分類: 日本影視

2005年十月三十日晚上,東京影展頒獎典禮上,黑澤明導演的長女黑澤和子把「黑澤明獎」頒給了侯孝賢導演。

從美聯社傳回來的照片顯示,侯導穿上了大禮服受獎,那是1989年他以悲情城市在威尼斯影展得到大獎,1993 年以戲夢人生獲得坎城影展評審獎時,我第四次看到他穿上了大禮服（另外的一次，與獎無關，以後再說了）。

三十日白天看電視新聞,第十八屆東京影展影展主席角川歷彥、評審委員長品田雄吉在記者會上宣佈黑澤明獎得主時,侯導還是一身便服,衣襟都沒塞進褲子裡就上台面對各國記者了,那是他平常最舒服自在的模樣; 記者會上可以輕鬆自在,正式場合上,侯導的盛裝顯示了他在國際場合上自有分寸。

日本影壇109年來( 歷史最悠久的松竹是在1896年開始拍片),出過無數的知名導演,從小津安二郎、溝口健二到伊丹十三、北野武和宮崎駿,沒有人比黑澤明更出名,更有國際影響力,1998 年他辭世時,「電影天皇」駕崩,成為日本影壇最貼切的形容詞。

黑澤明生前一直很支持東京影展,1985 年第一屆東京影展就以他的《亂》做為開幕片,從第二屆開始,主辦單位還特別特別舉辦「會見黑澤明」的記者會,讓各國媒體和影人都有機會和大師面對面,聽他講述創作心法,當你聽到一位八十多歲的巨人還以強健的聲音告訴你說: 「只要能夠,我還要繼續拍下去。」你真的很難不動容。

不管東京影展二十年來( 早期是二年一次)辦得成不成功,東京影展能以黑澤明命名,頒獎給傑出影人,就意謂著他們對電影藝術的重視,侯孝賢能以台灣導演的身分獲獎更是不容易,畢竟台灣電影奄奄一息,只靠少數大師在苦撐,但是侯孝賢的《咖啡時光》深獲小津安二郎的精髓,既拍出了東京風情,又呼應了當代父女的困境,觀察之敏銳,視野之廣闊,卻是日本人由衷嘆佩的。

更重要是,很多人年過半百之後,腦袋即成已漿糊,卻還自以為是,創作腳步不住蹣跚,但是侯孝賢在2005年的《最好的時光》中以「戀愛夢」記錄往事,以「自由夢」開創新形式,以「青春夢」探索未來的創作能量,卻是讓多數人震驚莫名的,侯孝賢在東京記者會上說他「每拍一部電影就都自認為是一個新階段的開始」,其實不是謙虛,從他的電影中我真的看到他源源不斷的創作力。

但是台灣的媒體真的重視侯孝賢的成就嗎？你只要去比較四大報紙的版面處理,只要你看到中天新聞台敢打上「獨家」字樣,你就知道台灣人是真的太不珍惜自家的國寶了。十月三十日的國際外電上,台灣是以禽流感的雞鴨飛禽畫面躍上外電的,但是侯孝賢今年十月就已經在釡山和東京影展上讓台灣的名字一再成為國際報導的重點。

雖然,我時常覺得新聞局長姚文智的行政作風太粗糙,但是侯孝賢一得獎,姚文智就立刻拍發了賀電,至少還算是在做事,也做了該做的事。

2004 年,國家文藝獎增設電影獎時,眾望所歸的得主就是侯孝賢,但是國藝會卻在評選階段時要求藝術家先填寫同意書,表明同意參選的意見。當年我是評審之一,奉大家決議出面與侯導溝通,侯導想都沒想,立刻就回絕了,那種淡泊名利的心胸,讓我深受感動,後來,杜篤之出線,侯孝賢還立刻同意出任頒獎人,會場上,他還得意地拍拍我的肩說: 「這樣的結果,多好! 」

2005年,國藝會更改了規定,侯孝賢理所當然成了國家文藝獎得主。他不主動求獎,獎卻一一上門,今年從天而降的加菜金至少就有四百萬了,站在旁觀者的立場上來看,實在是只能以: 「哇! 」來形容了。

