血脈追兇：漫長的等待

如果好奇，北歐人何以自殺率那麼高，畫面美的讓人窒息的《血脈追兇（The Breakthrough〉》提供了參考線索。

如果，你想知道經常冰天雪地的瑞典何以培育出那麼優秀運動選手，《血脈追兇》同樣提供了作證線索。

《血脈追兇》透過一樁查了16年都沒有突破的雙屍命案，說了一則a word is a word，a promise is a promise的人生承諾。

低調再低調是《血脈追兇》導演麗莎·西威（Lisa Siwe）必須採用的形式美學，因為找不出動機、就找不到臨時起意的犯案兇手，茫茫16年的折騰，面對家屬的眼淚、絕望、憤怒與崩潰，對辦案警探是多揪心的煎熬？

「一度也想放棄」，確實是承辦警官彼得·埃格斯（Peter Eggers）的真情告白，但是參加過兩次奧運的他，配上全家幸福也要給個交代的心理糾結，鵲也讓低調到近乎絕望的美學風格透漏出「冰雪猶有傲霜枝」的微溫骨氣，讓你願意陪他走完這趟追兇旅程。

不管是催眠繪圖、或者建立家族血案，都不是正統辦案模式，甚至有侵犯人權之虞，真相與人權的拔河提供觀眾足夠思考空間去思考：事不關己，你會怎麼想？一旦有切膚之痛，又會怎麼要求？

《血脈追兇》影集只有四集，節奏緩慢，等待的煎熬呼應破案艱難，其實很能呼應主題。我不懂DNA系譜究竟能夠怎麼找出凶手，龐大資料庫可以行善，也可能加害，面對科技，總有一種莫名的恐懼。

至於，馬蒂亞斯·諾德奎斯特（Mattias Nordkvist），飾演的系譜學家，有一種尖端的寂寞，他們的堅持與奮戰，又是另一套故事了。《血脈追兇》沒把他們塑造成英雄，只有終於破案的解脫，算是拿捏得相當得體。

絕境末路：新悲慘世界

《絕境末路 (Straw)》講了90分鐘扣人心弦又催人熱淚的好戲，卻在最後15分鐘以一記回馬槍壞了這齣戲。導演Tyler Perry 不會收尾，可惜了，也浪費了每一位稱職的演員。

Taraji P. Henson飾演一位兼任兩分工作都還照顧不來罹病小孩的單親媽媽Janiyah，一天之內經歷了屋漏偏逢連夜雨的一連串衰事，竟然成了殺人犯和銀行搶匪。

她不想，也不是，但沒人同情，也沒人相信，命運戲弄了她，唯獨有過類似孤立無援經驗的人，才能感同身受。

角色塑造是《絕境末路》最成功的人間寫真。催收房租的房東、念她上班講電話的超市老闆、貪小便宜不遂就翻臉的客戶、不耐等待就發火，撞見危機急落跑的男人、開車不順就要搞你的警察、大呼小叫個人至上的銀行行員、只想硬幹結案的探員…….劇情指涉的冷酷人生，具體投射了導演Tyler Perry 曾在街頭當遊民的生命體驗，看似刻板印象，卻是血肉逼真的浮世繪。

Janiyah的困境在於同理心何其不易，少了同理心，所以懶得聽你解釋；沒有同理心，所以理直氣壯拿法條壓你。但是同理心能有多大彈性？能同理多久或多少？都是Tyler Perry 拋給觀眾思考的議題，細細咀嚼都未必能有答案。

弱勢黑人究竟有多弱勢？Tyler Perry 透過銀行空調被切掉，白領人質個個汗淚涔涔，唯獨Janiyah不動如山，她的住家沒有空調，她早習慣了這種悶熱。比她年齡大上兩輪的人質老太太，更是批評年輕人的嬌貴與好命。三個世代面對酷悶環境的反應，對照Janiyah的坎坷悲情，很有雕刻黑人百年滄桑的力度。

