聽說原著很迷人，我沒讀過原著，直接從電影切入感受眾人喜愛的魅力何在？
八鍬新之介擔任導演及編劇的《窗邊的小荳荳》有三場動人的戲：
首先是耐心。
原本被視為頭痛學生的荳荳有意轉學到巴氏學園，第一關是小林校長接不接受？
小林校長請走媽媽，留下荳荳，聽她暢所欲言，時間一分一秒過，荳荳一句接一句，小林校長始終含笑聆聽 。
不管是說到累了，或者說完了過去沒人想聽的話，與校長平起平坐的荳荳開心入學了。
順著苗勢，讓幼苗自由伸展，沒有揠苗，沒有禁聲，黑柳徹子難忘的童年回憶成就了她這一生。
其次是午餐的山珍海味。
好好吃飯，快樂吃飯，順便認識食材，分享各家巧思，午餐時間成為另一堂生活課程，例如魚鬆是山珍或海味？不就是就地取材的機會教育。
最迷人的是小林校長還會彈著鋼琴帶動唱，多有營養的快樂時光？
第三則是荳荳陪著罹患小兒麻痺症的同學上游泳課。
細步慢行是同理心，無拘無束的自由奔放則是人與自然融為一體的美麗書寫，此時畫面風格轉為粉彩水墨的素雅畫風，看著看著，誰不想下水做魚兒？
乍看之下，《窗邊的小荳荳》是在追憶good old days，其實是在告訴我們，good days就在我們身邊。
很少人記得替你們家送信的郵差姓名，因為梵谷，Joseph Roulin這位郵差成了畫史上的響亮名字，梵谷至少替他畫過七幅畫，從他的身上切入，挖出梵谷生前最後時光的點點滴滴，不也是認識畫家的高妙切入角度嗎？
梵谷之死，是自殺？還是他殺？
傳統認知是自殺。維基百科的說法是：一八九○年七月廿七日，備受憂鬱困惱的梵谷用手槍對著左胸開了一槍，兩天後因傷重去世。
荷蘭梵谷博物館的官網則說：梵谷每天準時外出作畫，都準時回到旅館，那天卻遲遲未歸。直到晚上九點，才看到他帶傷返家，左側腹部血跡斑斑，問他發生了什麼事，梵谷說：「我想自殺。」
「不可能，想持槍自殺的人，要嘛頂著太陽穴，不然就對著自己的嘴，真要朝左側腋窩線的腹部開槍，身體要彎成什麼模樣才能扣發扳機？」曾經查驗過梵谷傷勢的Mazery醫生信誓旦旦指出：「若是近距離開槍，傷口必有黑色火藥痕跡，很髒，梵谷的傷口則是紅紫一片，而且子彈會穿越身體，不會留在體內。」當初，梵谷摯友嘉舍醫生不就是擔心梵谷體力不支，才拒絕替他取出體內的子彈。
以上論述來自Dorota Kobiela與 Hugh Welchman聯合執導的《梵谷：星空之謎（Loving Vincent）》，他們試圖替梵谷翻案，聲稱梵谷之死必是他殺的驚人推論。
理由之一，從傷口檢視，自殺之說難以服眾；理由之二，梵谷過世前六週才寫信告知家人，他心神狀態極佳，何以匆匆就厭世棄世；理由之三，梵谷面對友人追問的回答其實是：「我自己開的槍。不要怪其他人。」不要怪別人，意指開槍的另有其人。電影因此大膽假設梵谷是他殺，非自殺，懷疑是一位曾經不時丟石子攻擊梵谷的少年。
翻案，要有膽識，也要有人證物證。《梵谷：星空之謎》膽識過人之處在於故事核心就是要找出梵谷的真正死因。編劇把解謎工作交給梵谷晚年往來密切的郵差約瑟．魯林之子阿曼，他在梵谷死後一年奉父命要把梵谷生前最後一封信送給梵凡的弟弟西奧，偏偏西奧半年前已過世，這趟送信之旅成了尋人之旅，讓他得能遍訪梵谷最後時光見過的每一個人，從吉光片羽的訪談中完成梵谷生命拼圖。