我很喜歡在讀完台灣的媒體報導上比較中外記者的選材重點,侯孝賢在東京影展的宣佈記者會上,曾經說他年輕時對《用心棒》和《七武士》印像最深,老朋友陳世昌還算是最敬業的記者,忠實記下了侯導追思黑澤明生前和他相會時提到的拍片秘辛: 「黑澤明曾用砍豬肉的聲音來表現武士刀殺人的聲音,還為了要出現萬馬奔騰的飛沙模樣,特別把馬路重新鋪過。」

但是外電卻另外有一則故事,黑澤明在《用心棒》中曾有飛刀射下落葉的畫面,侯導一定是口沫橫飛地對著外國記者說: 「那個鏡頭其實是先用刀子把葉子釘在地面上,再抽拔出來的。」電影是魔法,只要底片翻轉回來,葉上拔刀的畫面就會成為飛刀射落葉,侯孝賢講的這則大導演的小故事,對年輕的電影愛好者應該也有相當的啟發吧!

至於三十日負責頒獎的黑澤和子是黑澤明的長女,高中沒念好,被強迫退學,轉去念服裝設計專門學校,1990 年就開始跟著老爸黑澤明在夢片中擔任服裝設計,後來的《八月狂想曲》、《至聖鮮師》、《黑之雨》、《盲劍俠》到《黃昏清兵衛》的戲服都出自她的手筆,家族的電影薪傳沒有間斷,也是有趣的電影軼事了。

看過太多軟弱無骨的日本電影後，《再見了，可魯》導演崔洋一（Yoichi Sai）的新作《血與骨》，堪稱是視覺上和心理上都最最兇暴的日本電影了。

去年底，每年很少介紹兩部以上日本電影的時代周刊亞洲版，將《血與骨》標識為2004年最好看的日本片，我便充滿了期待，等了一年，台北終於演了這部電影，144分鐘的電影沒有片刻的喘息，只有長長的歎息！

崔洋一是細膩的創作者，《再見了，可魯》瑣碎到了家，《血與骨》則是細緻到了繡花般的緊繃不透風的密實階段了。關鍵之一在於同樣有韓國人血統的崔洋一徹底消化了韓裔日本作家梁石日的原著，照日本人的講法，血是繼承自母親，骨則傳承自父親，血骨交融終成家族，《血與骨》說的是韓裔日本人的悲情血淚史，偏偏男主角金俊平卻是花果飄零的無根血骨；關鍵之二在於他找到了北野武擔綱演出韓裔移民金俊平。

《血與骨》的開場一如經典的史詩移民電影，你不會忘記《教父》中，義大利移民看到自由女神像的歡呼場景；同樣地，《海上鋼琴師》也以歡呼聲取代海上歲月茫茫無所適的身心煎熬，《血與骨》的開場是臉龐清秀，兩道劍眉的金俊平以充滿希望的眼神望著煙囱直立的大阪市。

《教父》紐約不是淘金窟，而是地頭蛇勾結警方的淵藪，勞勃．狄尼洛飾演的柯里昂只能自組幫派；然而，日本不比美國，觀眾不知道金俊平到底發生了什麼事，再見到金俊平時，已經是穿著一身白西裝的北野武走進鈴木京香飾演的韓國女人家中，強索泡菜，以及只准聽命，不能抗辯，當著小女兒面前就要強暴的肉體侵犯。這是全片的第一場暴力畫面，而後的一百卅分鐘內，看得見的，以及看不見的暴力就貫穿全片。

韓國移民備受日本人岐視的生存無奈，是隱藏在電影膠卷底下的時代背景。觀眾沒看到原本蒼白清秀的金俊平何以會變成後來那麼兇暴的金俊平，他到底受了多大的委屈，才會導致性格變得如此扭曲？才會如此唯利是圖？才會如此暴虐骨肉至親？移民在異鄉掙扎求生的忍辱負重，崔洋一偏愛曲筆描寫，包括小弟被徵召入伍時，只能草草成親，只能高呼愛國口號，不得質疑，不得抗辯，韓國人只能在小房間裡喧譁，只能在學校操場上逞強，形勢比人強的國家暴力，悄悄籠罩在這群男人的頭上。

戰爭前夕，金俊平突然失蹤了，電影沒有交代他去了那裡，沒有介紹他在失蹤期間受過多少折磨；戰後，他卻又悄然返家，先是拳打腳踢立威，繼而破家毀屋，蓋起了魚板工廠，以剝削勞工和錙銖必較的經營策略自立門戶。野獸成了他的血性，暴力成為他的日常語言，對家人如此，對工作夥伴亦是如此；對情婦如此，對高利貸的借貸人亦如此，暴力源自於他對生活的欠缺安全感，然而也只有橫衝直撞的暴力才能夠建立了他一心嚮往的君父世界。