碾壓Janiyah的生活巨輪有黑有白，黑人多數是得理不饒人，白人則是沒把黑人當人看的粗暴霸凌，黑白交相施力，Janiyah很能引發觀眾的共鳴與同情，畢竟，Janiyah一天的不幸猶如黑人世代的共同感受。

當然，《絕境末路》的劇情細節有許多瑕疵，前半段環環相扣，悲情又激憤；後半段略顯停滯，依舊可以感受階級落差的卑微乏力。

困在銀行後，開始有點拖戲，現場直播的前後斷裂，其實不太講的過去，權勢白人的嘴臉也太戲劇化，不過最大敗筆則在大逆轉的鋪排，既不能除罪，更無力辯護，反而蒸發了同情眼淚，連帶使得雙結尾的開放式結局，平添蛇足之嘆，也枉費了Sherri Shepherd與Teyana Taylor盡心盡力的聆聽、陪伴與扶持。

我喜歡《絕境末路》對小人物的理解與同情，也欣賞編導對配角戲份的簡單分配與精準刻畫，算是Netflix 平台上猶可一觀的2025佳作。

造山者：豆漿店的岔路

好看的紀錄片，不只是記錄或發現，而是說好一個動人的故事。

《造山者：世紀的賭注》導演蕭菊貞就機巧地透過小欣欣豆漿店做開場，透過重現和尋訪，讓這部科技業紀錄片有了完全不同層次的人性與感性溫度。

小欣欣豆漿店兼具兩則傳奇，首先，蔣經國為首的執政團隊愛在這裡聚餐討論政事，那是習慣星巴克與麥當勞的年輕世代完全無法想像的風景。

其次，1974年2月7日寒冷的早晨，當時的經濟部長孫運璿、交通部長高玉樹、工業技術研究院院長王兆振、電信研究所所長康寶煌、行政院秘書長費驊、電信總局局長方賢齊及潘文淵等七人，圍著一張圓桌，一邊用餐，一邊為台灣電子產業的發展達成共識。半世紀後的台灣人才得以享受這個決策的福蔭。

以上都是歷史，也是紀錄片想要追溯的源頭，然而，蕭菊貞另外繞上了一條踏查小徑，因為她瞧見了不同的風景。

因為，南陽街上的小欣欣豆漿店消失不見了。

鄰近重慶南路五十年前曾經是著名的書店街，各式書店林立，沒有一百，也有五十，如今只剩三四家，物換星移象徵城市快速前進的無情腳步，一家豆漿店的消失，是多微弱的呼吸聲。

蕭菊貞聽見了這個極弱音，然後她發現，不只豆漿店消失了，連門牌號碼也消失了，那是都市更新的整併結果，嶄新的商業大樓連門牌與建築一併吞噬掉了。

如果你看過《胭脂扣》，就懂得這種滄海桑田的震撼，就明白如花尋找十二少的徬徨與茫然。

如果不是要拍《造山者》，小欣欣豆漿店早就成了歷史塵埃：不是拍了《造山者》，半導體產業的起步艱難，很難有人體會。

尋訪小欣欣豆漿店的這段插曲，因此得著了與《造山者》核心議題平行共振的能量：消失的，找回來；遺忘的，喚醒他；無知的，填實他。

天下沒有橫空出世的神話，小欣欣豆漿店的插曲見證了時代容顏的嬗遞，也豐富了歷史迴廊的珍稀與唏噓。

多繞一點路，多看見不同風景，多嚐到不同興味，蕭菊貞的這碗豆漿，說明了她懂得怎麼說好一則好故事。

或許，看完電影，你也想去喝碗熱騰騰的豆漿了。

東京旋律：懷念坂本桑

沒有看過《坂本龍一：東京旋律（𝑻𝒐𝒌𝒚𝒐 𝑴𝒆𝒍𝒐𝒅𝒚: 𝑨 𝑭𝒊𝒍𝒎 𝒂𝒃𝒐𝒖𝒕 𝑹𝒚𝒖𝒊𝒄𝒉𝒊 𝑺𝒂𝒌𝒂𝒎𝒐𝒕𝒐）》，你應該不敢說自己了解坂本龍一；看過《坂本龍一：東京旋律》，你更不敢說自己了解坂本龍一，因為電影展示了一個巨大又深邃的「坂本宇宙」，等待樂迷鑽研開發。