電影雄辯滔滔，煞有介事，然而真相就像《誰殺了甘迺迪》一樣，始終混沌，連梵谷的受傷部位都有不同說法，只能證明傳說有謬誤盲點，卻不能直指究竟誰是兇手。因此追真相只是手段，透過這類虛實參半的「調查報告」，目的只是從梵谷的死因切入，再次燃起世人想要了解梵谷、擁抱梵谷的激情。
歷來的梵谷電影不計其數，《梵谷：星空之謎》若無新觀點，就難以吸睛。本片的探尋和回憶旅程，讓梵谷最後時光麥田、黑鴉、星空、醫生、郵差、少女和船夫都因而重生，全片由一百廿五位畫師全數模仿梵谷畫風，手繪出六萬五千張畫片，更讓觀眾有如從頭到尾浸泡在濃度百分百的梵谷繪畫世界之中，言談盡梵谷，觸目亦盡是梵谷，風景與畫作的對話互動，成就了一堂有趣的美術課。
導演也不忘故佈疑陣，例如，嘉舍醫生與梵谷既像伯樂與千里馬，似乎也暗自較勁，嘉舍的女兒瑪格麗特終身未嫁，房間裡一直掛著梵谷為她所畫的彈琴肖像，但嘉舍卻限制女兒與梵谷交往，怕她壞了大師靈感，這是父親的愛或妒？例如嘉舍不但收藏多幀梵谷畫作，而且致力模仿梵谷畫風，以致他往生後，鑑賞家花了好大工夫才能釐清哪些才是仿作……這類若有所指，卻又點到為止的線索不也吊足觀眾胃口，讓人遐想連連，更想從梵谷的畫作探尋他的心路幽微？
《羅丹：上帝之手（Rodin）》也有類似功力，藝術家傳記電影往往得照顧到「人」與「作品」兩個層次，人生愛恨糾葛，不能不提，但要畫龍點睛，讓人聞舊如新，羅丹與卡蜜兒的師生戀就是典型範例。電影中，熱戀時的羅丹直接向卡蜜兒借用她的作品，她也欣然應允；卡蜜兒成名後，羅丹只能選擇退展，以免卡蜜兒受到打壓。羅丹的「借」與「讓」都直接控訴了男女不平等的藝界實況。
不過，觀眾可能更好奇的是明豔聰慧的卡蜜兒沒能讓羅丹安心，反而是粗壯如牛，凡事不多囉嗦的露絲，才讓羅丹充份信靠，臨終前正式結婚。至於羅丹要替拒絕靜坐乖乖當他模特兒的文學大師雨果塑像時，只能在書房與工作室兩頭奔跑，靠記憶捏土；或者是透過孕婦摹寫巴爾札克的大腹便便模樣，甚至為了要不要露出巴爾札克的陰囊蛋蛋？幾乎翻臉……這類創作上的「內幕揭秘」，同樣讓人眼界大開。
梵谷生前未能賣出一幅畫（正確的說法是，唯一的一幅還是弟弟託人買的），死後一百廿七年，世人透過《梵谷：星空之謎》重新審視他的畫，唱著他的歌，想著他的孤單與瘋狂；羅丹作品全球可見，透過《羅丹：上帝之手》則讓人聚焦雕刻之神的人性與魔性，在在都說明了歐洲人懂得從經典取材，使其活化重生，值得參考。
認罪，輕重很難拿捏；悔罪，比較容易著墨。每年八月，日本人都會追思原爆傷痛，遇見這些反戰電影，都能帶你回味那頁歷史。
距離，可以把戰爭與歷史的容貌，看得更加清楚。曲筆描述，絕對勝過大聲疾呼的批判。
日本導演山田洋次執導的《我的長崎母親》中，每年八月九日，吉永小百合飾演的母親總是帶著沒進門的媳婦黑木華，站在山坡的墓地上，遙望著遭到原子彈襲擊過後的長崎，思念著當時正在課堂聽講，剎那間，被一陣強光就奪走肉身與魂魄的兒子。