日本影評人把北野武在《血與骨》中的金俊明角色與今村昌平電影《我要復仇(Vengeance Is Mine)》中的連續殺人犯緒形拳，並列為影史上最殘忍兇暴的角色，然而緒形拳是智慧型的冷酷與暴虐，北野武則是以粗暴為信仰核心的執行者。崔洋一不只是只突出北野武的武夫行徑，電影中最恐怖，也最噁心的具像就是北野武在殺豬後，把肉片丟進鐵皮筒，養出一筒長蛆的生豬肉，再大口生吃，兒子噁心到翻胃大吐，他還大罵兒子被婆娘養壞了，他的野獸血性在長蛆生豬肉的映照下，有了最精準的現世對照；繼而再以木炭抹臉的兇狠和在雨水中痛毆私生子小田切讓的連續動作，顯現他下手無情的絕對狠準，不論是一招，或是三分鐘的肢體糾纏，崔洋一實踐的暴力美學，其實正是北野武從《奏鳴曲》和《花火》中就一再標榜的「電影的暴力張力就要在那能讓一切於瞬間驚醒的激爆點」。

不過，崔洋一還有第三個層次，他讓野獸也能懂得愛情，只是依舊要依照他的方式去愛。

電影中，北野武真正的愛情在於逆來順受，始終歌頌他的神武英勇的情婦清子（中村優子飾），但是他的性愛真的是「教君『恣意』憐」，一旦不能生孩子就更餵生豬肉的魯莽橫蠻，依舊是他一貫的暴力之愛，他替重病的清子洗澡時那隻粗手就在她身上磨磳的粗魯，卻也竟然有了讓人不忍的癡情，甚至於濱田麻里飾的小老婆定子偷穿起清子的衣服，就被他一巴掌打倒在地的神情，你很難在「鐵漢柔情」之外，找到更適切的形容詞，雖然，他的柔情還是多數人不願碰觸的狂風暴雨。反而是他大鬧愛女喪禮，以及在元配妻子的火化場外，以買醬酒做藉口，轉身就走，不讓人看穿他的軟弱，都是極其精準的設計。

古往今來的電影中，粗暴大男人沒有一個是有好下場的，但是中風後的北野武卻更像野獸了，遭逢妻離子散的重創，他依舊拄著枴杖去討債，依舊可以架著幼子到北韓度過晚年，時代決定了他的生活，但是他的意志決定了自己的命運。

崔洋一不必高喊著韓國人悲情的口號，卻已經足夠讓這麼一位一輩子只信仰暴力圖騰的角色，反映出時代、種族和血統的悲情印痕，剩下的應該就讓飽受兩個多小時威嚇的觀眾去翻閱典籍，追尋韓裔日本人的血淚歷史了。看過太多軟弱無骨的日本電影後，《再見了，可魯》導演崔洋一（Yoichi Sai）的新作《血與骨》，堪稱是視覺上和心理上都最最兇暴的日本電影了。

看完村上正典執導的《電車男》，你一定會油生花花世界真美麗的甜美感覺，不一定真的能像電車男那樣大膽追求「某大姐」，但是至少，熱情享受物質世界的美好人生，應該是大家偷偷都會去嘗試的事。

電影有超強的感染力，跟著電影偶像一起行動一起呼吸一起熱愛，幾乎是年輕影迷都曾有過的衝動，「赫本頭」能夠風靡一時；「速可達」機車能夠風馳電掣，都是
拜電影的感染力。就像「星巴克咖啡」在《電子情書》的精心打造下，立刻成為雅痞身份特愛的休閒飲料；就像「諾基亞手機」在《駭客任務》和《天下無賊》的特
寫鏡頭誘惑下，剎那之間就成為時髦男女的身份標記了。

打著名牌賣名牌，應該是一般電影玩起置入性行銷不可缺少的手段，而且，名牌本身一定要有魅力　要罕見，才夠力，就像《尋找心方向》中狂推的「黑皮諾（Pino Noir）」葡萄酒一樣，才會讓人垂涎三尺，心嚮往之。

