分類: 紀錄片

瓊拜雅三重人格：青春

《瓊拜雅：三重人格（Joan Baez: I Am a Noise）》是一代歌者Joan Baez極其誠實的生命告白，即使有些不完美與不完整，卻也讓觀眾從她的崛起、追尋及私密看到她的陽光與陰影。

多數歌迷都喜愛Joan Baez有如天籟般的清純歌聲，應該沒有人會同意她以嘈燥Noise謙稱，片名如此書寫或有讓人看見不一樣Joan Baez的用心，至於中文譯成「三重人格」，則是呼應著馬奎斯（Gabriel García Marquez）的名言：「Everyone has three lives: a public life, a private life and a secret life.」試圖重現她這一生的公共（a public life），私下（a private life）和秘密（a secret life）時光。

Joan Baez死忠粉絲應該都會很開心看見她的少女模樣，陪著她在 Club 47 初試啼聲，再從新港音樂節（Newport Folk Festival）一鳴驚人，見證她有如天使般的笑容和被上帝祝福過的清純嗓音，她的傳奇崛起傳奇真的有百看不厭能的能量。至於她和Bob Dylan如膠似漆的革命情感，在歷史影像的倒帶下，釐清了被傳說混沌的青春往事，當然，聽她輕聲說起當年提擕Bob Dylan，成名後卻勞燕分飛的現實，做不成愛人，固然心痛又心碎，就算Joan Baez也用自己不願嗑藥解釋分手原因，然而歌迷應該也不會有「世事豈能盡如人意」的唏噓，反而慶幸世紀傳奇終究沒有上演恩斷義絕的決裂不堪。而且即使多年不相往來了，Bob Dylan沒有忘記她，依舊懷念著她的歌聲，人生遇合能夠平和終始，也算福氣了。

1960年代確實是Joan Baez最美好的時光，她參與的民權、反戰抗爭一方面是她的信念與實踐，一方面也是她面對歷史事件的生命選擇，她也許只能也只會唱歌，但她的歌聲為那個火熱年代添加過無數柴薪，都已經是音樂史和美國歷史的重要章節。Joan Baez唱歌唱了六十年，早已是經典中的經典，重溫這些珍貴影像，既是見證，也是回味。

《瓊拜雅：三重人格》同樣示範了一部好看紀錄片與傳主本人的文物手稿密切不可分隔，Joan Baez有間倉庫，收藏著她的童年畫作，家人書信、家庭錄影帶、演出錄音，以及心理醫生的診治錄音，方方面面都讓她的才情和電影論述有了可以相互援引佐證的空間，尤其是她竟然那麼會畫畫，每回寫信最後再來個幾筆塗鴉，無不神采飛揚，極其傳神，更讓電影可以據以發展出有趣動畫，更添觀賞趣味。

任何一部人物紀錄片都極難全面關照傳主一身，只能重點取材，就像她的代表作只選了「Diamonds & Rust」與「There but for Fortune」等十多首，一旦少了「The Night They Drove Old Dixie Down」就是有人會跺腳歎息，篇幅有限，被迫割愛實屬無奈。

至於家人的童年創傷，Joan Baez不迴避，願意面對的勇氣極其不凡，《瓊拜雅：三重人格》終究提供了一只三稜鏡，任憑觀眾從自己的角度去觀看與解讀了。

臨暗漂流：聲音有與無

電影聲音的兩款思考。

攝影師按下快門的剎那，耳朵會聽見什麼聲音？

首先是現場音，自然的，人為的，都是存在於當下現場的環境聲響。有波動，也會有互動。

其次是大腦運作的節奏聲，包括：物理性、技術性與美學構圖的盤算，以及靈光閃動的決定瞬間。這一款聲音，多數人聽不見，只有當事人若有所悟，卻未必知道如何形容。一切純屬內在迴聲。
公視”藝術很有事” – 《臨暗･漂流 沈昭良的攝影長篇》中，導演廖敬堯巧妙運用配樂，從環境律動到心靈律動，都有精準對話，從日本築地市場的滄海銳變，到台灣南方澳漁港的俯瞰近拍；從《STAGE》華麗舞台車與表演者肖像的人間呼吸，到守候在南橫公路上魔幻時刻的候鳥飛翔，音樂都在召喚空氣與心靈精靈，成就觀賞性極高的作品。