日本導演片渆須直執導的《謝謝你，在世界的角落找到我》中，從廣島嫁到吳市軍港的少婦浦野鈴，曾在山坡梯田上看著軍容壯盛的帝國艦隊入港，亦曾抬頭看見滿空都是美國軍機，再感受到八月六日從廣島傳來的強光，幾天後，附近的樹上還掛著從廣島吹來的破木窗板……日本軍方送回浦野鈴哥哥的骨灰罐裡，沒有骨灰，只有一顆石頭。
走進戰爭，就再也回不了家的男人，重量比石頭還輕微卑賤；人間餘苦，則由女人來承擔。導演不強調女人的淚水，重點在她們微彎卻不妥協的軀體。《謝》片的不凡與不俗，是從原著漫畫家河野史代的畫稿中，就直接書寫了女人的韌度與勇氣。
浦野鈴是個愛作白日夢的單純女孩，擅長紙筆做畫，拿起樹枝也可以在沙地或雪地上畫出忘憂圖像；在她的夢幻眼神中，防空砲火竟然有如滿空煙花。在那個物資短缺的年代裡，她可以用蒲公英、麻根搭配酢漿草、酸梅和白蘿蔔，烹調成野菜粥，甚至模仿昔日武將楠木正把炒米加水，使之膨脹的「楠公飯」，用最克難的方式填飽饑腸…
然而戰爭留給她的，卻是炸彈炸裂後的右手截肢：那隻她用來作畫，以及作飯的手。
那天，重殘的浦野鈴與家人一起聆聽「玉音放送」，她無法接受天皇的敗戰廣播，「不是要戰到最後一人嗎？現在這裡還有五個人，而且有手有腳。」那天，我們第一次看到浦野鈴悲憤捶地痛哭，那是軍國主義洗腦後的心靈寫真。
然而，《謝》片另有感觸。浦野鈴的結論包括：「日本一直在用暴力要其他國家屈服，結果被另一個國家用暴力制伏…真希望我能在發現真相前就死去。」那是從強國迷思中醒悟驚覺的心靈寫真。
確實，《謝》片沒有譴責發動戰爭的愚蠢男人，亦沒有追究戰犯刑責，《謝》片中那群死守家園的女人，除非戰火臨身，也未必懂得日本的侵略戰爭，毀掉了多少家園與美夢。《謝》片讓觀眾看見的是一位原本天真樂觀又熱情的女孩，從無所不能變成百無一用的節肢女人，透過她的蛻變與傷痛來書寫戰爭禍害，透過那種帶有粉彩又素樸線條的畫風，紀念曾經有過的幸福時光。意在言外的柔情筆觸，委婉凸顯了戰爭的暴虐。
曲筆，或許不能贖罪，卻可能訴說著懺悔與覺醒。《長崎母親》中，沒進門的媳婦黑木華，守著屍骨無存的情人牌位，最後把她的愛與思念，轉嫁給戰爭生還的傷殘男子。
同樣是山田洋次執導的《東京小屋的回憶》，則是觸碰了敏感的南京戰役。先是男人得意洋洋高唱軍歌，高呼三月滅華，然後五個月過去了，報紙上報導著南京圍城與大捷的佳音，無一字提及屠殺，那當然是出征國的戰爭註解（包裝），不知情的女人只能在旁傻笑，直到戰事吃緊，情人都要上戰場的生離死別時刻，直到那幢紅瓦洋房也難逃空襲之際，才見證了戰爭無情。
無一字批判戰爭，但反戰情思直穿膠捲，七十二年前的今天，原爆的蕈狀雲在廣島上空蔓延，《謝謝你，在世界的角落找到我》透過女人心緒見證那個戰爭年代，曲筆功力，讓人低迴。
Size does matter通常意味著趣味；Size doesn’t matter，通常意味著決心與毅力，還有好戲。《動物方城市（Zootopia）》卻能兼而有之，精彩！
精彩電影往往是從第一個畫面開始就緊緊捉住觀眾的心，《動物方城市（Zootopia）》深諳其中之妙，關鍵在於錯覺，奧妙在於那是核心。
錯覺來自於破題。你會先聽見有人侃侃而談，動物生活的關係簡單來講就是獵食者與獵物之間的關係，有人追，有人躲，追殺的是求生存，閃躲的何嘗不是？偏偏就在於你以為迪士尼怎麼開倒車，講起大道理之際，鏡頭拉了開來，那是一場小學遊藝會的表演，兔子茱蒂正在大顯才藝，當然，她也就此不經意說出自己的童年夢：我要做兔子警察。