《電車男》裡玩的是兩款名牌遊戲，首先是中谷美紀飾演的「愛瑪仕小姐」送給電車男山田孝之的那套愛瑪仕茶杯組，我雖然對世界名牌的知識幾近白癡（例如看到
《幸福合作社》中，花花公子用凱莉包來誘惑女友時，就以為不過就是一個包包吧，完全不明白它的身價有多昂貴，可以讓多少女性癡狂；就像我也完全無法辨認
《捍衛戰士》中的湯姆．克魯斯戴的是雷朋墨鏡，只能傻傻地豔羨著美國空官的帥氣，電影內藏的趣味因而就錯失了許多），但是面對著電影中所有網友的熱情喳
呼，大概也猜得出愛瑪士是著名的時裝品牌，至於那套茶具組是不是有錢買不到？而是買了時裝才附贈的拌手禮，其實已經不太重要了。

接下來則是英國皇室御用紅茶「貝諾亞(Benoist)」。對於只知道伯爵紅茶和錫蘭紅茶的我而言，
「貝諾亞」紅茶真的是遙遠的神話，但是看到網友專程從福崗到東京銀座去買貝諾亞紅茶，還會碰到原本只會泡網咖的毒男三人組，電影角色的瘋狂與瞎起鬨，早就
讓我的口水滴滿地，不用再打任何廣告，有機會能夠點選貝諾亞紅茶，我知道我是絕對不會錯過的。

當然，電影也可以行銷一個城市，《金剛》與帝國大廈的浪漫連結，已經有七十多年歷史了；就像你只要看到「自由女神」像，立刻就會連想起《教父》和《海上鋼
琴師》那種義大利移民的夢幻歡呼；就像你只要看到《重慶森林》就會追逐蘭桂坊和尖沙咀一樣；就像我看完《午夜之後狂戀》和《情定日落橋》後，心中暗自立下
的誓願就是隔日一定要走訪義大利都靈的電影博物館，以及威尼斯的歎息橋。

電影最簡單的功能就是讓平凡的日子多添一點顏色，多一點夢想。雖然坐了那麼久的公車和捷運，從來不曾像電車男那樣有過救美豔遇，但是看完《電車男》，你就
是會被山田孝之的傻勁與福氣給感動，你就是會希望有一天，就像只是在部落格上訴說一個夢想時，就會有一群善心男女嘰嘰咕咕地來獻策加油，共同夢想，共同歎
息。

平凡的人生，需要夢想；不平凡的電影，就負責供養這個夢想。

1996年初春，我到中影公司上班，接下三項重要任務，首先是要替已經拍好的電影《今天不回家》、《寂寞芳心俱樂部》、《春花夢露》和《飛天》等片做好上映宣傳，另外則是籌拍《河流》和《美麗在唱歌》，第三項工程則是要替中影買下的外片《酷狗寶貝1──超級無敵掌門狗》做宣傳，順便到高雄開闢第一家的藝術電影院。

1996年，國片已經進入嚴重衰退期，所有的宣傳努力都很難吸引觀眾上門看台灣電影，即使挖空心思替《寂寞芳心俱樂部》的女主角白冰冰設計了台灣第一次的明星手印活動，也不能讓更多的人看見易智言初試啼聲的細工作品；也因為在替《今天不回家》宣傳時，太過強調老人的情欲問題，又陷在姚蘇蓉經典老歌的情境中，使得張艾嘉執導的這部好看作品，也不能得到應有的掌聲，一切的一切，總是遺憾。

我在中影只待了半年時間，自覺一事無成，意外的收獲倒是認識了我以前非常陌生的英國動畫才子尼克．帕克。

1996年，台灣人對於曾經得到過三座奧斯卡金像獎的英國動畫藝術家尼克．帕克，其實相當陌生，2006年，他的動畫長片《酷狗寶貝之魔兔詛咒（Wallace & Gromit: The Curse of the Were-Rabbit）》打敗了宮崎駿的《霍爾的移動城堡》，得到奧斯卡動畫長片獎時，台灣人對他還是很陌生，除了電影科系的學生一定看過他的作品外，連媒體都很少介紹他。

其實，尼克．帕克和奧斯卡很有緣，他一手監製的《超級無敵掌門狗》三段卡通，全部都獲得過奧斯卡最佳外語片提名，除了《月球野餐記》輸給他自己的另一部作品《百獸物語》外，其他兩部《引鵝入室》和《剃刀邊緣》都是響噹噹的得獎之作。

