流浪吉普賽：骨肉悲歌

好電影總能讓人增廣見聞長知識。義大利導演Giorgio Diritti執導的《流浪吉普賽（Lubo )》讓我含淚讀歷史。


強行拉伕當兵，不是國共內戰紅藍兩軍的專利，1939年二戰前夕，瑞士也會這樣硬幹，誰教你是吉普賽男人！


納粹德國迫害猶太人，擺明就是要你的命，那是死別；瑞士人迫害吉普賽人，同樣基於種族優化心態，硬要拆散人家骨肉，飄零各地，老死不再相見，那是生離。


死別，痛；生離，折磨煎熬更是一輩子啃噬的痛。去向不明的孩子，生死羞辱又有誰關心？


有，《流浪吉普賽》的男主角Lubo 關心。他拚命活了下來，立誓要找回失散的三個孩子。為了活下來，他犯了殺人死罪，可是害他家破人亡的政策、官僚與奸人，誰得到制裁與懲罰？


一切的一切，都因你是流浪的吉普賽人，文化不同，習俗不同，沒有國家，沒有武力，就只能任人宰割？


德國影星Franz Rogowski 飾演的Lubo 很有說服力，開場時扮女人，就預告著他的存活本事，變橘子、拉手風琴則是爸爸教他，他也想傳承給孩子的傳統技藝。他相信「愛」是最好的教育，然而，老天沒疼他，愛心結恨果，歷史的錯，沒人能還他公道。


《流浪吉普賽》的場景極美，演員稱職，音樂更有撕心裂魂的素淡張力，緊緊揪住你的心。


看完電影，我找了吉普賽史，還真是不看不知道，一看猛解惑，感謝《流浪吉普賽》讓我更接近世界公民。

蝴蝶夢裡瓊芳登：探尋

第一次認識1940年代的純情女神瓊.芳登（Joan Fontaine)，源自《一位陌生女子的來信》， 一生只愛一個人的專情與癡迷，愛上一個記不得她名字與容貌的男人，永遠會在男人生日當天送他一把白玫瑰的傻女孩。那一年她31歲。

1940年，英國導演希區考克進軍好萊塢，拍攝第一部來到美國的劇情片《蝴蝶夢（Rebecca）》，請來才剛主演完第一部電影，年方23歲的瓊芳登出飾女主角de Winter夫人。

一開始，她只是貴婦身旁小秘書，謹小慎微，唯命是從。遇上怪裡怪氣，不可理喻的Lawrence Olivier，不時還會被兇上幾句，偏偏他飾演的de Winter心情千變萬化，翻臉比翻書還快；說愛就愛，說結婚就結婚。小秘書頓時變身少奶奶。

但也直到她隨著夫婿走進Manderlay豪宅後，才發現她要面對那位已經過世，魂魄陰影卻無所不在的第一代de Winter夫人Rebecca。

《蝴蝶夢》的迷人處就在於瓊芳登的蛻變與進化，穿越任人擺布的迷霧，從小女人變身成為捍衛愛情與主權的小婦人。她的挫敗，讓人不捨；她的茁壯，尤其是關鍵時刻的決斷，充滿智慧與算計，凝聚了觀眾的祈願與祝福。

瓊芳登透露，希區考克很愛站在演員的對立面，挑剔找碴，讓她一直處於心虛，沒有安全感的狀態下，偏偏這種心境正符合de Winter進退維谷的徬徨焦慮。

她還記得有一場哭戲一再NG，氣到自己撂狠話：「我哭不出來了，你乾脆賞我一巴掌吧。」沒想到大胖子手腳真快，真的打出眼淚來了。「真的很痛耶！」瓊芳登提起這件事總是忿恨難平，其實她更氣的是導演怎麼可以這麼粗魯？

挨耳光的代價是瓊芳登以《蝴蝶夢》入圍奧斯卡最佳女主角獎，第二年又以希區考克執導的《深閨疑雲（Suspicion)》，順利奧斯卡封后。

電影中，她總是所遇非人，她的男人，愛情濃度都遠不如她。真實生活中，四次婚嫁都沒超過八年。 難怪她會說：「婚姻這東西，已經像是不能飛的嘟嘟鳥（Marriage, as an institution, is as dead as the dodo bird. …）」