明明是開宗明義的大道理，如此輕易就轉換進一場戲，偏偏這場戲並非博君一粲的開場白，隨後的電影情節真的就是茱蒂當上了警察，最棘手的問題就是她竟然撩動了獵食者與獵物之間的族群矛盾。看似假戲，實則千真萬確，虛實之間卻能轉換得如此自然，兼任編劇的《魔髮奇緣（Tangled）》導演Byron Howard，居功厥偉。
《動物方城市》的核心在於挑戰世人成見與偏見。兔子茱蒂為什麼不適合當警察？個頭太小、力氣太小，她是女的，以前從來沒有兔子警察……任何人隨便都可以舉出很多理由，甚至她的爸媽也主張還是乖乖種紅蘿蔔就好了，平平安安過一生。
但是她有警察夢，就努力去追夢，電影的趣味先是讓弱不禁風的她，吃盡苦頭，卻能靠聰明過關，第一名畢業，就在觀眾以為從此一帆風順時，她面對的偏見，就從世俗的成見轉進了職場的岐視，同樣那也是來自體型、體力和性別的岐視。就在水牛警長派她去跑交通，負責開罰單時，就連兔子茱蒂自己也無可避免地陷進了「職業偏見」的迷思之中：「交通警察怎麼算是警察？」但是從她的父母如釋重祔，到狐狸尼克都要嘲笑她只會開罰單時，連哄帶騙把她騙得團團轉，那還真是充滿挫敗感的菜鳥人生。
夢與現實的距離究竟多遠？要花多少血汗才能逐夢成功？《動物方城市》用最輕快的節奏與明亮的色彩說故事，然而說的故事卻是極其殘酷，也極其無情的人間真實。因為真，所以不俗；因為真，所以，重量厚甸。
《動物方城市》的英文片名叫做《Zootopia》，典故來自烏托邦Utopia是一個標榜「anyone can be anything」的理想國，此時，導演讓我們看見了許多幽默的生命趣味，Zootopia的火車有三個門，適合不同體型的動物上下；城市亦有類似大人國或者小人國的不同設計，所以一個大人國的甜圈圈，就可能是小人國的奪命摩天輪。致於賣飲料給長頸鹿喝的通天管，都夠讓人看得樂不可支。
不過，偏見主題從來不曾停歇。即使Zootopia已是動物的大熔爐，但是偏見無所不在，賣冰淇淋的店家就是有權選擇客戶，拒賣看不順眼的族群（適合套用美國的黑白矛盾，或者是有色人種的悲歌），甚至長官就一定會對屬下頣指氣使，長相兇惡的一定是壞蛋，溫馴的就有善心，不會騙，不會偷的那夠格叫狐狸？甚至當「獵食者」與「獵物」的天性被刑事案件給引爆出來時，大熔爐的族群神話瞬間幻滅……這些情節在在能讓想起當下社會的血淋淋真實：我們不是最會以貌取人？不是最會拿成見來替別人戴帽子？
幽默，則是《動物方城市》另一個犀利武器。
例如，這個城市最厲害的黑道是一隻老鼠，茱蒂兔子在他女兒婚禮那天找他求救，讓他無從拒絕的劇情，根本就是《教父》的翻版，甚至連鼠老大的講話腔調，都是Marlon Brando的複刻版。
例如，《動物方城市》養了一群公務員，大家都是樹懶，講話慢半拍，做事慢半拍，這種意在言外的政治嘲諷，還需要多做解釋嗎？
例如，人紅了，被媒體一包圍，頭就暈了，就會講出完全不合宜的話，只會暴露你的淺薄與無知，放眼當代人生，這種鬧劇，不是天天在上演著嗎？
