口哨音樂：荒野大鏢客

電影史上有多首知名口哨樂曲，從1937年卡通版的《白雪公主（Snow White and the Seven Dwarfs）》、《桂河大橋（Bridge over the River Kwai)》、《追殺比爾（Kill Bill）》，甚至《樂來越愛你（La La Land)》中Ryan Gosling輕聲哼唱的「City Of Stars 」，無不膾炙人口。

其中，《荒野大鏢客（A Fistful of Dollars）》的野性和血性指數最高。

口哨音樂傳世的秘訣只有一個：好聽，更好吹。看完電影，你會吹著口哨主題曲回家 這首曲子就會一輩子跟著你。

1965年，有位鳳山男孩，看完《荒野大鏢客》晚場電影後，踩著腳踏車，嘟著嘴，一路吹著口哨主題曲回家。

那位男孩叫做侯孝賢。他當然不知道作曲家叫什麼名字，只知道男主角既酷又帥，吹著口哨主題曲，儼然就成了鳳山大鏢客。

《荒野大鏢客》捧紅了三個人，依序是男主角Clint Eastwood、導演Sergio Leone和作曲家Ennio Morricone。

上片前，發行商要求導演和作曲家要換成美國藝名，理由很簡單：西部片是美國人專利，義大利人怎麼可能拍得好西部片？影片大賣後，他們才恢復了本家本姓本名。

電影開場的口哨音樂讓人熱血沸騰，然而Ennio Morricone一直不想多談這首曲子，晚年的全球巡迴音樂會也沒列進這首曲子。

主因在於此曲並非百分百原創，光是吉他前奏就像極了美國歌手Peter Tevis的「Pastures of Plenty」，因為這首歌負責編曲的正是他本人。

不過，電影中的這首口哨曲，掺入的聲音元素可多了，電吉他、鐵鉆、馬鞭、鐘聲、槍聲、小鼓、口哨、人聲大合唱，以及「We can fight！」的叫喊聲，當然，又以直往腦門高竄的口哨聲，最能考驗男兒豪情，吹的高，吹得準，才算正宗大鏢客！

電影搭配這首曲子的畫面其實是很簡單的剪紙動畫，大紅色的銀幕，有人有馬還有槍，聲音帶動了想像，也揮灑了血性，成就了灑滿番茄醬的「義大利通心粉」式電影美學。

這首口哨音樂問世60年了，我相信，還會有更多的年輕鏢客會吹下去。

教會：隻身單管上天山

電影《教會（The Mission)》開場，Jeremy Irons飾演的修士Gabriel沿著山壁，頂著急流，攀上伊瓜蘇瀑布（Iguazu falls)時，身上除了耶穌會的黑衣，就一只肩袋，還有一管oboe 。

時間座標：1750年。

地理座標：巴拉圭東部森林

族群標籤：Guarani原住民。

動機：耶穌會前一位傳教修士傳教殉道，Gabriel決定親自出馬，進入Guarani森林部落。

單人隻管深入原住民部落，絕非藝高人膽大，而是信仰的實踐：千山萬水走遍，就是要傳道；另一方面：素樸淨身，沒有武器，沒有敵意，可以降低戒心。

當然，oboe在手，代表他相信音樂是天籟。要在地上傳達天父意旨，行天上的道，就靠天籟吧。

於是，Gabriel走進森林深處，在蟲鳴獸叫聲中，打開包袱，取出黑管，吹奏出這首「Gabriel’s Oboe」。

原住民聞樂現身，聽懂了音樂的和平訊息，放下弓箭，伸出雙手（雖然還是有激進族人一把折斷了Oboe)，接納了他。

Oboe的樂音繼續在林間飄蕩著。言語不通？沒問題，天籟音樂將天父之道緩緩送進了Guarani族人心中。

導演Roland Joffe很會說故事。攀爬瀑布的舉步維艱，呈現的是佈道的決志與毅力；吹奏音樂的巧思，意味著音樂是最巧妙的溝通工具。

當然，作曲家Ennio Morricone太厲害了，直接告訴大家：天籟就是這副模樣。聽見就入腦也入心。

真正厲害的電影音樂就是要先合理存在，繼而有情有戲，讓人嘆服，讓人記憶。

《教會（The Mission ）》，1986年坎城影展最佳影片，角逐奧斯卡時，十拿九穩的最佳原創音樂獎卻敗給了《午夜時分（’Around Midnight）》。