許多古典小說都愛從神秘豪宅出發，黃金時代的好萊塢電影也不例外，總愛從一座古老的宅邸說起，曾經輝煌，終究黯淡，屋中的男男女女究竟發生過什麼恩怨情仇？

《蝴蝶夢》中，有豪華的曼陀麗莊園；《日落大道》則是發生在日落大道10000號，門牌號碼和房邸一樣巨大的神秘莊園。《蝴蝶夢》的瓊芳登，要對抗的是橫亙在每個人心中的那位名叫Rebecca的女人，以及受她影響的眾人。

誰殺了比利比莉：全家

托爾斯泰在《安娜•卡列尼娜》寫下的第一句話是：「幸福的家庭無不相似，不幸的家庭各有不幸。」家有「酷兒（Queer）」我們該如何因應？

除了當事人的身份追尋確認，父母親該怎麼想？該怎麼因應？兄弟姐妹同樣會受到衝擊或挑戰，同學朋友同樣得再學習理解……
雖然很多人就會挑釁、揶揄或者霸凌，以酷兒為軸心的放射圈究竟可以放到多大？


林煜為是一位很特別的創作者及父親，既然酷兒現象不時出現，何不當成一種功課和創作？而且是全家人一起參與？


於是他寫出了《誰殺了比利比莉（Who Killed Billy Billie）》的劇本，他的三位兒女林子璿、林鼎軒與林若婕理所當然成為演員，至於太太謝晏婷戲裡戲外都是媽媽。你可以把電影粗淺地解讀為「家庭電影」，然而林煜為明顯想把單一家庭擴大到整個地球。
既然要拍電影演電影，幕前幕後的參與者都要做功課，酷兒議題因而成了林家老小的家庭作業，有田調，有討論，有想像，要設身處地，要恰如其份的模擬、再現和詮釋，這段待殊的旅程成為林家人面對酷兒議題的洗禮。


林煜為透過母親的一句對白來點睛 ：「字寫不好，就要擦掉重寫，直到完美。」寫字可以，性向能夠嗎？性向有什麼好不好的問題？我的好，卻是你的不好，就得擦掉重寫嗎？我必須要寫掉自己的不好符合你的好？好或不好，誰說了算？這麼粗暴的生命態度不正是普天下酷兒遇到的最大困擾與壓力。


電影畫面有時跳躍，有時唯心，觀眾閱讀不難，基本上就是酷兒受難記，林家老小所做的功課與重現，就是酷兒議題的全面檢視，容易觸及酷兒及家人的心弦，但這只是林煜為的前半敘事，後半則成了林家四口（父親和三位子女）的「映後／演後」座談，分享他們參與這個議題的心情。


是的，電影是演的，並非百分百真實，然而演員分享的心路歷程，同樣也是現場走過的心得報告，酷兒議題不再是會困擾他們的生命現象（他們是或不是？會或不會？都無關輕重），他們的豁達與熱情，對照電影中的苦難煎熬，就有了一種呼應電影對白：「wake up !wake up!」的能量：受苦的人們，醒來吧！執迷偏信的人們，醒來吧！林家人的家庭旅程，就這樣陪伴著天下酷兒瀟灑走一回！


電影中不時看見雌雄同體的蝸牛自在行走，透過蝸牛意像，觀眾接收也明白了導演林煜為的祝福與祈願。

異形羅穆路斯：重力體液

口水口水一直流！可怕可怕別沾上。


Alien和Godzilla 算是影迷最熟悉的兩款怪獸，Alien近身侵略的穿刺痛感，驚悚程度遠勝Godzilla。


《異形：羅穆路斯（Alien: Romulus）》是《異形》系列的總複習，所有嚇人公式和招式都重新搬演一次，罩臉、勒頸、穿喉、破肚一個都沒少。


至於無堅不穿，比強力硫酸還要強猛的Alien口水/唾液當然也沒負眾望，繼續把太空艙鑽破一個又一個的大洞，不信邪的小屁孩輕輕沾個邊保證尖叫連連。


複習是必要的，然而貪心的觀眾一定還會問你：新意在哪兒？


Alien 為什麼那麼會流口水？口水那麼酸，它的肢體器官何以完全不受影響？從《異形》第一集開始，就歸類為不必問，也無需回答的「角色設定」，每一集都如數採用。


《異形：羅穆路斯》導演Federico Alvarez算是有良心也有創意的創作者。良心是要召喚昔日亮點，滿足資深影迷；創意則在於要讓亮點更上層樓，威脅升級，驚悚加倍。


