，卻也有沁人心脾的擁抱與祝福。感性與理性都歷經犀利，收獲滿滿。
男主角Félix-Antoine Duval飾演從魁北克來到法國普羅旺斯的廣告文案好手Mathyas Lefebure，他厭倦塵囂，醉心荒野自然，自告奮勇改做牧羊人，才知放羊苦。
牡羊要有熱情要有愛，那是文青的詞藻，現實中的牧羊人卻是呵斥連連、髒話連連、多情與殘酷同時迴盪在遙遠的群山之間。
因為傳統牧羊人老了、牡羊產業邁入夕陽、氣候變遷，水源乾涸、還有學者反對射殺不時襲擊羊群的狼群，因為要維持生態多樣性……
導演蘇菲．德拉斯普(Sophie Deraspe)透過800隻羊到3000隻羊穿越草坡山谷、路橋和車陣的「奇觀」，呼應著想要把親身體驗寫成書的牡羊文青，雖然你聞不見羊騷，也嗅不到羊遺，但是她沒有鄭愁予那款「那有姑娘不戴花？那有少年不馳馬？」的文青浪漫，透過簡陋的石屋、無處可躲的大雨、皮開肉綻的雙腳、粗暴無情的生命踐踏，揶揄了鄭愁予紙上馳騁的「我底心懶了
我底馬累了
那時
黃昏已重了
酒囊已盡了……」（牧羊女 鄭愁予 1951）
群山皆在腳下、何等誘人？萬壑草坡都是羊，當然壯觀！雨雪紛飛、狂風大作、狼群來襲、羊群罹病才是每天忙不完的考驗，《牧羊人，你來自哪裡？》沒邀請你走一趟趕羊山路，沒讓你的小腿粗到像顆樹，只讓你坐在戲院裡，吹著冷氣，聆聽群山和羊群呼喚。
我珍惜攝影師Vincent Gonneville在極弱光源下捕捉到的山居實景。那是攝製團隊實地踏查和拚搏才換來的景象。至於作曲家Philippe Brault選擇交響樂而非木笛/牧笛註解山中歲月，雖然雕琢了些，動人旋律常常讓我流連迷航。
所有的心事，所有的體會，那些做不到的、心有餘而力不足的，《牧羊人，你來自哪裡？》幫你悄悄夾進海馬迴裡，那是影迷的特權與福利。我感恩。
如果好奇，北歐人何以自殺率那麼高，畫面美的讓人窒息的《血脈追兇（The Breakthrough〉》提供了參考線索。
如果，你想知道經常冰天雪地的瑞典何以培育出那麼優秀運動選手，《血脈追兇》同樣提供了作證線索。
《血脈追兇》透過一樁查了16年都沒有突破的雙屍命案，說了一則a word is a word，a promise is a promise的人生承諾。
低調再低調是《血脈追兇》導演麗莎·西威（Lisa Siwe）必須採用的形式美學，因為找不出動機、就找不到臨時起意的犯案兇手，茫茫16年的折騰，面對家屬的眼淚、絕望、憤怒與崩潰，對辦案警探是多揪心的煎熬？
「一度也想放棄」，確實是承辦警官彼得·埃格斯（Peter Eggers）的真情告白，但是參加過兩次奧運的他，配上全家幸福也要給個交代的心理糾結，鵲也讓低調到近乎絕望的美學風格透漏出「冰雪猶有傲霜枝」的微溫骨氣，讓你願意陪他走完這趟追兇旅程。
不管是催眠繪圖、或者建立家族血案，都不是正統辦案模式，甚至有侵犯人權之虞，真相與人權的拔河提供觀眾足夠思考空間去思考：事不關己，你會怎麼想？一旦有切膚之痛，又會怎麼要求？
《血脈追兇》影集只有四集，節奏緩慢，等待的煎熬呼應破案艱難，其實很能呼應主題。我不懂DNA系譜究竟能夠怎麼找出凶手，龐大資料庫可以行善，也可能加害，面對科技，總有一種莫名的恐懼。
至於，馬蒂亞斯·諾德奎斯特（Mattias Nordkvist），飾演的系譜學家，有一種尖端的寂寞，他們的堅持與奮戰，又是另一套故事了。《血脈追兇》沒把他們塑造成英雄，只有終於破案的解脫，算是拿捏得相當得體。