頒獎那天，上帝或許打了個盹，匆忙間裝錯了信封袋。與獎擦肩而過的Ennio Morricone不敢置信，得獎的Herbie Hancock也連呼意外。

獎不獎，各有命，近四十年來，「Gabriel’s Oboe」一直是電影音樂會上廣受歡迎的紅曲，甚至還出現了歌詞版，知名男女高音傳唱不歇，Ennio Morricone版稅收入不知凡幾，也算是最實際的回饋了。

永遠的愛人：月光之怒

他是 Gary Oldman，他也是貝多芬。

哪位音樂家會把臉貼在琴板上彈琴？貝多芬會，因為他耳聾了。

完成俗稱「月光奏鳴曲」的「幻想曲式的奏鳴曲（Sonata quasi una fantasia）」的1802年，貝多芬32歲，也是那一年，他確認自己耳聾了。

耳聾對音樂家而言，是折磨，也是考驗。更難堪的是外人的目光：上帝蒙住了你的耳朵，你還能寫出天籟？

不欲人知，是人性。超越困境，則是鬥志。

導演 Bernard Ross 在《永遠的愛人（Immortal Beloved)》中，處理貝多芬失聰的手法，非常動人。

影星Gary Oldman在46歲那一年為了詮釋貝多芬，據說每天苦練鋼琴六小時，為的就是面對攝影機時，不致生份尷尬。大師該有的技藝風範，他力求貼近。

這場月光奏鳴曲的戲，發生在Valeria Golino飾演的Giulietta Guicciardi伯爵夫人家中。

Giulietta 以家中新添置的頂級鋼琴邀請貝多芬光臨賞鑑。見琴癡狂的貝多芬卻是要先確定四周無人，才肯上前試琴。因為他不想讓人知道他有耳疾。

當然，他不知道Giulietta正躲在隔壁房間偷窺。

先是粗暴硬彈。應該是哀嘆自己與絕世美琴緣分忒淺。聽見這款粗暴，Giulietta也暗自飲泣：斯人斯疾，老天何其不仁？！

貝多芬沒放棄，音樂在他心中，在手指間。他就把臉貼在琴板上，弦的震動，就是心的悸動。幻夢般的月光奏鳴曲就從他的指尖流瀉出來。

「不惜歌者苦，但傷知音稀。」貝多芬不寂寞，躲在隔壁的Giulietta聞樂落淚，忍不住奪門而出，想要擁抱貝多芬。

咆哮、憤怒、咆哮、憤怒、咆哮、憤怒……..貝多芬守不住自己的秘密，他的心情、他的煎熬誰明白？

這首第十四號鋼琴奏鳴曲最後終究獻給了Giulietta。傳記電影總不忘「揭開」傳主的私密往事，觀眾陪著Giulietta一起窺見貝多芬的秘密與苦悶，也聽見他的天籟。

喜悅就住在痛苦隔壁。

下次聆聽月光奏鳴曲，你會想把臉貼在鋼琴琴臺上嗎？還是眼角濕濕的、鹹鹹的，彷彿有淚水流下，天頂的月娘啊……

再見我的愛人：甜蜜蜜

鄧麗君唱紅的《再見我的愛人》，前身是首日文歌「グッドバイ‧マイ‧ラブ/Good-bye My Love」，由平尾昌晃作曲，中西禮三填詞。飄洋過海到台港才大紅特紅。

陳可辛執導的《甜蜜蜜》，活用這首曲子，賺飽觀眾熱淚，也扭轉了一段絕望愛情。

電影描述大陸青年李翹（張曼玉）和黎小軍（黎明飾演）在香港相遇、相惜、相戀。就在黎小軍的未婚妻來港，成婚在即，地下戀情逼得終止之際，兩人最後同車，車上廣播放出鄧麗君演唱的「再見我的愛人」：

goodbye my love!我的愛人再見

goodbye my love!從此和你分離

我把一切都給了你

希望你要珍惜

不要辜負我的真情意

goodbye my love!我的愛人再見

goodbye my love!相見不知哪一天

我會永遠永遠

愛你在心底

希望你不要把我忘記

我永遠懷念你溫柔的情

在這之前的聲音都是廣播聲響，代表環境聲音，卻是精準呼喚著車上兩位當事人說不出口的心緒，然而，就在此時，路旁竟然出現了鄧麗君，被歌迷緊緊包圍，黎小軍也急忙下車找偶像簽名，獨坐車上的李翹，繼續聽著「再見我的愛人」，耳尖的你會發現音質變了，變成了「現場演出」的音質，意謂著此時的歌聲就是她的心聲：

懷念你永恆的心

懷念你甜蜜的吻懷念你

那醉人的歌聲怎能忘記這段情?