導演Elizabeth Lennard執導的《坂本龍一：東京旋律》，即時捕捉到正以火箭之速竄紅的坂本龍一身影，所有他想做、能做、正在做的事，都散發強大電磁波，即使時隔40年後，依舊靈光閃動，給人無數震動與啟示。

先談化妝。嘴唇著色、眼眉染色，他不是第一人，不在意雌雄難辨，不在意性別雜混，搞怪也好、曖昧也好，瀟灑自在做自己，那是流行教主站在風潮頂尖的御風飛行。

40年前的攝影機留住那麼帥、那麼年輕、那麼有主張的坂本。那是歷史見證。

再談德布西（Claude Debussy）。坂本從不諱言自己深受德布西影響。電影中多次出現坂本念起德布西名言：「I am working on things that will be understood only by our grandchildren in the 20th children.」他曾經幻想自己是德布西，雖然他不是，但他努力像德布西一般開拓音樂邊界，目擊他用電腦磁片（如今已是骨董，當年可是新潮）追求電子樂音的幻化可能，目擊他運用科技，探索音色的混血新生，相信不只20世紀，21世紀的孩子同樣都能著迷與理解。

再談聲音。《坂本龍一：東京旋律》走向東京街頭、祭典、夜市、公園……邀請大家聆聽流竄在東京的各式聲音：不論是烏鴉叫、柏青哥彈珠聲、車站刷牌刷票聲、哨音、吆喝聲……以斷片方式蹦出來的聲音，不但召喚著觀眾的東京記憶，也標示著坂本深植血脈中的聲音基因。無所不在的無所在，後來都成了他在音樂書寫上的養分。

成名後的坂本拍過無數廣告，他從資本主義社會攫取財富與名聲，但是他怎麼看待那些詞藻華麗的文案，不論在電車上看著葡萄酒廣告，或者站在街頭巨大電視牆前背對/回看自己的身影與樣態，他沒有說出口的批判與反省，都能直接撞擊觀眾。

「我從古典轉向流行，就是想和大眾對話。」導演Elizabeth Lennard拍攝《坂本龍一：東京旋律》期間，坂本正在製作《音樂圖鑑》這張專輯，穿插坂本龍一在YMO(Yellow Magic Orchestra)樂團的表演，以及在錄音室裡嘗試聲音突變的努力，再聽到他說如果在德布西之前，先聽見Beatles，可能人生腳步會完全不一樣，你清楚感受到他求新求變的內心饑渴。

然而，從小就彈鋼琴，四歲就會作曲的他，坐在鋼琴旁彈起琴鍵的怡然陶醉，最是魅力無法擋，尤其看見他與第一任妻子的矢野晶子(矢野顯子)的四手聯彈，那份默契、那股英姿、那種在眉宇間飛揚的神采，其實是坂本生命的顛峰留影，神仙美眷也不能長長久久，當然是遺憾，曾經有過的琴瑟和鳴，卻是此生難再的文化遺產。

1985年，坂本龍一33歲，正值俊秀風華，《坂本龍一：東京旋律》留住了那時的他，也寄出了給後世觀眾的邀請函。40年後，應該有更多的人會更想認識浩瀚的坂本宇宙，讓我們從重聽、重看坂本龍一開始吧！

珍奧斯汀：誤了誰一生

小而美，既古典又現代，讓人看得好開心，應該是對《珍奧斯汀誤了我這一生（Jane Austen Wrecked My Life /Jane Austen a gâché ma vie)》最貼切的禮讚。

理由之一：Jane Austen筆下雖然都是18-19世紀女性的浮光掠影，導演Laura Piani 卻找到了當地的翻譯筆法，引導觀眾重讀「傲慢與偏見」，卻是套用進當代情境，不用穿19世紀的古裝，卻讓憧憬愛情的少女心呼吸著當下空氣。