說他是動畫神童，其實並不誇張。早在十三歲的時候，他就已經埋首在自家的閣樓上創作動畫，十七歲那一年，英國BBC電視台就已經播出了他的動畫短片《水泥夢魘》。二十七歲時，他加盟了阿曼動畫，在一群著迷於泥塑動畫的好友協助下，拍出了《月球野餐記》，不但造就了「酷狗」Gromit，也帶動了不可計數的卡通產品商機。

成名，並沒有使尼克改變創作之路，他沒有投靠一本萬利的卡通加工服務，他堅持以不同的卡通造形和英國式幽默身段來創作卡通，最讓他開心的一件事是，名導演史匹柏說過：「『阿曼動畫』終究會在世界動畫史上占有一席之地，因為他們是在創作卡通，會說故事，常常有好點子，不是替其他人的創意做加工服務。」這句話，其實也說明了台灣卡通加工業非常發達，但是在世界卡通界始終沒有發言權的關鍵所在。

長久以來，迪士尼卡通主宰著全球動畫迷的美學及胃口，然後也一直有許多有心人試圖想要帶動卡通電影的新風貌，提姆．波頓1993年的一部《耶誕夜驚魂》，就試圖透過「stop motion」的拍攝技巧，把傀儡和黑色恐怖的奇特美學結合一氣，拍成新風貌的卡通長片，成績真的不俗，但是後繼乏人，他在2006再推出風格相近的《地獄新娘》，就給人新意無多的惆悵，可見動畫電影的革命大業有多艱難。

除了提姆．波頓外，夢工廠的動畫王國從《埃及王子》到《史瑞克》也都有銳意革新，再加上迪士尼全力發展三Ｄ電腦動畫，動畫世界很快就進入百花齊放的新世界。英國的電影動畫家則是早在1980年代中葉就組織了一家《阿曼》動畫工作室，另行開發黏土卡通路線，從1990年開始就陸續以《生物物語》、《引鵝入室》和《剃刀邊緣》三部黏土動畫短片，摘下了奧斯卡最佳動畫短片獎。

1996年奧斯卡頒獎典禮上，成龍首度應邀出任頒獎人，他的搭檔是ＮＢＡ巨星「天鉤」賈霸，兩人合作了一齣《天龍地虎》頒獎秀，當時，成龍頒的就是最佳動畫短片獎，得獎作品正是尼克．帕克執導的《剃刀邊緣》。 2000年，在夢工廠的支持下，阿曼動畫室由尼克．帕克拍出了他們的第一部劇情長片《落跑雞（Chicken Run）》，擬人化的劇情和喧鬧的動物農莊夢魘，讓人真心佩服編導的創意。

不同的工具，可以創造出不同風貌的作品，蠟筆畫、水彩畫和油畫就是工具改變作品風貌的最佳說明。

1995年金馬獎國際影展就曾推介過一部來自東歐的大型木偶卡通《浮士德》，創造出與英國傳統的《神機雷鳥號》等人型木偶卡通大異其趣。阿曼動畫工作室的黏土卡通，則更是另外一種趣味了。

黏土卡通的特色在於突破平面限制，不靠三D動畫技巧也可以營造帶動立體感，同時透過黏土的高度可塑性，豐富角色人物的七情六欲，反映戲劇情節所需要的誇張效果，當然，黏土本身也有動作不像「真實」生物的創作局限，使得黏土動畫更需要創作的巧思，來妝點豐潤情節與人物的相互關連，讓觀眾在獨特的黏土美學世界中領會更多新奇趣味。

例如《酷狗寶貝》的主角「酷狗」Gromit就是靠著耳朵揚垂幅度的變化、眼睛珠子的轉動和嘴型的開闔，來表達它的各種情緒。黏土實景的造型，使得角色本身就具備了三Ｄ的視覺力量，更重要的是只要分鏡夠細，手工夠靈活，每個人物（或動物）的身心情緒反應，都可以清楚傳達，順著劇情走下去，「酷狗」Gromit就像一隻有思想的「動物」，可以讓觀眾與它一起分享它的喜怒哀樂。