口水就是Federico Alvarez的進化工具，女主角Raine(Cailee Spaeny)被大批異形追殺，眼看就要絕望，緊急啟動動力裝置，原本類似地球重力環境的太空艙頓時變成零重力狀態，只能漂浮，無法加速追殺，Alien滴個不停的口水，以及被槍彈射爆的體液也隨之噴飛漂浮起來，酸，依舊酸，腐蝕力絲毫不減，但是如波濤漂浮的口水和體液成了可以閃躲的武器，零重力狀態暫時解除危機，也讓Raine在太空艙裡演出優雅迴旋舞，逐一閃避口水，還可以逃脫魔掌。


新瓶裝了不少舊酒，醇度依舊，新添的新酒，更讓人口感一新。《異形：羅穆路斯》獲得續集電影罕見的好評，這類新舊比例的穿插共生，值得參考。

異形2024：召喚死者魂魄

《異形：羅穆路斯（Alien: Romulus）》讓我渾身起雞皮疙瘩的角色是Ian Holm飾演的科學官Rook。

原因之一：Ian Holm已經在2020年辭世，誰能想到在2024年的大銀幕上看到他「往生」後的演出？

之二：Ian Holm也是1979年的《異形》的開國元老之一，同樣也是研究異形的醫官/科學官。元老凋零，Ripley還在冷凍櫃裡漂流銀河，他的再次現身（即使角色不同），卻有著香火傳承的張力。

之三：《異形》中的Ian最後也被酸液溶解，只剩一顆頭顱，萬般無奈，萬般心驚。《異形：羅穆路斯》中一出場就剩殘骸，卻還能爬行、還能解答、還能變更生化人指令，死心塌地為集團鞠躬盡瘁。

人已死，戲照演，有表情，有動作，還有一長串的對白…….電影科技的進化再進化，既展現數位科技重現「表情」與「聲音」的強大能量，也呼應了劇情中的「未來」科技實力。

更重要的是未來電影有了更多「召喚幽靈」的能耐，只要劇情需要，只要劇情合理，巨星復活，指日可待。

就怕創作者沒想法，科技一定有方法。當然，年輕觀眾未必認識或記得Ian Holm，門道還是服務死忠粉絲就好。

然而看著Ian 最後祝福送別的模糊訊號，不禁還是有些心酸，老友重逢兩小時再分手，相思更綿長，相信正是導演Fede Alvarez讓他起死回生的用心與用情。

陳俊榮：春暉猶在夢裡

提到電影就眉開眼笑，談起電影就口沫橫飛，我認識的陳俊榮是個無可救藥的樂觀主義者。

1988年認識陳俊榮的時候，西門町大小中外片商至少還有百家（如今應該不到十家），春暉電影剛成立，窩在開封街的小店面裡，員工兩人，他和妻子劉麗文。

那一年他買到了Roy Scheider主演的新片，苦惱著要不要邀請Roy Scheide來台宣傳，人家因為主演《大白鯊》紅遍半邊天，知名度不差，可是《大白鯊》真正紅的是那隻鯊和John Williams的音樂，沒幾人記得那位持槍要獵殺的警長叫什麼名字。猶豫半天，還是算了。

春暉那時候很小，沒有人看好，更不相信他買到的《與狼共舞》會紅遍全球，再加上之前小兵立大功的《性.謊言.錄影帶》，春暉公司在開封街的辦公室至少換了三次，越換越大，最後甚至包下地下室做放映室，每天試片，每天做民調，每天想點子，他還要求每次試片前都要有員工做映前解說，要把電影的好「直銷」給觀眾。

他的口頭禪就是：「這是全世界最好看的電影。」他不是吹牛不打草稿，而是他相信自己買片的直覺，迫不及待要讓大家分享他的感動。

他像風，也像火。機會來時，風風火火，享受那種為理想燃燒的奮不顧身。或許正因為如此，美商華納請他出任總經理，讓他如虎添翼，更大膽追尋夢想。

其中之一，包括華納亞洲支持了楊德昌的《獨立時代》進軍坎城競賽，我還清楚記得那時在蔚藍海岸迎接《獨立時代》大隊人馬的盛況，陳俊榮擁著妻子劉麗文合影的神采，堪稱就是春暉小巨人的燦爛高峰啊！

1994年台灣媒體解嚴，cable電視崛起，前後出現過200多家電視台，春暉電視台是唯一主動「開創」片源，引進大量前所未見的法國電影，甚至投資影人拍攝《台北愛情故事》和《作家身影》的民間電視台。資本有限，夢想無限，他的膽識、衝勁與理想，真夠讓今天因循苟且的各家電視台汗顏。