理由之二：就像電影中女主角艾嘉特（Camille Rutherford飾演）的經典對白：「在珍.奧斯汀出書之前，所有的女性角色都是男人創造的，女人不是被理想化就是被妖魔化，珍.奧斯汀把女人寫得像個人！」艾嘉特不但對珍.奧斯汀的小說情節暸若指掌，既憧憬又身體力行著珍.奧斯汀關切的兒女私情，換句話說，觀眾一起重溫，也重現了珍.奧斯汀筆下世界的悲歡離合。

理由之三，艾嘉特在巴黎知名的莎士比亞書店工作，言必稱珍.奧斯汀，更不忘向顧客推薦我最愛珍.奧斯汀的［傲慢與偏見］，最後更得到前往珍.奧斯汀家園參加寫作坊切磋的機會，登堂入室感受珍.奧斯汀當年創作環境，魅影無所不在，靈光處處招手，不論是書迷或者珍.奧斯汀的鐵粉，都可以享受與陶醉那對無所不在的珍.奧斯汀珠璣華采。

理由之四，珍.奧斯汀自己或筆下人物都急著找到對的人出嫁，但是電影明白告訴大家：知己未必適合當戀人；同床未必要相親相愛，倘若少了心靈悸動的化學效應，還是過自己的生活比較好。

至於，小說或電影中期待現身的達西先生，不要懷疑珍.奧斯汀，一定就是一開始極不對盤，最後卻能心有靈犀的那位討厭鬼。

理由之五，艾嘉特有個作家夢，有時信心不夠，有時靈感不見，即使來到崇拜的珍.奧斯汀家園，搜索枯腸，依舊寫不出隻字片語，終究得回到魂夢相依的廢墟，才寫得出自己理解也疼惜的小說世界。（例如那位唯有乾杯才見得到的杯底男人，才能唇舌交纏的愛侶，想愛不敢愛，只能偷偷愛的卑微心願）。

導演Laura Piani 雖然努力「現代化」珍.奧斯汀，卻也不忘向18-19世紀的古典環境致意，珍.奧斯汀家園以及復古舞會都打造出濃郁的復古情懷，在那種燭光下，在那種樂聲下，艾嘉特自然珍.奧斯汀上身，筆下人物，真實人生都得著對位互看的樂趣了。

艾嘉特會彈琴，黑白鍵上滑動的樂音散發著旖旎的情思；作曲家Peter Von Poehl更偏愛用撥弦的華爾滋樂音預告著悸動的孺慕情意，縱容像極了《花樣年華》的王家衛/梅林茂在邀舞，用來註解戀愛中人的情思晃動，誰曰不宜？韻味濃，勁力強，正是「紅燈綠酒夜，圍爐消寒天，談情說愛樂無邊，談情說愛樂無邊…..」

Camille Rutherford表現搶眼，宛如Jane Austen、Elizabeth Bennet (傲慢與偏見（Pride and Prejudice)》的女主角），以及Emma Woodhouse(《艾瑪姑娘要出嫁（Emma)》女主角）的三位一體，目擊她的渴望、焦慮與堅持，你同喜同嘆，期待她掃除迷霧、期待她破繭…..你會同意如果這一生被珍奧斯汀給耽誤了，也沒有什麼不好。

文森卡索：三十年的恨

用「火山」形容法國男星文森.卡索（Vincent Cassel），應該是讚美詞。

從《黑天鵝（Black Swan）》到《我心深愛的國王 (Mon roi)》，他就像蓄勢待發的活火山，烈焰濃漿滾滾沸，你知道他即將噴發，卻很難預料他下一步會從哪兒宣洩，只能坐等他隨時暴走。

從《禁慾出口（Le Moine (The Monk)）》到《高更：愛在他鄉（Gauguin-Viyage de Tahiti)》，你知道他心頭火山不動如息，多數時刻靜默無語，然而那份靜，卻讓人如烏雲當空，惶惶恐恐。