拍照歸拍照，電影歸電影，原本是兩回事，卻也是同一件事，差別在於紀錄攝影師拍照的當下，導演在後製時將現場音降到極低，音樂取而代之，引導觀眾前行。

換句話說，這部記錄片提供了第三款現場音。是註記、是解讀、是再創，是另詮。劇情片和紀錄片都常見這種手法，劇情片好說，紀錄片就有點像踩上了鋼索。
音樂說進攝影師心坎，同感共振，自然是藝術美事；音樂引領觀眾進入新世界，增色添香，也沒有不好。註記是著色，也是對話，再現真實與創造意境是不同美學追求。

我很想問被紀錄的沈昭良，配樂讓你想起了拍照當時的心跳聲了嗎？或者觀眾感受到沈昭良按下快門前後的心跳聲了嗎？音樂魔法如此唯心，如此主觀，任人汲飲品味。

尋找湯德章：亂世浮生

他先是一位台灣出生的孩子；繼而是不被日本法律認可的台日混血孩子；然後是只有國小學歷卻能考取日本律師執照的台灣人；最後才是冤死於228事件的台灣人。


他叫湯德章，台南市有紀念公園，有以他為名的道路，然而他短短40年的坎坷人生，不是黃銘正、連楨惠導演費時五年完成的紀錄片《尋找湯德章》穿針引線努力拼圖，恐怕知者少，關心者更少。
他的故事就像電影海報上的人影，多數只有半張臉，看不清，也看不全；他的寂寞就如同他的故居，荒煙蔓草，乏人聞問，還得靠人搶救。


「湯德章是誰？」是兩位導演動心起念的原初，他曾經是坂井德章，也是新居德章，他是林德章，更是湯德章，他體內有日本血脈，也有台灣基因，英文片名《In Search Of A Mixed Identity》，精準從歷史翻覆的夾縫中關心，也探索這位台日孽子的曲折傳奇。
黃銘正、連楨惠合作過《灣生回家》，替台灣歷史避談的這段晦澀往事，畫出港闊海深的鄉愁圖案；《尋找湯德章》則是替舉目可見，卻未曾深究的台灣往事，透過偵探手法，建構立體雕像。


《尋找湯德章》的切入手法相當另類，不走史學編年體例框架，而是凡夫俗子探奇蒐證方式，像個小偵探一般（不諱言自己的無知，不迴避自己的摸瞎），從鄉野庶民切入，從街談巷議切入，先有人味，才有興味，才讓原本沉重的悲情素材得著讓人急於一探究竟的驅動能量。
殖民時代，日本人瞧不起灣生，也不願平等對待日台混血子弟；1945年後，國民政府不也以異樣/異族眼光與手段區分本省/外省，擺盪在兩款政權下，湯德章的悲劇絕非特例。湯家子孫講起日語才輕鬆自在，背後有多少無法告人的忐忑？


恐懼，匿藏了半世紀的恐懼，其實是《尋找湯德章》輕輕舉起，卻有重重震盪的歷史巨錘：228事件後，槍決湯德章，曝屍三天，不准收屍；父親被殺，孩子不敢回家；含冤50載，家族避談先人，都是白色恐佈的駭人實例，黃銘正、連楨惠突破湯家姐弟心房的珍貴訪問，也因此更加珍貴。


《尋找湯德章》 是民間觀點，庶民採集的1907年至1947年近代台灣史，有一群鍥而不捨的癡人共同完成的拼圖，就在導演書寫著：樹是歷史，建築是歷史，歷史是當下，歷史就是我們自己…….一架軍機空中呼嘯而過…….公園的鳳凰花開依舊紅豔，歷史還會重複？恐懼還會重演？電影想說的話，等待你去聆聽，等待你去尋訪。

坂本龍一OPUS：告別

第一個畫面是他的背影，他這輩子最後一次演出，「春蠶至死絲方盡」的全力以赴；最後一個畫面同樣那台鋼琴，人已空，自動演奏程式還在彈奏他的作品，直到聲斷琴止。

《坂本龍一：OPUS（Ryuichi Sakamoto | Opus）》是坂本龍一的紀錄片，也是他的告別音樂會，我解讀成是坂本龍一的「生前告別式」： 他在2023年3月28日辭世，生前自知體力已不勝負荷，無法再做巡迴演出，也無力搭配樂，於是選用獨奏方式，精選生平代表作，再一次回顧，再一次詮釋。

一座音樂廰，一台鋼琴，就坂本龍一單獨一人，導演空音央（Neo Sora）採用黑白影像，不打招呼，沒有旁白，亦不介紹曲目名稱，逕自以不同鏡位與構圖紀錄著坂本龍一拚盡餘生之力的最後演出神韻。正因為是黑白影像，「教授」的銀髮更加晶亮，黑衣更加深沉，如詩夢境，讓流瀉著告別聲韻的每一個畫面都讓人想寫一首詩。