當年很多人都推崇春暉電影台的選片，認為那是媒體開放的良心範本，然而也很高眉文青式地批判著春暉廣告太多（當時主要對手HBO都沒廣告，卻沒人關心春暉不靠廣告怎麼存活？），直到春暉熬不下去了，影迷才知道有個純情電影夢想凋零了。如今使用者付費已經不用多教育，走得太早死得太快，也是夢想家的宿命。

太多想做的事、太多無法keep的promise、太多擴張的業務…..包括中途易手的威秀與大直影城，龐大的財務與債務，終於讓陳俊榮不得不結束最多達到200多人的公司，再回到騎摩托車跑業務，劉麗文更是放下身段開始從事商品直銷，挨家挨戶解說商品，完全無法相信她曾經是台灣影壇也能呼風喚雨，卻少有霸氣的劉董。

後來，劉董癌症早逝，應該也是一般人看不見的夢想凋零後的內傷啃噬。我當然更無法體會陳俊榮如何度過暴起暴落的人生旅程，從跌倒的地方再站起來，依舊不改初衷。

匆匆二十年過去，再次見到陳俊榮，他已經幾度來回衝刺，債務稍歇，又風風火火向朋友介紹他最近認識的林煜維導演，以及他拍攝的LGBTQ劇情長片：《誰殺了比利 比莉》。

熱情不減，但是更加務實，「只要看了《誰殺了比利 比莉》，你就知道林煜維潛力十足，電影是小品，目標觀眾也是小眾，把小品講得這麼熱熱鬧鬧，你就會期待他的商業大片。」

這張照片是不是讓你想起「提到電影就眉開眼笑，談起電影就口沫橫飛」的陳俊榮？那隻漂浮靈幻的手，就像他一個接一個的電影夢。

他是個無可救藥的樂觀主義者，那是我在開封街認識的陳俊榮，70歲了，他還有夢，還在燃燒，我確信，我祝福。

圈套：父愛與屠夫拔河

如果不是導演女兒Saleka在電影中飾演流行歌后Lady Raven，奈．沙馬蘭（M. Night Shyamalan）執導的《圈套（Trap）》會不會把三分之二的重點都放在Lady Raven那場演唱會上？不厭其煩讓你聽著一首接一首的歌曲？

驚悚電影往往把真相或真兇都壓到最後才揭曉，奈．沙馬蘭過往作品的最後高潮，常讓觀眾驚歎，《圈套》描述FBI接獲密報，把Lady Raven的演唱會設成圈套，要釣出連環殺手「屠夫」。

「屠夫」會聽演唱會？是想犯案？還是別有所圖？演唱會變成捉兇圈套，難道不擔心屠夫大開殺戒，濫殺無辜？既然不知他是誰，又怎能確定圍捕能奏效？《圈套》的前提設定其實禁不起檢驗，因為並非警方料敵機先，誘敵深入，而是循線而上，妄想甕中捉鱉。偏偏就算你布下天羅地網，「屠夫」還是有縫可鑽，來去自如，無所不在的破洞更證明FBI獵捕行動根本兒戲一場。

《圈套》唯一精彩的論述在於凡有「例外」，就有「破綻」。沒有通行證，就不能進出會場，通行證就是「例外」；誰都不能進出後台，唯有演唱會的貴賓「例外」；任何男性要出場都得接受盤問，唯一的「例外」就是歌手座車……「例外」就是特權，特權未必一定腐敗，卻容易給人可乘之機，《圈套》靠著一個接一個的「例外」引領劇情前行，卻也因為招式用老，加上「屠夫」早早就現身了，猜都不用猜，觀眾再沒意外，又如何期待圈套解套或緊套的戲劇張力？

更重要的是Lady Raven既是小天后，怎麼沒有保母隨行護駕？她願意配合警方捉拿「屠夫」，警方還沒捉到「屠夫」之前，卻不派人保護她？難道不怕行蹤敗洩的「屠夫」遷怒於她？

舞台上載歌載舞的Saleka Night Shyamalan有模有樣，歌好聽，演唱神態亦動人，但要她單獨面對「屠夫」，既要強顏歡笑，還要安撫「屠夫」，甚至深入「敵營」，成就破案奇蹟，所有不近情理的安排都只說明了奈．沙馬蘭實在太疼愛女兒了。偏心，是父愛，卻拖累了整部電影，愛之適足以害之。當然，「屠夫」的失敗同樣在於父愛，《圈套》中的父愛對話形成有趣對比。