隔了30年，重看他的成名作《恨（La Haine)》，你頓時明白文森還是文森，還是那座會走動的火山，鏡頭所到之處，總有熱力和驚惶。

《恨》是馬修·卡索維茲（Mathieu Kassovitz）一鳴驚人的成名作，讓他在27歲就拿下了坎城影展最佳導演獎，電影透過阿爾及利亞、黑人和猶太後裔的三位邊緣青年、終日無所事事 ，抗拒威權、不屑體制，卻又憤世嫉俗，狂噴口渣，所到之處不是混亂、就是災害，經典電影《計程車司機》對著鏡子瘋言獨白、《越戰獵鹿人》中的俄羅斯輪盤遊戲，都讓文森.卡索透過他類似過動，難以壓抑管束的身心波動逐一重新詮釋，加上他手上擁有一把動亂時撿到的警槍，不時就會拿出來炫耀、作勢及脅迫，你知道那把槍一定會出事。

馬修·卡索維茲最厲害的地方就在「控制」：直到始料未及之時，突然蹦的一聲，來不及驚訝、驚叫，

卻猛然明白失序社會的悲劇就是屢屢不照劇本上演，就像火山從不告知你何時噴發，時候一到，一切都來不及了。

電影的三位男生最愛重複的話語是有位從50樓墜落的青年，沒落下一層樓，總會唸說：「jusqu’ici tout va bien」（到目前為止，一切都很好）。」是啊，著地剎那，好不好都不再相干了。

《恨》的表演及精彩，文森卡索演活了那座會移動的火山，然而電影的場面調度及剪接更是讓混濁人生的 素描得著了立體輪廓。

《恨》 預告了文森.卡索將以脫韁野馬之姿縱橫影壇，30年來他的能量未減，能耐更強大，有他擔綱，你就確知必有好戲可看。

黃衣小飛俠：山林魅影

山友應該都知道，有前人搬石鋪路，我們才能拾級而上；有前人銘刻路標指引，我們才能量力為而，或者再鼓舞精神，奮力再拚一程。

難免，有人錯指左右，害你走了好多冤枉路，但你寧願相信那是風吹或者野獸撞歪所致。山林間有太多我們無知的奧秘。

《山忌 黃衣小飛俠》擷取山友的共同經驗，明確告知大家：不要輕忽前人拉出的警戒線，莫要不信邪。其實是很簡單，但也容易起共鳴的起手式。

因為，明知前有邪，還要硬闖，接下來的故事，你已經可以預料。好戲在於邪有多邪？俗人怎麼袪邪？尤其是如何面對曾在心頭一閃而過的念頭。

《山忌 黃衣小飛俠》給了男主角劉以豪一次又一次的機會，雖然辛苦了袁澧林……真好，人生可以重來，遺憾可以不再遺憾。驚悚片有溫泉，有希望，救贖的機會人人渴望，坦承面對才是唯一解方，台灣驚悚電影就是比泰國驚悚電影多了人情與人性。

劉以豪、袁澧林、曹佑寧的三人行故事還可以多著墨一些，尤其是曹佑寧部分，所有的糾纏與煎熬會更動人。畢竟，生死與共究竟適合愛情或者友情？that’s a good question.

同樣，看見陳孝萱總是讓人開心，然而她與陳如山之間的依賴與不捨，如果能再多鋪陳一些，陳孝萱的磁場還會更強大。

當然，袁澧林的表現最是吸睛，表演幅度大，在在都有說服力，期待她脫厄解困，成了觀眾共識，也說明編劇方向的成功。只是，劉以豪應該一路黏著她，她不在場的時光，格外讓人擔心，她去了哪兒？她怎麼了？時間滴滴答答一分一秒過….編劇可以再多想一些細節。