電影是一場音樂會，因為樂音不斷；卻又不是音樂會，因為沒有留給觀眾鼓掌喝采的時間。坂本才收手，空氣就凍結了，沒有殘響，沒有留白，「教授」抽換樂譜，緊接著下一首曲子演出。對樂迷而言，這是老友重逢；對影迷而言，這是巨星展翅。他太巨大，弱水何者三千，能飲一瓢都是幸福，況且你我絕對不只飲一瓢。

《坂本龍一：OPUS》邀請影迷與樂迷坐在最近的距離，替換音樂會上前所未見的角度，前後左右細細凝視與凝聽：銀髮黑衣、鬍髭眉影、指法身形、氣宇神韻，滿足著可以再靠近一點的小小祈願；偶而的指尖疊音，不時的踏板迴響，熟悉的旋律彈跳，你明白那不是最巔峰，卻是盡心又盡力的最後一搏，你明白，他在彈奏這些首曲目時，其實也在重溫年華正盛時的靈光閃動，你彷彿陪他走過了絲路、撒哈拉和紫禁城，不靠管弦，無需甘美朗，當年他就是在黑白鍵上彈出燦爛火花，如今一人一琴，昔日風情打他眼前滑過，樂器之王他在的指尖駕馭下，直如王者再臨。

肉身不再，音符不墜，靈魂不滅，電影細妥收藏著教授的最後聲影，告訴世間男女：once upon a time，有過坂本龍一這個人，創作過如此美麗的樂章。曲罷人已成仙去，餘音嘹亮尚飄空。

金門往事：焦點與重點

/以金門為主題的電影有多部紀錄片和劇情片，因為奧斯卡入圍的《Island in Between》，讓我重新檢視一下這些電影。

談到金門，多少會提到砲戰，江松長入圍奧斯卡獎的紀錄片《金門（Island in between）》，一方面追憶父親當年參與砲戰往事，另一方面拍到了今日金門砲兵操演的實況。
洪淳修導演的紀錄片《金門留念》同樣有此一場景，但是他更進一步告訴大家：表演砲操的軍裝人士中，有位女性，她是四川姑娘石成梅。
八二三砲戰緣起毛澤東1958年下令砲轟金門，導致當地軍民傷亡共3,228人，房舍全毀毀損共9,053棟。60年後，砲戰往事依舊讓人唏噓低迴，卻又另外多了憑弔歷史場景時的觀光表演。


石成梅的砲操表演有模有樣，不是洪淳修追著她問下去，一般人很難察覺她是嫁到金門的中國媳婦，砲操演出可以貼補家用，她的陸配身分更讓當年砲戰血淚傷痛多添幾分歷史錯愕與怪誕。戰爭與和平，傷痕與生計，在歷史長河中有著不同質量的砝碼。
不論是《Island in between）》或者《金門留念》紀錄的都是那塊土地上的時代眼淚，有奧斯卡加持的《Island in between》，參雜了家族情感與個人感觸，以輕柔筆觸與讓更多人看見與明白台灣、金門與中國的歷史糾葛；洪淳修的《金門留念》因為長期駐點與生活，多了在地人的特殊行業與記憶，一個由外往內看，一個由內往裡鑽，一個望遠鏡，一個顯微鏡，兩相對照，彼此對話，相輔相成。
當然，有關金門的紀錄片不能不提金門子弟董振良的系列作品，以及他從金門子弟立場省思的一貫反戰心聲；也不應該忽略黃皓傑的《越界》，他從海漂的保麗龍談到兩岸之間的中線問題，更透過生態、經濟與政治的錯綜複雜關係，紀錄下海洋不語的默默凝視。
至於與金門相關的劇情片，我最想重看的是張佩成執導，王小棣擔任副導的《血戰大二膽》，那才是有血有淚的小兵之歌。

那夜金曲永恆：寫歷史

號召四十位巨星合錄一首歌是一場多艱難的考驗？「四海一家（We are the world）」這首慈善義賣金曲的誕生，是歷史傳奇，幸好留下了影像見證。

見證歷史，容易讓人熱血沸騰，Netflix紀錄片《那夜，金曲不朽（The Greatest Night in Pop）》就具備了這股動能。

電影見證的是「四海一家（We are the world）」這首慈善義賣金曲的誕生。1985年一月28日全美音樂獎頒獎典禮結束後， Lionel Richie, Michael Jackson、Stevie Wonder、Ray Charles、Cyndie Lauper、Paul Simon、Tina Turner、Bob Dylan和Bruce Springsteen等四十位頂尖歌手齊聚一堂，花了一個晚上的時間，攜手合作錄成這首眾人合唱歌曲的傳奇。