我的愛再見

不知哪日再相見」

此時，歌聲換成了念白，字字句句簡直就是從李翹心裡蹦出來的話語：

再見了

goodbye my love!我的愛人再見

goodbye my love!相見不知哪一天」

歌聲依舊迴盪著，黎小軍來到車窗邊話別，一切都要結束了，看著他遠行的背影，背上簽著鄧麗君三個打字，想起他們曾經有過的狂戀時光，繼續聽著：

我永遠懷念你溫柔的情

懷念你永恆的心

多情李翹，傷情李翹，此刻不能不黯然低頭，竟然觸及汽車喇叭，喚回了走遠的傻蛋，喚回了不想切割的戀情，就在此時，「再見我的愛人」嘎然消散，愛人回來了，說什麼再見？說什麼分離？

從廣播聲、現場聲再到消散，讓音樂為你說出所有所不出口的話，「再見我的愛人」的聲音層次，將戀人心情的演進做出完美詮釋，研究電影聲音的魔法，《甜蜜蜜》是最佳範例之一。

第三類接觸：五音神話

討論電影音樂究竟是事後配樂？還是音樂先行，劇情隨後跟上？我常以「先有雞？還是先有蛋？」請教大家。

有些音樂，是在電影剪接完成後，再進場後製，俗稱「配樂」；有些則是音樂早早寫好，導演會在拍片現場不時播放，讓大家感受節奏與氛圍，產生有機互動。

有時更是因為劇情需要，音樂本身就是角色，引領劇情前行，只是這款劇本太罕見，一旦遇上，音樂家一定玩得比誰都開心。

史匹柏的《第三類接觸（Close Encounter of the Third Kind)》就是這麼一款劇本。

全片的關鍵就在「 re, mi, do, do, so」這五音。外星人來到地球，想要認識人類，於是發出音樂訊號，聽到訊號的人就有反應，就會複誦，就會唱和。

電影最「驚人」的一幕就是楚浮導演飾演的科學家風塵僕僕趕到印度，來到千人聚會的場合，聽見眾人齊唱 類似「re, mi, do, do, so」的變奏曲音，再問大家這些聲音來自何方？眾人齊伸手指，指向天際。

來自宇宙的聲音，來自外太空的訊號，所以才有地球人與外星太空船在曠野對陣，互以「 re, mi, do, do, so」溝通，尤其是地球人以「 re, mi, do」問好，外星人以「do, so」回覆，雙方確信可以靠音樂溝通時，作曲家John Williams 就可以發展出「 re, mi, do, do, so」的五音交響樂。

John Williams 玩得開心，史匹柏也在畫面上聽音變化，玩出各種色彩和情緒反應，總而言之，史匹柏的《第三類接觸》就是「立意良善」的「文明」對話，最後燈光亮，外星人偕同消失的地球人走出巨大飛行艦時，還真有宇宙大同的美好祈願與祝福。

很難想像，後來史匹柏在2005年根據H·G·威爾斯1898年著名科幻小說改編的《世界大戰（War of the Worlds）》，竟然那麼絕望、無奈與悲情。

再兩年，《第三類接觸》就要問世五十週年了，地球上的人們依舊靠征戰虐殺來解決問題（其實也沒拿解決，只會累積和製造更多仇恨，《世界大戰》其實比《第三類接觸》更有警世效果）。John Williams 的「 re, mi, do, do, so」成了空谷回音，就像「綜藝一百」的易百拉每週照本宣科一次，只存活在眷戀美好昨天的我們心中。

海上鋼琴師：即席說愛

電影音樂的最高境界在於合理存在，而且有戲有情，渾然天成，不覺得是事後「配樂」。

《海上鋼琴師（The Legend of 1900)》從一張老唱片開場，帶出那位船上出生，一輩子沒下過船的傳奇鋼琴師1900，再帶出他在一見鐘情的電光石火中即席彈出「Playing Love」這首曲子。

那是一個餐風露宿的女孩，從歐洲移民美國的漫長旅程中，沒能好好洗臉，沒能好好照鏡子，走近船艙窗邊，看著模糊的倒影整理儀容，完全不知道船艙裡正有鋼琴師在錄音。so young and so innocent，她的純樸自然，讓側頭望見她的1900心頭一驚。

眼前所見，心中所感，全都交付指掌。聲聲慢，聲聲長，看似即興，實則心悸……情真，琴就真，曲就美…….