主題看似嚴肅，調性卻極其輕快，信手拈來皆是趣味，最重要的是《動物方城市》播下的種子，能讓更多的孩子以更開闊的視野看人生，這才是功力。
同樣是龍族為害導致身體殘缺，為何有人心存憾恨？有人卻坦然接受？《馴龍高手2（How to train your dragon 2）》用對照法撩撥了想像，也從開示中撒下了愛的種子。
《馴龍高手》的第一集中，透過維京人的制龍寶典，委婉點明了「恐懼」與「憤怒」比鄰而居的人心現實，但也透過「小嗝嗝（Hiccup）」與「無牙（Toothless）」的相知相惜，凸顯了唯有接觸與了解，才能化解「非我族類，其心必異」的偏見鴻溝。
維京人經歷了《馴龍高手》的洗禮，人龍一家親，第二集用類似《哈利波特（Harry Potter》中魁地奇競賽（Quidditch）的模式，安人了賽龍大會，透過高速奔馳，再鬥趣鬥力的彎轉競賽，將動畫電影的「想像力」踩足油門，不論是無辜羊兒的糗趣模樣，或者更勝雲霄飛車的彎轉驚呼，都滿足了歡樂的想像。
但是，第二集更高明的設計卻是Hiccup把爭雄遊戲留給了同伴，他偕同Toothless展翅凌雲，有如《天地一沙鷗》中的那隻李文斯頓海鷗，追求著飛行與速度的極致。他沒有高喊口號，只默默去拓展個人與家國的邊界，留下了「不與俗人同」的印記，但也因此才明白了人外有人，天外有天。
《馴龍高手》第一集採用了二元對立邏輯，人龍有別，面對生存壓力的顧慮與反應，也就各不相同；但到了第二集，卻改成了細胞分裂的論述法：人有矛盾，龍亦有矛盾。過不了自家人這一關，外面的世界就更混亂了。
兼任導演與編劇的Dean DeBlois巧妙安排了兩位龍騎士，同樣愛龍，一位是全力保護，就怕受傷害的Valka；另一位Drago Bludvist則是驅策群龍變戰士，唯有進攻，才能存活。更妙的是兩位龍騎士，同樣都知道只要駕馭了ALPHA這種大龍，群龍就有首，就能無往不利，只不過，一旦龍騎士起了衝突，原本各領風騷的ALPHA就得奉主人之命，骨肉相殘，用實力活下去。
這兩位龍騎士，一位以仁護龍，一位以暴馭龍，殊途卻難同歸。不但騎士的人生觀相差十萬八千里，失去一隻手臂的Drago Bludvist與裝上金屬義肢的Hiccup，也因為人格有別，走上了兩條完全不同的道路，決戰因此難以避免，勝負卻也不難預料：主張暴力的必定會先演出秋風掃落葉的優勢鋒芒，但是仁心之士終必逆轉勝。
正邪對抗，黑白相爭，原本是最簡單的戲劇結構，《馴龍高手２》不搞族群對立，而是搞族群分裂的剖析圖，才讓看似遵循黑白對戰的傳統結構，從中調理出全新風味，耐人回味咀嚼。
因為，《馴龍高手２》同樣有父子矛盾，Hiccup不敢承接王位，能躲則躲，同樣地，Hiccup的母親Valka亦是不同意夫君Stoick的馭龍大計，所以遠走天涯，同樣想對權說不，兒子是若即若離，掙扎於理想與現實之間，妻子則是乾脆不聞不問，直接為理念獻身去了。同樣的細胞分裂，出現截然不同的結果，人生的複雜度與真實度也就更加迷人了。