同樣地，酷狗的主人翁華萊士，就因為他是黏土人物，所以他的嘴部可以極盡誇張能事，但是他的針織毛線背心或襯衫也就因為是黏土產物，得以顯現曲線玲瓏，凹凸有致的生命質感；至於他的摩托車或頭盔等日用器物，也都在黏土世界中讓我們看到明明是動畫，卻自有一套生命力量的美感，如果再能配上複雜多變的劇情，成績自然更上層樓，2006年得獎的《酷狗寶貝之魔兔詛咒》，就同時展現了尼克帕克的工藝技法和戲劇才情。

只可惜，台灣人對於黏土動畫的接受程度不高，對於關鍵情節脫胎自《科學怪人》的《酷狗寶貝之魔兔詛咒》，也不能看到編導駕馭泥塑卡通，開啟新鮮視野的拓荒精神，使得《酷》片黯然下片。

名家配名琴，一如才子配佳人，彼此才相得益彰，《送行者－禮儀師的樂章》中的本木雅弘是樂團裡的大提琴手，為了表現傑出，他不惜背下巨債貸款，添購名琴。

 

但是琴雖好，樂團的人氣卻沒起色，樂音才歇，老闆向大家一鞠躬，說聲抱歉，就宣布解散樂團了。就像將軍少了軍隊，公務員少了官署，本木雅弘無法接受這個事實，但是他沒有逃避事實，琴再名貴，他卻也只是位平凡的演奏家，無法拔萃，只能隨波逐流，更別說靠拉琴維生了，於是他把琴賣了，回老家另謀出路。

 

在家鄉等他的是當年習琴的一把四分之三小琴，琴小音色差，卻有著童年的記憶與溫度，所有的悲歡記憶都隨著小琴琴盒的開展，再度在他心田復甦。後來，做起納棺師，他還是會繼續拉大提琴，不拉名曲，只拉小時候曾經記憶的一些曲子，唯一的差別在於以前的拉琴場所不是在室內，就在舞台上，電影中的本木雅弘後來卻是以自然山河做背景，人琴與自然合一，讓人無限嚮往。

 

職業樂師的夢想不是人人得圓，對音樂的喜歡卻是隨時隨地都可以擁抱的，不再靠音樂維生或揚名，人琴合一的感覺其實更美好，音樂從來不會讓人傷心，而是人的欲望讓音樂變質了，後來再無所求地拉琴在在都是美好，其實也是《送行者》全片腳踏實地的一種生命態度。

 

音樂家久石讓替《送行者》打造的主題樂章，低沈又委婉地拉奏出人生的悠緩本質，在生死黯然的挫敗關頭，很能熨服人心，但是偶而你卻會聽見英國名曲「Danny Boy」的幾小節音符，在轉彎處跳出來與你的耳朵打招呼。

 

是的，我們曾經在日本電影《明日的記憶》的配樂聲中聽見了《念故鄉》的變奏（作曲家是大島滿），他曾經說過自己追求與傳達的是重建「記憶中所留下的音樂」。

 

是的，我們也曾經在日本電影《崖上的波妞》的配樂聲中聽見了聖賞「動物狂歡節的水族宮」以及舒伯特「聖母頌」的變奏（作曲家同樣是久石讓），我還來不及查訪久石讓自述的創作解釋，但是我相信他一再地在片中再現古典名曲的音樂片段，是刻意重新包裝古典的美麗，讓五到十二歲的《波妞》小影迷也能夠觸及古典音樂的精華，把種籽種在小朋友心田深處，期待有一天從「似曾相識」的歎息中展開美麗的追尋。

 

但是《送行者》的「Danny Boy」呢？是天涯赤子心？還是我們必需回到歌詞的世界中找尋創作的脈絡呢？

And if you come, when all the flowers are dying 你在花季已過才來
And I am dead, as dead I well may be         我亦已長眠

You’ll come and find the place where I am lying 但你會來找到我的棲眠之地
And kneel and say an “Ave” there for me.      跪著對我說聲好
And I shall hear, tho’ soft you tread above me   即使只是輕輕呢喃，我亦會聽見
And all my dreams will warm and sweeter be   所有的夢都會變得更溫暖和甜美
If you’ll not fail to tell me that you love me     只要你不曾忘了說你愛我
I’ll simply sleep in peace until you come to me.  我會靜靜睡著，等你現身
I’ll simply sleep in peace until you come to me. 我會靜靜睡著，等你現身

死者對生者的期盼，癡情人的等待與祝福，都是人生最美麗的章節，《送行者》談論的是生與死的萬千柔情，我似乎也在「Danny Boy」的小節音符中聽見了久石讓的午夜唱吟。