當然一切都是導演Giuseppe Tornatore精算的結果，「playing love」的音樂出自音樂大師Ennio Morricone之手，飾演1900的影星Tim Roth只要有模有樣做出悠然神往的癡情模樣，搭配當時只有17歲的法國模特兒Mélanie Thierry的嬌弱茫然眼神，影像與音樂的交響共鳴，還真的在觀眾心中產生霹靂效應。

1900是鋼琴師，怎麼彈，怎麼玩，音樂都能找到存在的理由，堂堂皇皇躍上銀幕。「Playing Love」不僅是定情音樂，也交代了鋼琴師對城市的恐懼，對愛情的迷惑，更是一輩子漂流海上的傳奇物證。

音樂動聽絕對必要，還要有動人的故事，《海上鋼琴師》能夠傳世，正因為電影搭配音樂翅膀，翔舞九天。

鐵達尼號：最後的祝福

鐵達尼號（Titanic ）船上1514人最後聽見的音樂是什麼？

有兩個版本的《鐵達尼號（Titanic ）》 電影都安排了「Nearer My God To Thee（更加與主接近）」這首天主教告別彌撒長演唱的歌曲。

同樣這首歌，演唱版或演奏版，何者比較動人？

1953年，Jean Negulesco執導的《鐵達尼號》，面對已無救生艇可以逃命的最後時刻，集結齊唱「更加與主接近」，同船一命，同船一歌，互相祈禱祝福，沉入冰洋後，得能投身「主」懷，更加與主接近，歌詞吟唱的就是他們的祈願心聲：

https://www.youtube.com/watch?v=md_jRXQlPhQ

Nearer, my God, to Thee, nearer to Thee!

更加，更加親近吾主

E’en though it be a cross that raiseth me; 縱然被釘上十架

Still all my song shall be

我願如此歌唱

nearer, my God, to Thee,

更加親近吾主

Nearer, my God, to Thee,

更加親近吾主 nearer to Thee!

更加親近

1997年，James Cameron執導的《鐵達尼號》則是透過有姓有名的樂團領班，在海浪吞噬船身前，為所有來不及逃命的人們獻上最後一曲，祝福大家「更加與主接近」。

大難來時各西東，原本就是人性本色，樂團成員的職責是帶給乘客美好旅程，偏偏撞上冰山，美夢成了惡夢，他們的最後一曲，既是「職人本色」的最後堅持，更有著宗教情懷的告別祝福。

「各位先生，很榮幸能與大家共度這個時辰。」一曲既畢，領班收弓，嚴肅又凝重向已經來不及逃命的樂團成員欠身道謝。

合唱沒能讓我落淚，合奏卻讓我激動莫名，看一次哭一次，那種人格，那份情操，崇高又神聖，人生真的只有生死見真情。

「鐵達尼號」在1912年4月10日啟航，4月15日撞上冰山沉沒。船上一共有2224人，最後有1514人罹難，包括船長和船隻設計師。坐上救生艇的幸運兒，在海上聽見這首曲子時，是否即時為逃不了的同船旅客默禱祈福？

夜后之狂想曲：莫札特

莫札特知名歌劇《魔笛（Die Zauberflöte）》中的詠歎調「我心沸騰著地獄怒火（Der Hoelle Rache kocht in meinem Herzen）」，難唱，卻極動聽，一聽準難忘。

這首歌出現在電影中，尤其是狂飆高音的時刻，多數都有讓人耳朵一尖的張力。

英國導演肯．洛區（Ken Loach ）的《甜蜜的十六歲（Sweet Sixteen）》用來素描放浪青春。

電影描寫十六歲的蘇格蘭青年Liam ，母親坐牢多年，即將出獄，他立志要掙脫酗酒又愛罵人的祖父，不再困陷在貧民窟之中，於是就夥同好友Stan 去賺錢。

兩人借到了一輛車，就帶著襁褓中的小寶寶一起上街試車。兩人都沒駕照，初次開車，狀況百出，此時看見車內音響有張卡帶，就推進音匣播放起來，車廂內播出的就是那首「我心沸騰著地獄怒火」。

他們沒有怒火，只有把玩著駕駛盤左駛右轉的蛇行歡樂。此時，電影鏡頭悄悄移到車外，就在花腔女高音鼓起如簧之舌，運用重複音和斷音來飆出High Fe的華麗高音時，這兩個孩子胡踩著煞車與油門，汽車就有如女高音口腔中翻滾的氣韻那般，也在大馬路上旋轉著，音樂節拍與車子互跳探戈，創造了驚人的對位效果。