正因為「屠夫」對女兒總是溫言婉語，Josh Hartnett演得夠賣力了，卻受困劇本對的身心刻畫欠缺立體縱深，他的雙重人格讓人參不透看不透，就像警方明明都要他押上警車了，還「例外」允許他把腳踏車扶好，《圈套》的「圈套」全都任由奈．沙馬蘭自說自話，卻又容易讓人看破手腳，難怪驚悚系數直線下滑，「圈套」也就難圈住觀眾了。

海史密斯：作家談電影

雖然她的小說很受電影導演青睞，但大作家Patricia Highsmith卻不在乎導演如何改編她的小說。

只要她簽了版權合約，小說就成了導演的孩子，「愛怎麼改就怎麼改！」

乍聽之下，好像她很愛錢，收到版權費就好，其實她還是在乎的。

法國導演René Clément找來大帥哥Alain Delon在《陽光普照（Plein Soleil）》詮釋她一手打造的Ripley，她就讚不絕口，但是電影結尾，Ripley被警方逮捕，她就會忍不住說：「那不是我的版本。」

她欣賞德國導演文．溫德斯（Wim Wnders）的才氣，對《美國朋友（The American Friend）》唯一的抱怨是溫德斯只買了一本小說「Ripley’s Game」的版權，卻偷偷溶入了另一本小說的內容。老太太對自家智慧財產權極為珍惜。

雖然Patricia Highsmith宣稱自己很少看電影，卻擔任過1978年第28屆柏林影展的評審團主席，帶領大導演塞吉奧李昂尼（Sergio Leone）和安哲羅普洛斯（Theodoros Angelopoulos）等國際知名影人，一口氣頒出三只金熊獎給三部西部牙電影，品味與決斷果然與眾不同。那年的開幕片是John Cassavetes執導的《開幕夜（Opening Night），導演愛妻兼女主角珍娜．羅蘭（Gena Rowlands）當選影后，閉幕片則是史匹柏的《第三類接觸（Close Encounters of the Third Kind. ）》

那一年的柏林影展首度從六月移往二月，成為每年率先登場的A級影展，Patricia Highsmith坦承自己不適合當評審團主席，既無法揮鞭決斷，更無法忍受評審團裡的政治角力，因為有一位來自第三世界的評審，一直替某部共產國家的電影護航要獎，「那部電影根本是垃圾！」Patricia Highsmith沒點名，究竟垃圾電影最後有沒有得獎，我無法瞎猜。那一年只有來自保加利亞的導演Georgi Djulgerov 因為《Advantage》拿下最佳導演獎。

Patricia Highsmith很會寫小說，也試過編劇，然而隔行如隔山，試過幾次都失敗後，就不再嘗試了。她寧願高價賣出小說版權，絕不試著自己改寫劇本。她對電影的態度就是各走各的獨木橋，她不想認識電影導演，「我不過問你們的作品，你們也別來干預我的作品。」

有人問Patricia Highsmith最喜歡哪一部電影？她的答案很有趣，不是大國民（Citizen Kane）》，也不是《北非諜影（Casablanca）》，真要選，她會選《亂世佳人（ Gone with the Wind）》。因為電影不錯，小說也不錯。

是吧，Patricia Highsmith就是Patricia Highsmith，獨一無二的Patricia Highsmith。

我們還有明天：女之歌

天色已亮，Delia只在床上說了一句：「早安。」身旁的老公Ivano就賞了她一記耳光。

為甚麼？起床氣？還是習慣動作？導演Paola Cortellesi沒有解釋，這是《我們還有明天（ C’è ancora domani）》簡單有力的開場，清楚交代了父權暴力。

Delia略有錯愕，沒有哭泣，亦不爭辯，更沒反抗，摸摸臉下床準備早餐，沒即時妥當搞定，搞不好又是一陣拳打腳踢。

逆來順受是美德嗎？Delia有自己的生存邏輯，杵逆只會火上加油，於事無補，她知道如何低空飛過。

二然而看在待嫁女兒Marcella眼裡，Delia是沒用的受氣包，明明可以反擊，可以逃家，為什麼一再姑息隱忍？但是Delia總以Ivano經歷過兩次大戰為由，包容他的挫敗與苦悶。可憐的是她的善意，老公從不領情。嫌嫌嫌、罵罵罵、打打打，成為每天例行公事。