從紅衣到黃衣，山林驚悚傳奇繼續探索諸多可能，紅衣有女孩，黃衣四處飛，還欠一個黃衣宇宙的架構，但應該是台灣電影可以開發的潛在市場。

中文橫寫：歷史劇陷阱

我敬佩所有拍攝歷史題材的創作者，歷史劇需要大處著眼，小處著手。而且往往因為年代久遠，得要做足功課，才不會因為陌生、疏忽或無知，貽笑大方。

這張照片一般人不會多看一眼，就是一家宴會餐廳，牆上的「福華樓」三個字，也不過是餐廳名字。

但若注意歷史正確的人，或許就覺得刺眼。因為，「福華樓」三個字是由左到右，一齣以1949年為背景的歷史劇，怎麼會犯這麼明顯的錯誤？

台灣國字橫寫始於1996年，當時，教育部決議，中文橫式書寫由左至右。在那之前，舊廟橫匾一律由右至左，舊日餐廳招牌掛匾的書寫方式亦然。

時至今日，有些歷史建物的標誌，依舊由右至左。歷史的重量與質感，就在細微小節。

製片沒有發現，美術指導沒有疑慮，未經徹底考據或落實的歷史劇，就這樣留下了讓人找碴說嘴的證據。

但是，有什麼關係呢？多數觀眾沒注意，即使發現，也不在意，也許還會嫌囉嗦的人在找碴。最重要的是金鐘獎評審也覺得沒關係，照樣頒發最佳美術設計獎給《商魂》這齣戲。

注意細節，作品就更有說服力。以前，我們是這樣相信，也這樣龜毛要求。

如今來到一個隨便啦，沒關係啦的青菜年代。看到，就當做沒看到吧。

苦口婆心，阿彌陀佛！

不可能任務：最終清算

我沒有想要罵Tom Cruise，他還是《不可能的任務：最終清算(Mission: Impossible – The Final Reckoning)》全片最認真也最精彩的焦點。只是，身為監製，身為系列電影的靈魂人物，他對劇情應該再嚴格一點。

進入生產線的產品，成分固定，特色一貫，品質穩定，沒有意外，享用一如預期，甘心付費。

好萊塢電影工廠的產品大致符合上述，尤其是續集電影，007如此，Ethan Hunt也是如此。

所以，湯姆要拚命往前跑，要設法保護團隊，牢籠關不住，手銬銬不了，讀完指令一定會自動銷毀、一定有配合引線燃燒的主題音樂、一定要對抗地心引力、一定要死去再活來，一定戴上人皮面具、一定會在最後關頭完成impossible mission。

一切都 predictable，你還在期待什麼?Tom的不老神話？Tom的肉身神話？

《不可能的任務：最終清算(Mission: Impossible – The Final Reckoning)》算是一次30年歷史總複習。尤其是回到第一集，找回被他闖進CIA機房禁區，竊走特工名單的管理員William Donloe（由Rolf Saxon飾演），讓流放北冰洋的「倒楣鬼」成為立功英雄，有始有終，還有轉折，既能找到平靜與幸福，還能貢獻專長，不再是吃壞肚子的廢材，舊酒新醅，釀出新意，舊雨新知都能滿意，算是極盡巧思的品管了。

但是，是的，除此之外，《最終清算》就是舊公式、舊套路的再次套用。

問題不在湯姆，他一向敬業，一定搏命，只是一旦放進生產線的套路後，該有的配方一應俱全，卻也知道下一步一定會順利過關。

觀眾陪著他再玩一趟他玩不厭的雲霄飛車（對不起，這回是滑翔機），即使降落傘都燒掉了，還是可能有白色副傘救命（可惜導演沒拍這一場），即使潛水師才叮嚀他要善待潛水衣，他還是堅持要肉身上陣……摔不死也打不死的湯姆，就是系列電影和觀眾簽下的保證契約，真要追究合不合理，你還是別上門的好。

湯姆的肉身神話最迷人之處就在於他的腿塞不進駕駛艙裏，進不去，就沒救，但是究竟如何倒懸翻轉不滑落？導演花了太多篇幅描寫跳飛機、捉飛機、爬飛機，忘了那些場面以前都玩過了，空中塞腿才是真本事，才值得好好作秀。可惜，太短也太少了了，大好時光困在潛水艇裡，實在無趣。