《絕境末路 (Straw)》講了90分鐘扣人心弦又催人熱淚的好戲，卻在最後15分鐘以一記回馬槍壞了這齣戲。導演Tyler Perry 不會收尾，可惜了，也浪費了每一位稱職的演員。
Taraji P. Henson飾演一位兼任兩分工作都還照顧不來罹病小孩的單親媽媽Janiyah，一天之內經歷了屋漏偏逢連夜雨的一連串衰事，竟然成了殺人犯和銀行搶匪。
她不想，也不是，但沒人同情，也沒人相信，命運戲弄了她，唯獨有過類似孤立無援經驗的人，才能感同身受。
角色塑造是《絕境末路》最成功的人間寫真。催收房租的房東、念她上班講電話的超市老闆、貪小便宜不遂就翻臉的客戶、不耐等待就發火，撞見危機急落跑的男人、開車不順就要搞你的警察、大呼小叫個人至上的銀行行員、只想硬幹結案的探員…….劇情指涉的冷酷人生，具體投射了導演Tyler Perry 曾在街頭當遊民的生命體驗，看似刻板印象，卻是血肉逼真的浮世繪。
Janiyah的困境在於同理心何其不易，少了同理心，所以懶得聽你解釋；沒有同理心，所以理直氣壯拿法條壓你。但是同理心能有多大彈性？能同理多久或多少？都是Tyler Perry 拋給觀眾思考的議題，細細咀嚼都未必能有答案。
弱勢黑人究竟有多弱勢？Tyler Perry 透過銀行空調被切掉，白領人質個個汗淚涔涔，唯獨Janiyah不動如山，她的住家沒有空調，她早習慣了這種悶熱。比她年齡大上兩輪的人質老太太，更是批評年輕人的嬌貴與好命。三個世代面對酷悶環境的反應，對照Janiyah的坎坷悲情，很有雕刻黑人百年滄桑的力度。
碾壓Janiyah的生活巨輪有黑有白，黑人多數是得理不饒人，白人則是沒把黑人當人看的粗暴霸凌，黑白交相施力，Janiyah很能引發觀眾的共鳴與同情，畢竟，Janiyah一天的不幸猶如黑人世代的共同感受。
當然，《絕境末路》的劇情細節有許多瑕疵，前半段環環相扣，悲情又激憤；後半段略顯停滯，依舊可以感受階級落差的卑微乏力。
困在銀行後，開始有點拖戲，現場直播的前後斷裂，其實不太講的過去，權勢白人的嘴臉也太戲劇化，不過最大敗筆則在大逆轉的鋪排，既不能除罪，更無力辯護，反而蒸發了同情眼淚，連帶使得雙結尾的開放式結局，平添蛇足之嘆，也枉費了Sherri Shepherd與Teyana Taylor盡心盡力的聆聽、陪伴與扶持。
我喜歡《絕境末路》對小人物的理解與同情，也欣賞編導對配角戲份的簡單分配與精準刻畫，算是Netflix 平台上猶可一觀的2025佳作。
好看的紀錄片，不只是記錄或發現，而是說好一個動人的故事。
《造山者：世紀的賭注》導演蕭菊貞就機巧地透過小欣欣豆漿店做開場，透過重現和尋訪，讓這部科技業紀錄片有了完全不同層次的人性與感性溫度。
小欣欣豆漿店兼具兩則傳奇，首先，蔣經國為首的執政團隊愛在這裡聚餐討論政事，那是習慣星巴克與麥當勞的年輕世代完全無法想像的風景。
其次，1974年2月7日寒冷的早晨，當時的經濟部長孫運璿、交通部長高玉樹、工業技術研究院院長王兆振、電信研究所所長康寶煌、行政院秘書長費驊、電信總局局長方賢齊及潘文淵等七人，圍著一張圓桌，一邊用餐，一邊為台灣電子產業的發展達成共識。半世紀後的台灣人才得以享受這個決策的福蔭。
以上都是歷史，也是紀錄片想要追溯的源頭，然而，蕭菊貞另外繞上了一條踏查小徑，因為她瞧見了不同的風景。
因為，南陽街上的小欣欣豆漿店消失不見了。
鄰近重慶南路五十年前曾經是著名的書店街，各式書店林立，沒有一百，也有五十，如今只剩三四家，物換星移象徵城市快速前進的無情腳步，一家豆漿店的消失，是多微弱的呼吸聲。
蕭菊貞聽見了這個極弱音，然後她發現，不只豆漿店消失了，連門牌號碼也消失了，那是都市更新的整併結果，嶄新的商業大樓連門牌與建築一併吞噬掉了。