《我們還有明天》故事設定在1940年代，戰後義大利最窮困的年代，黑白攝影呼應窮困主題，從選材到表現恰如著名的「新寫實」電影風格，然而導演Paola Cortellesi不被「寫實」綑綁，所有的暴力場景全用音樂舞蹈來呈現，她不是歌詠暴力，而是把清官都難斷的家務事，保留一線愛的生機，即使當初因為誤解而結合，Delia總會掛念還沒長大的兩個兒子，也期待Marcella 不再重蹈覆轍，嫁到有錢人家。

至於Ivano的顢頇自大，就讓他繼續自以為是吧。但你清楚明白，Delia的犧牲容忍都基於愛。她的委屈一再擦亮頭上光環。

《我們還有明天》的前半小時重複惡的循環，讓觀眾看不見明天。

在家裡，臥病在床，大呼小叫，需索無度的公公雖然也嫌Ivano對媳婦太兇，但是他反對的不是暴力，他的主張是不要每天打，打久了就疲了，久久打一次，徹徹底底痛快的打，才是有效暴力！

在修傘鋪裡，什麼都不會的男工拿四十里拉，邊做還要邊教的Delia只拿30里拉，憑什麼？憑他是男生啊！裡裡外外都重男輕女的環境下，Delia還有喘息空間嗎？

片名告訴大家：有的。

《我們還有明天》的好看就在於Delia如何從虎口找到出口，如何在命運女神的踐踏戲弄下找到生機。最後Delia透過不出聲的嘴型，對著女兒唱出自主、愉悅、尊嚴的勝利之歌時，你或許會同意：即使只是義大利女性的一小步，已經是非常不容易的一大步。

霸凌就是暴力，找到非暴力方式對抗、壓制霸凌，這種「希望」，就讓隧道不再那麼漫長黑暗。Delia的解藥，劑量不大，但是夠讓大家看見了光，看見了方向，難怪成為義大利最賣座的電影。

驀然回首：漫畫青春緣

曾經擁有，容易視一切為理所當然；直到失去，懂得了脆弱與心痛，才懂得了珍惜。



改編自日本漫畫家藤本樹短篇漫畫的《驀然回首》清楚示範言之有物的短篇，即使只是一份情懷，都原比碎碎叨叨不知節制的長篇更動人。

《驀然回首》訴說著兩位愛畫漫畫的女孩的情誼。一位是充滿自信的藤野，一位是拙於面對人群的京本。漫畫都是她們的強項與最愛，然而「分」、「合」、「分」的三部曲，給了觀眾感同身受的青春共鳴。


《驀然回首》的破題在於先讓她們站在對立面。京本未出現之前，藤野獨領風騷，校刊新聞漫畫全看她揮灑。京本一出手，藤野就尷尬了。同學的評語讓她心如刀割，甚至自己都明白自己技不如人。

既生瑜，何生亮，《驀然回首》的高明在於藤野沒有洩氣，咬牙努力讓自己變得更好，這款志氣何等動人，藤野認輸後的坦然與釋然更是美麗。

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《驀然回首》的轉折在於藤野終於見到京本時，意外得知自己竟然是京本孺慕偶像？真的嗎？她手舞足蹈踩著雨水回家的身影，不就是《萬花嬉春》裡舞唱Singing in the rain 的金凱利？

接下來就是朝夕相處的「合手」：一起出遊，一起合作畫漫畫。一動一靜，一拍一和，默契天成，心領神會，她們最最閃亮的日子，兩個字形容：幸福。



然而，歡樂不久長，有光就有陰影，合久必分似乎也是人生難以迴避的宿命，京本不只是想要畫得更好，應該也是不想一直只畫背景，活在藤野的呵護陰影下。她的獨立，不必解釋成背離，計較心起，就只能各奔前程了。然後，暴力意外，讓分手的她們再也無法牽手了。

所有的懊惱、心痛、悔恨都讓曾經有過的美好，得著酸甘甜的滋味，只會畫、只想畫的藤野只能把所有的思念停格在畫桌前的背影。



第一次分手時，她們沒能完成「充滿祝福的分手」，曾經有過的咒怨只會更添悔恨。第二次的分手，給了藤野補救機會，繼續畫、繼續畫、keep on drawing 應該才是會讓京本開懷的事了。

好好說出心中的話，即使只有短短幾句，情真就一定感人。《驀然回首》的擁有與失落，是青春抒懷，也是青春盟約的再次回首，藤野的背影就是她，也是藤本樹的決志與告白。