至於世界毀滅的危機都用講的，白宮辦公室裡的大呼小叫，不會讓人緊張，只會讓人不耐，無所不在的末日叛徒只限小兵，沒有高官，也太可惜了，暗殺總統，搶按按鈕，讓全世界飛來飛去的湯姆也來不及救援，才是mission impossible 吧？

Lalo Schifrin在1966年寫的《虎膽妙算》主旋律，這次由Max Aruj和Alfie Godfrey重新拆解組裝，應該可以滿足挑剔的耳朵，尤其是改換慢板旋律層層逼近的巧思，再次讓老酒不老，值得細細聆聽。

關於愛的練習：傷別離

戀愛時，你看見她唇角上揚，也看見眼神中有慾望燃燒，你相信她的愛。

爭吵時，你看見她受傷又焦躁的眼神，也看見一股氣梗在胸口，你相信她非常不甘心。

挪威女星Helga Guren在《關於愛的練習（Loveable）》中的一顰一笑都極具說服力。喜則同喜，悲則同悲，然而看到她獨自一人走上十字架，為觀眾承擔了無法控制、也不知如何調整修正的悲歡宿命，你卻暗自祈禱切莫重蹈她的生命足跡。

她的煎熬，成就了觀眾的救贖？她的受罪，卻又讓你想起也曾有過類似擦邊球的機遇？

挪威導演Lilja Ingolfsdottir在《關於愛的練習》中採用了極其常見的破題：戀愛時，人在天堂，結婚後，為什麼比墳墓還淒慘，簡直就是如同地獄。然而，這麼常見的命題卻天天在我們周遭上演，《關於愛的練習》根本就是一面關於愛的「鏡子」。

導演Lilja Ingolfsdottir的「地獄」書寫法簡明有力：Helga Guren忙著照顧前夫及現任丈夫的四個小孩，貪玩的小小孩，到處闖禍，超市薯片還沒買單，就已灑落滿地；叛逆期的大小孩又嫌弟妹囉嗦，不願禮讓，更不想分擔照顧，手忙腳亂的她卻又發現信用卡錢不夠，刷不過，後面拍著長龍的顧客不耐盯著看她如何善後…….是的，就是類似這些雞毛蒜皮事，讓她心力交疲，剛從遠方工作回家的先生就遇上了她失控的火藥庫。

發洩，難免，能夠舒壓都是好事。偏偏這顆地雷天天引爆，時時失控，「東風惡、歡情薄」，連看婚姻諮商也要爭論為什麼？

愛情什麼時候消磨殆盡？失敗的婚姻往往理不出頭緒，Helga Guren的困境則在於她也不想如此，明明猛力踩下了剎車，卻才發現踩的是油門，原本的幸福就像雲霄飛車般失速狂飆。

導演Lilja Ingolfsdottir把愛情拍得極美，Helga Guren簡直就像人人豔羨的癡情天使，你慶幸她心想事成，你希望她不要錯亂失蹄，因為她不該這麼悲慘。偏偏，她卻只能強顏歡笑，承受自己做不好妻子、女兒和母親的三重失落。萬般不捨，卻只能揪著心，眼睜睜看著她往懸崖邊衝過去。

托爾斯泰在「安娜‧卡列尼娜 (Anna Karenina)」開場就說：「所有的幸福家庭都是相似的，每個不幸家庭都有他自己的不幸。」《關於愛的練習》正是這句名言的縮影。

細膩寫實，是《關於愛的練習》的最大資產；尖銳無情則是《關於愛的練習》帶動的海嘯浪潮。

電影情節一再衝撞心房，不時都會讓觀眾感同身受，不由自主想起不願再想起的情感創傷，但也透過這款清洗，傷口撕開再癒合，《關於愛的練習》成就了一場劇痛的療傷之旅。

這是一部兇猛又兇狠的電影。看到終場，你會慶幸自己survive了，你會想要擁抱扮演獻祭羔羊的女主角Helga Guren，她實在太會演，太真實了。