如果你看過《胭脂扣》，就懂得這種滄海桑田的震撼，就明白如花尋找十二少的徬徨與茫然。
如果不是要拍《造山者》，小欣欣豆漿店早就成了歷史塵埃：不是拍了《造山者》，半導體產業的起步艱難，很難有人體會。
尋訪小欣欣豆漿店的這段插曲，因此得著了與《造山者》核心議題平行共振的能量：消失的，找回來；遺忘的，喚醒他；無知的，填實他。
天下沒有橫空出世的神話，小欣欣豆漿店的插曲見證了時代容顏的嬗遞，也豐富了歷史迴廊的珍稀與唏噓。
多繞一點路，多看見不同風景，多嚐到不同興味，蕭菊貞的這碗豆漿，說明了她懂得怎麼說好一則好故事。
或許，看完電影，你也想去喝碗熱騰騰的豆漿了。
沒有看過《坂本龍一：東京旋律（𝑻𝒐𝒌𝒚𝒐 𝑴𝒆𝒍𝒐𝒅𝒚: 𝑨 𝑭𝒊𝒍𝒎 𝒂𝒃𝒐𝒖𝒕 𝑹𝒚𝒖𝒊𝒄𝒉𝒊 𝑺𝒂𝒌𝒂𝒎𝒐𝒕𝒐）》，你應該不敢說自己了解坂本龍一；看過《坂本龍一：東京旋律》，你更不敢說自己了解坂本龍一，因為電影展示了一個巨大又深邃的「坂本宇宙」，等待樂迷鑽研開發。
導演Elizabeth Lennard執導的《坂本龍一：東京旋律》，即時捕捉到正以火箭之速竄紅的坂本龍一身影，所有他想做、能做、正在做的事，都散發強大電磁波，即使時隔40年後，依舊靈光閃動，給人無數震動與啟示。
先談化妝。嘴唇著色、眼眉染色，他不是第一人，不在意雌雄難辨，不在意性別雜混，搞怪也好、曖昧也好，瀟灑自在做自己，那是流行教主站在風潮頂尖的御風飛行。
40年前的攝影機留住那麼帥、那麼年輕、那麼有主張的坂本。那是歷史見證。
再談德布西（Claude Debussy）。坂本從不諱言自己深受德布西影響。電影中多次出現坂本念起德布西名言：「I am working on things that will be understood only by our grandchildren in the 20th children.」他曾經幻想自己是德布西，雖然他不是，但他努力像德布西一般開拓音樂邊界，目擊他用電腦磁片（如今已是骨董，當年可是新潮）追求電子樂音的幻化可能，目擊他運用科技，探索音色的混血新生，相信不只20世紀，21世紀的孩子同樣都能著迷與理解。
再談聲音。《坂本龍一：東京旋律》走向東京街頭、祭典、夜市、公園……邀請大家聆聽流竄在東京的各式聲音：不論是烏鴉叫、柏青哥彈珠聲、車站刷牌刷票聲、哨音、吆喝聲……以斷片方式蹦出來的聲音，不但召喚著觀眾的東京記憶，也標示著坂本深植血脈中的聲音基因。無所不在的無所在，後來都成了他在音樂書寫上的養分。
成名後的坂本拍過無數廣告，他從資本主義社會攫取財富與名聲，但是他怎麼看待那些詞藻華麗的文案，不論在電車上看著葡萄酒廣告，或者站在街頭巨大電視牆前背對/回看自己的身影與樣態，他沒有說出口的批判與反省，都能直接撞擊觀眾。
「我從古典轉向流行，就是想和大眾對話。」導演Elizabeth Lennard拍攝《坂本龍一：東京旋律》期間，坂本正在製作《音樂圖鑑》這張專輯，穿插坂本龍一在YMO(Yellow Magic Orchestra)樂團的表演，以及在錄音室裡嘗試聲音突變的努力，再聽到他說如果在德布西之前，先聽見Beatles，可能人生腳步會完全不一樣，你清楚感受到他求新求變的內心饑渴。
然而，從小就彈鋼琴，四歲就會作曲的他，坐在鋼琴旁彈起琴鍵的怡然陶醉，最是魅力無法擋，尤其看見他與第一任妻子的矢野晶子(矢野顯子)的四手聯彈，那份默契、那股英姿、那種在眉宇間飛揚的神采，其實是坂本生命的顛峰留影，神仙美眷也不能長長久久，當然是遺憾，曾經有過的琴瑟和鳴，卻是此生難再的文化遺產。