導演Ken Loach 懂得這段音樂的特質，巧妙塗抹出浪蕩青年的莽撞血色，而且音樂並非從天而降的「外力」配樂，而是從車內音箱勾動出來的環境聲響，一切渾然天成。

加拿大導演艾騰．伊格言（Atom Egoyan）則在2014年作品《雪地迷蹤（The Captive）》中，透過這首曲子散播讓人不寒而慄的恐怖指數。

電影開場是中年男子Mika 正盯著牆角的電視螢幕看，女伶正唱著「我心沸騰著地獄怒火」，他搖頭晃腦，樂在其中。隨後，他走向其他樓層，我們才發覺整趟華廈中，到處都有監視器，以不同角度注視兩位女郎的動靜：一位是被他關在房間中的人質Cass ，另一位則是備受煎熬的Cass母親Tina 。

Cass 越是輕聲細語，Mika 越開心；Tina 越是焦燥痛苦，Mika 越是享受。

是的，他變態，他拐走了Cass ，不貪色亦不貪錢，只是以直擊Cass 家人受苦受難為樂。

這時候，夜后威逼女兒的歌聲，有如他要求受監禁的Cass：

「如果妳不能使Sarastro （夜后的對頭大祭司），

遭受痛苦與死亡，

那妳就不再是我的女兒！

我們的血脈永遠斷絕，

永遠放棄，永遠破裂。」

差別在於Cass 並非他女兒，受苦的卻是Cass與她的親生父母，主客雖然易位，這首曲子就有魔力，讓邪惡的魔性更加高張。

Cass 被Mika綁架，一拐就是八年，辦案警官Nicole 鍥而不捨，就在接近破案時，神通廣大的Mika 直接擄走了Nicole ，把她關進廂型車內。他折騰Nicole 的方式，依舊是由他自己來哼唱這首「地獄怒火」。

人家花腔女高音，唱得有如天籟，換他來唱，不但五音不全，高音更是破碎刺耳，聽在Nicole耳裡，有如魔音穿腦，險些崩潰，觀眾也快瘋了。

有太多的電影創作者喜歡從現成的古典名曲上取材，重點在用音樂搭配劇情時，究竟是噪音？還是美音？究竟有無特殊「意義」？有無全新活化功力？只要能夠「畫龍點睛」，就能龍舞九天！

莫札特是天才，活在當下他應該會插著腰，冷眼看看這些後生晚輩如何伴隨「怒火」的花腔女高音旋轉飛舞。

空音央：青春末世物語

爸爸是爸爸。

兒子是兒子。

爸爸是坂本龍一，兒子是空音央。兒子會走自己的路。

有話想說，所以拍電影。有人絮絮叨叨，就怕你聽不明白；有人輕描淡寫，詩意來了，震撼也來了。《青春末世物語（Happyend）》屬於後者。

空音央（Neo Sora）的《青春末世物語》套用校園青春電影的框架，訴說著他對當代科技、族群排擠的文明思考。

電影繞著五位常常聚在一起的男女同學轉，其中的中小明和Tomu分別都是台日與美日混血兒，小幸（日高由起刀 Yukito Hidaka 飾）則是尚未歸化的韓國人，還有道地日本人悠多（栗原颯人 Hayato Kurihara 飾 ），以及阿太。

血統雜混，就意味導演不走講傳統校園青春路線，而是各色人種的世界寓言：日語是他們的共通語言、都反威權、愛自由、玩音樂，更是他們可以徹夜不歸，群聚嬉樂的默契與共識。

日本有著地震恐慌，也有軍國威權傳統，空音央因而訴諸當代科技來書寫青春的憤怒：首先是手機的地震預警訊息，經常誤發警訊，沒能救命，反而製造許多恐慌；校長愛車被惡搞，因而引進了全面監視系統，一舉一動都難逃電眼，負分積點一多，獎學金就買沒了。

校園中，極少人先知先覺，多數人後知後覺，其他則是不知不覺。《青春末世物語》的五位核心大半後知後覺，不確定要什麼，但明白不要什麼，摸著石頭走過青春時光不正是多數人的青春記憶？

小幸是全片的連結軸心，仰慕的女生讓他明白抗爭的本質與意義，他的飯糰快遞竟然成就階級對抗的及時雨；他佩服悠多冒著退學危機的挺身而出。所有他做不到也做不來的事，都有友伴率先達陣，朋友的浸潤與相互支持，就是千金難買的回憶。