當然，《馴龍高手２》中最動人的感情戲就是看似粗枝大葉的Stoick，重見愛妻Valka時，情不自禁唱出相識情歌「For the Dancing and the Dreaming」，那麼大塊頭的人，遇到愛情也化為繞指柔，那副憨厚魯直模樣，完成了鐵漢柔情的最佳註解，也讓這部卡通片不再只是靠速度與動作來炫技，真情流露時就連大人都要動心動容，更讓《馴龍高手２》輕易就攻佔了老少咸宜的賣座山頭了。
「長恨歌」的前四句如此寫著：「楊家有女初長成，養在深閨人未識。天生麗質難自棄，一朝選在君王側。回眸一笑百媚生，六宮粉黛無顏色。」換到高畑勳手中，套進《輝耀姬物語》的劇情，卻可以改成「農家有女初長成，養在深山人未識，一朝選在君王側，六宮粉黛無顏色」。
差別在於「長恨歌」批判的是「重色思傾國」的「漢皇」─唐玄宗，楊玉環是被「選」入宮中，玄宗皇帝還硬搶兒媳；《輝耀姬物語》裡頭的日本天皇同樣也慕女色，想要硬搶她做妻，只是輝耀姬不從，苦情泣訴，終於撼動天神下凡接引。但是把女兒嫁成王后，卻是輝耀姬的竹農養父的最大心願，因為他相信養在深山人未識，有負天意，所以他寧願「送」進君王側。
《輝耀姬物語》對豪門世家的膚淺庸俗批判甚力，輝耀姬對求婚貴族的刁難，有如《梁山伯與祝英台》裡祝英台所開出的「藥十樣」處方，他假冒郎中告訴祝家兩老：，三要萬年陳壁土，四要千年瓦上霜……」，那只是嚇退兩老，博君一粲的噱頭想要治好
大話在前，食言在後的，當然是自取其辱；取不到寶物的，就好另找冒牌貨混充，咎由自取，怪不得別人。貴族的接連受挫後，甚至最後還驚動御帝，也想一親芳澤，甚至還演出登徒子毛手毛腳的急色醜態，原來「重色思傾國」的正是雄性動物的本能。
關鍵不在這些庸俗大男人，而在輝耀姬的竹農老爸。
天賜女兒，理應珍惜，他不想女兒困居山林，落沒以終，那是天下父母心，可是一定要到京城買豪宅？一定要把享受田園樂趣的女兒改造成知書達禮，色藝雙全的公主嗎？若是不齒偏村野僻，又羞與農人為鄰，一心一意只想結權貴，這款勢利心腸，不也只是拿女兒拿籌碼，交換「往來無白丁，談笑有巨賈」的社會地位嗎？
全片最荒謬的笑聲來自於輝耀姬搬進京畿豪宅後，觸目盡是新鮮，讓她好生歡喜，不料走著走著卻發現了衣冠楚楚，金玉滿身的老爺夫婦，不再是昔日的農夫農婦裝扮，連女兒都認不得的衣冠「升格」，是沐猴而冠的虛榮？還是自以為是的雞犬升天？
《輝耀姬物語》最感傷的設計就是老爸找來了「相模」家教，要把女兒從村姑教養成公主，讀書寫字，彈琴丹青，都還簡單，穿金戴銀，衣錦著縀，亦非難事，真正起衝突的是「把眉毛剃了，把牙齒染黑」的美容進化！日本女人拔掉或剃除眉毛叫做「引毛」，
另外在眉毛與額頭處用炭筆畫下兩道圓弧，美不美，其實見仁見智，但要把上天賜予的眉毛給處理掉，另外加上「人工」美，其實已然接近「傷害身體髮膚」了，中國女人纏足，日本女人引毛和染黑牙，都是扭曲生理本能的病態追求，輝耀姬與相模的抗爭，其實就是原初本性與人工框架的對抗，問題在於約定俗成的禮教世界中，即使貴為公主，除了俯首，亦難抗命。
唯其如此，輝耀姬可光豔光照人，唯獨取悅不了自己，她對月祈禱，向「聖潔女神」求援的心聲，也就導致「終湏一別」的宿命。
紅塵俗事，必定讓人不耐，高畑勳卻花了相當長的篇幅逐一重演了這五位貴族的虛情假意，他的目的或許是想逐一鋪陳神話細節，讓觀眾細細體會輝耀姬的苦，問題在於卻也因此拖累了全片節奏。