1985年，坂本龍一33歲，正值俊秀風華，《坂本龍一：東京旋律》留住了那時的他，也寄出了給後世觀眾的邀請函。40年後，應該有更多的人會更想認識浩瀚的坂本宇宙，讓我們從重聽、重看坂本龍一開始吧！
小而美，既古典又現代，讓人看得好開心，應該是對《珍奧斯汀誤了我這一生（Jane Austen Wrecked My Life /Jane Austen a gâché ma vie)》最貼切的禮讚。
理由之一：Jane Austen筆下雖然都是18-19世紀女性的浮光掠影，導演Laura Piani 卻找到了當地的翻譯筆法，引導觀眾重讀「傲慢與偏見」，卻是套用進當代情境，不用穿19世紀的古裝，卻讓憧憬愛情的少女心呼吸著當下空氣。
理由之二：就像電影中女主角艾嘉特（Camille Rutherford飾演）的經典對白：「在珍.奧斯汀出書之前，所有的女性角色都是男人創造的，女人不是被理想化就是被妖魔化，珍.奧斯汀把女人寫得像個人！」艾嘉特不但對珍.奧斯汀的小說情節暸若指掌，既憧憬又身體力行著珍.奧斯汀關切的兒女私情，換句話說，觀眾一起重溫，也重現了珍.奧斯汀筆下世界的悲歡離合。
理由之三，艾嘉特在巴黎知名的莎士比亞書店工作，言必稱珍.奧斯汀，更不忘向顧客推薦我最愛珍.奧斯汀的［傲慢與偏見］，最後更得到前往珍.奧斯汀家園參加寫作坊切磋的機會，登堂入室感受珍.奧斯汀當年創作環境，魅影無所不在，靈光處處招手，不論是書迷或者珍.奧斯汀的鐵粉，都可以享受與陶醉那對無所不在的珍.奧斯汀珠璣華采。
理由之四，珍.奧斯汀自己或筆下人物都急著找到對的人出嫁，但是電影明白告訴大家：知己未必適合當戀人；同床未必要相親相愛，倘若少了心靈悸動的化學效應，還是過自己的生活比較好。
至於，小說或電影中期待現身的達西先生，不要懷疑珍.奧斯汀，一定就是一開始極不對盤，最後卻能心有靈犀的那位討厭鬼。
理由之五，艾嘉特有個作家夢，有時信心不夠，有時靈感不見，即使來到崇拜的珍.奧斯汀家園，搜索枯腸，依舊寫不出隻字片語，終究得回到魂夢相依的廢墟，才寫得出自己理解也疼惜的小說世界。（例如那位唯有乾杯才見得到的杯底男人，才能唇舌交纏的愛侶，想愛不敢愛，只能偷偷愛的卑微心願）。
導演Laura Piani 雖然努力「現代化」珍.奧斯汀，卻也不忘向18-19世紀的古典環境致意，珍.奧斯汀家園以及復古舞會都打造出濃郁的復古情懷，在那種燭光下，在那種樂聲下，艾嘉特自然珍.奧斯汀上身，筆下人物，真實人生都得著對位互看的樂趣了。
艾嘉特會彈琴，黑白鍵上滑動的樂音散發著旖旎的情思；作曲家Peter Von Poehl更偏愛用撥弦的華爾滋樂音預告著悸動的孺慕情意，縱容像極了《花樣年華》的王家衛/梅林茂在邀舞，用來註解戀愛中人的情思晃動，誰曰不宜？韻味濃，勁力強，正是「紅燈綠酒夜，圍爐消寒天，談情說愛樂無邊，談情說愛樂無邊…..」
Camille Rutherford表現搶眼，宛如Jane Austen、Elizabeth Bennet (傲慢與偏見（Pride and Prejudice)》的女主角），以及Emma Woodhouse(《艾瑪姑娘要出嫁（Emma)》女主角）的三位一體，目擊她的渴望、焦慮與堅持，你同喜同嘆，期待她掃除迷霧、期待她破繭…..你會同意如果這一生被珍奧斯汀給耽誤了，也沒有什麼不好。
用「火山」形容法國男星文森.卡索（Vincent Cassel），應該是讚美詞。