「少年不識愁滋味，愛上層樓」，他們是少年，沒有為賦新詞強說愁，只是踩著自己的步伐，在十八歲之前的夏天，嘗到了「天涼好個秋」的微酸微甜的滋味。

確定愛情的人，臉上都是陽光；分辨不清友情與愛情的人，繼續讓曖昧發酵，空音央的冷靜與透徹，與他父親坂本龍一的音樂感性，輝映成趣。

電影中有一句經典台詞，退學後的悠多在音樂器材行打工，背著鏡頭彈著單調音樂，同事以為他在哭，他否認，老闆娘看不下去，「要彈，就彈點快樂的音樂！」她親自上前操作音響，磨蹭兩下，熱情的節拍熱浪跳將起來，也抖落了悠多臉上的陰霾。

青春就是有這麼多的空白與可能，空音央的分寸拿捏處處流露著他的細膩與敏銳，用詩的筆觸，寫下了比論文更恢宏的時事批判：荒謬的監視器、虛矯的成人交際、脅迫成性的教育體制、排他的民族主義……不都是過去、現在和未來都在/都要上演的戲碼嗎？

不久的未來：東京依然頻頻地震，電子監控更加精密、洗腦教育依然盛行、民族主義更加激進、政治更加矯情空洞，徬徨的高中生、憤怒的高中生，要如何因應輪迴重生的「垮世代（Beat Generation）」？

The sun also rises，電影在天橋上停格些會兒，小幸與悠多各自轉身離開，life goes on，青春goes on!我喜歡這麼開放的書寫，也期待著空音央的下一部作品。

狂人法則：善變與不變

Ali Abbasi 執導的《狂人法則(The Apprentice )》在全球票房都普普，意味看的人不多（我承認，當初也沒想進戲院看這部電影，直到MOD播映了，才知道自己錯過了一部精彩的名人傳記電影）。

其實，不管喜不喜歡川普，你都不能否認他的一舉一動都牽引著全球互動，這部電影至少是認識川普這個人的brief introduction ，而且是了解他奔向成功之路的提綱挈領簡介。

電影的核心人物就是飾演Donald Trump的Sebastian Stan，以及導師兼律師Roy Cohn（由Jeromy Strong飾演）。雖然票房受到干擾，至少奧斯卡的男主角及男配角雙雙提名。

電影最經典的台詞就是Roy Cohn傳授給川普的三大成功法則：一，攻擊、攻擊、攻擊：二、否認、否認、否認；三、永遠宣稱勝利。台灣片名譯作《狂人法則》可說是畫龍點睛。

今天只想從電影中的一首耳熟能詳的歌曲「Always on my mind 」談起。

這首1972年傳世的歌曲，其實是首懺情歌，

Maybe I didn’t love you

Quite as often as I could have或許我沒能好好盡心愛妳

Maybe I didn’t treat you

Quite as good as I should have 或許我沒能好好盡力疼妳

If I made you feel, oh, second best (you did, you did)如果讓妳覺得可有可無

Girl, I’m sorry I was blind

女孩，我真是瞎了眼

You were always on my mind妳一直在我心中

You were always on my mind 妳一直在我心中

Maybe I didn’t hold you

All those lonely, lonely times

在那些寂寞時刻，也許我沒好好抱你

And I guess I never told you

I’m so happy that you’re mine

我好像從未告訴過妳，我很高興妳是我的

Little things I should have said and done

I just never took the time

我竟然從未挪出時間，完成這些該說和做的小事

You were always on my mind妳一直在我心中

You were always on my mind 妳一直在我心中

這首歌出現在川普大廈Trump Tower 落成典禮上，川普夫婦風光亮麗出現眾人面前，談笑風生，神氣活現，在攝影機面前有如金童玉女。

但也就在這個場合，我們看見了他的絕情與寡情。首先是很少求他的恩師，請他替密友安排飯店住宿，因為鄉下太冷了，他的回答是給他一條毯子。是的，他對弱者，總是不假辭色。

接著，他把Roy 拉到一旁，指著遠方有如選美皇后的妻子，批評她老是對他指東道西，干預太多。還坦承對她已經沒感覺了，雖然她接受建議去隆乳，評價卻從amazing 變成好假。愛恨如此鮮明，絕非善變一詞可以概括。

這個時候聽著導演播放「Always On My Mind」的歌，導演想說的話，早就悄悄鑽進觀眾耳朵了。當然，前提是你熟悉這首1970年代的名曲。