因為一位俗人，已夠讓人嘖怨，一而再，再而三，誰不生煩？弄到五回，再加進個御帝，「夠了吧？！」受不了的，不想玩的，何只是輝耀姬？觀眾也都坐立難安了。
《輝耀姬物語》花了八年時間製作，美術和音樂的成就不凡，可惜就是劇本太過冗長，有些細節若能精簡重組，集視聽之美的這部劇情動畫長片就會更動人了。
高畑勳的《輝耀姬物語》在美術和音樂的表現上都極其豐饒，戲劇敘事若能再精煉一些，就幾臻完美了。 閱讀全文 輝耀姬物語：陰睛圓缺
形銷骨立，通常用來形容若有所失的癡人，不論是志業受挫，或感情受創，瘦且見骨的容顏，特別讓人感傷。
第一眼看見Angelina Jolie在《黑魔女：沉睡魔咒（Maleficent）》中亮相的造型時，誰不猛然一驚？哇，怎麼這麼瘦？顴骨怎麼這麼高聳？面頰何以要雕塑成這個稜角鮮明？甚至連耳朵都呈現尖形走勢？
兩個前提：首先，夏爾．佩羅（Charles Perrault）的《睡美人（La Belle au bois dormant）》童話中，黑魔女就是心胸狹窄的反派仙子，才會如此折騰無辜的Aurore，從迪士尼早期的動畫長片中，我們看見的黑魔女造型，就是：怎一個瘦字了得？
Jolie的黑魔女造型，忠於童話和動畫傳統，並不離譜，可以順利連結傳統，甚至進一步強化陰森恐怖形象。
其次，《黑魔女：沉睡魔咒》其實想替Maleficent翻案，她並非天生惡人，縱有萬般不是，溯本追源都是男人惹的禍，不是男人負心，傷了她的心，她何以會施下永世無解的魔咒？形銷骨立更顯情傷，這款造型，豈不更添說服力？
不過，《黑魔女：沉睡魔咒》的改寫工程就成功了一半，成也Maleficent，敗也Maleficent，關鍵就在她瘦到見骨的造型。
在Maleficent還是清純小仙的時候，她的王國一片璀璨，百花齊放，眾仙同樂，若非人類入侵，她無需點化荊棘長城，若非奪走她初吻的男人為了王冠又來割走她的翅膀，她不會悲憤莫名，黑魔住心，讓精靈王國成了陰森暗黑之邦。
情愛正濃時，情貌豐潤，對照情傷時的形銷骨立，是否更有我見猶憐之美？只可惜，Jolie從頭清瘦到底，熱戀時，看不到太多的喜悅（這就會降低失意時的傷痛），含恨時，顴骨有若刀斧，確實讓人心驚；但在淒然翻悔之際，或是終能恩仇化消之際，她的五官臉廓還是不見豐潤，是不是讓人在面對這麼一位七情不上臉的「仙女」，還是有一點不寒而慄的距離感？
手術後的Jolie確實比起過去清瘦極多，《黑魔女》的稜角尖銳造型就算只是順勢而為，確實創造了讓人過目難忘的「魔女」印象，徹底超越了世人熟悉《古墓奇兵（Lara Croft: Tomb Raider）》和《特務間諜（Salt）》中豔光模樣，就算她在《陌生的孩子（Changeling）》極盡傷情模樣，卻也遠不如《黑魔女》的尖銳森冷。《黑魔女》的劇情雖未諷勸世人不要以貌取人，但是順著劇情走下去，Maleficent這個角色卻也完成了她看似面惡，內心實為良善的論述。
造型，讓我們看見了美術的力量；造型，同樣也提供了詮釋劇情的空間。但是就戲論劇，《黑魔女》的色彩與光影確有調整，唯獨骨架不改，如果能夠適時豐潤，傳達的戲劇感情或許就更動人了。