從《黑天鵝（Black Swan）》到《我心深愛的國王 (Mon roi)》，他就像蓄勢待發的活火山，烈焰濃漿滾滾沸，你知道他即將噴發，卻很難預料他下一步會從哪兒宣洩，只能坐等他隨時暴走。
從《禁慾出口（Le Moine (The Monk)）》到《高更：愛在他鄉（Gauguin-Viyage de Tahiti)》，你知道他心頭火山不動如息，多數時刻靜默無語，然而那份靜，卻讓人如烏雲當空，惶惶恐恐。
隔了30年，重看他的成名作《恨（La Haine)》，你頓時明白文森還是文森，還是那座會走動的火山，鏡頭所到之處，總有熱力和驚惶。
《恨》是馬修·卡索維茲（Mathieu Kassovitz）一鳴驚人的成名作，讓他在27歲就拿下了坎城影展最佳導演獎，電影透過阿爾及利亞、黑人和猶太後裔的三位邊緣青年、終日無所事事 ，抗拒威權、不屑體制，卻又憤世嫉俗，狂噴口渣，所到之處不是混亂、就是災害，經典電影《計程車司機》對著鏡子瘋言獨白、《越戰獵鹿人》中的俄羅斯輪盤遊戲，都讓文森.卡索透過他類似過動，難以壓抑管束的身心波動逐一重新詮釋，加上他手上擁有一把動亂時撿到的警槍，不時就會拿出來炫耀、作勢及脅迫，你知道那把槍一定會出事。
馬修·卡索維茲最厲害的地方就在「控制」：直到始料未及之時，突然蹦的一聲，來不及驚訝、驚叫，
卻猛然明白失序社會的悲劇就是屢屢不照劇本上演，就像火山從不告知你何時噴發，時候一到，一切都來不及了。
電影的三位男生最愛重複的話語是有位從50樓墜落的青年，沒落下一層樓，總會唸說：「jusqu’ici tout va bien」（到目前為止，一切都很好）。」是啊，著地剎那，好不好都不再相干了。
《恨》的表演及精彩，文森卡索演活了那座會移動的火山，然而電影的場面調度及剪接更是讓混濁人生的 素描得著了立體輪廓。
《恨》 預告了文森.卡索將以脫韁野馬之姿縱橫影壇，30年來他的能量未減，能耐更強大，有他擔綱，你就確知必有好戲可看。
山友應該都知道，有前人搬石鋪路，我們才能拾級而上；有前人銘刻路標指引，我們才能量力為而，或者再鼓舞精神，奮力再拚一程。
難免，有人錯指左右，害你走了好多冤枉路，但你寧願相信那是風吹或者野獸撞歪所致。山林間有太多我們無知的奧秘。
《山忌 黃衣小飛俠》擷取山友的共同經驗，明確告知大家：不要輕忽前人拉出的警戒線，莫要不信邪。其實是很簡單，但也容易起共鳴的起手式。
因為，明知前有邪，還要硬闖，接下來的故事，你已經可以預料。好戲在於邪有多邪？俗人怎麼袪邪？尤其是如何面對曾在心頭一閃而過的念頭。
《山忌 黃衣小飛俠》給了男主角劉以豪一次又一次的機會，雖然辛苦了袁澧林……真好，人生可以重來，遺憾可以不再遺憾。驚悚片有溫泉，有希望，救贖的機會人人渴望，坦承面對才是唯一解方，台灣驚悚電影就是比泰國驚悚電影多了人情與人性。
劉以豪、袁澧林、曹佑寧的三人行故事還可以多著墨一些，尤其是曹佑寧部分，所有的糾纏與煎熬會更動人。畢竟，生死與共究竟適合愛情或者友情？that’s a good question.
同樣，看見陳孝萱總是讓人開心，然而她與陳如山之間的依賴與不捨，如果能再多鋪陳一些，陳孝萱的磁場還會更強大。
當然，袁澧林的表現最是吸睛，表演幅度大，在在都有說服力，期待她脫厄解困，成了觀眾共識，也說明編劇方向的成功。只是，劉以豪應該一路黏著她，她不在場的時光，格外讓人擔心，她去了哪兒？她怎麼了？時間滴滴答答一分一秒過….編劇可以再多想一些細節。
從紅衣到黃衣，山林驚悚傳奇繼續探索諸多可能，紅衣有女孩，黃衣四處飛，還欠一個黃衣宇宙的架構，但應該是台灣電影可以開發的潛在市場。