「四海一家」在1985年橫空出世，十億人同步聆賞，在那個沒有手機和網路的年代其實是極其艱難的考驗，因為，第一，巨星們願意無償共襄盛舉，以行動告訴世人，他們會的不只會娛樂，也能兼善天下； 第二，巨星們各有行程，挪出一個晚上時間來錄音，從號召、動員、毃通告到執行，千頭萬緒，工程浩大；第三，一旦消息走漏，媒體蜂擁而至，巨星們就很難安靜唱歌了。

《那夜，金曲不朽》珍貴之處就在於既然動員了這麼多巨星，他們也即時紀錄下那個晚上的大小細節， 時隔四十年後才讓後世歌迷得見一首金曲的誕生究竟有多難！

電影本身的啟示效果有三：首先，既然在寫歷史，就別忘了紀錄歷史，不是現場有人負責拍攝紀錄，後人就只能聽歌想像巨星當夜。影像紀錄究竟有多重要？電影本身就是最佳實證。

其次，巨星難搞，眾所週知，一首歌如何打造？如何分配？誰先誰後？聲線如何串接？在在都是學問，更難的是如何搞定巨星？那個晚上沒錄完，就再難促成大家再聚首了。

第三，擔任音樂總監的Quincy Jones就在A&M 錄音室的門口貼了一張字條「cast your ego at the door」，意思就是把你的身段和或虛榮留在門外，我們來錄音做善事，就不要再把俗世那一套帶進來。說來容易，在座巨星個個都是一方之霸，怎麼可能不較勁？同台合唱更是要唱得比別人更好，絕對不能輸人。看著他們拚盡全力就為了唱好那兩句歌詞，你真的會熱淚盈眶，更別說Bob Dylan和Bruce Springsteen的即興清唱，以及Stevie Wonder的頑童性格及絕世琴藝，當然還有完全陶醉在音樂中的Michael Jackson…….

這部紀錄片其實是替觀眾上了一堂極其實用的音樂製作實務，從發想到完成，多少細節要兼顧，這部96分鐘的紀錄片根本就是千金難買的流行音樂活教材。

歌曲和電影的關鍵人物是Lionel Richie，電影從他重回A&M錄音室解說四十年前那個晚上發生在錄音室裡的點點滴滴開始，最後還聽他說了一段非常動人的「回家論」：「你要珍惜能夠回家的時光，因為有時候家還在，人卻已不在了。」（像極了：青山依舊在，幾度夕陽紅）四十年前應他邀請一起錄音的歌手，如今幾人健在？A&M錄音室依舊在，那個晚上的盛況早已成了雲煙，甚至歌曲也都進了歷史迴廊，偶而才能聽見一回，年輕歌迷未必能夠想見當年盛況。

和時間賽跑，世人註定是輸家，只有夢想家知道善用影像留住時間，「音容宛在」不再是告別式上的輓聯而已，這部紀錄片讓昔日天王重新以英姿煥發的模樣向世人展現了他們的青春與志氣。

台北之晨：無聲到有聲

默片時期的配樂，往往因地因人因設備而異。白景瑞導演的《台北之晨》不管是陰錯陽差，或者刻意為之，最後傳世版本就是無聲版，聲音的空白，因而有了想像空間，也因而有了再創造的機緣。這次台北電影節播出的林強版配樂，就是有趣的聲音實驗。 閱讀全文 台北之晨：無聲到有聲

出發：陳彥博的極地賽

視覺好看，確實是《出發》的強項，但是除了好看，我們還想多看見一些靈魂，這亦是運動紀錄片的核心趣味。

該怎麼形容陳彥博？是瘋子？運動員？抑或冒險家？或者兼而有之？

陳彥博是台灣超馬好手，在2016年拿下了四大極地超馬賽總冠軍，從撒哈拉沙漠、中國戈壁、智利阿他加馬沙漠，再到南極洲，四地都要跑上250公里，地形險惡，還要面對烈陽、高溫、沙漠風暴、高原氣壓、強風、超低溫、冰原雪地等極端氣候，挑戰極限運動的同時，其實更挑戰著生命。基因中沒有一點瘋狂因子，如何辦得到？如非血液中有著無可救藥的浪漫DNA，他又怎麼撐得到最後？然後，如果沒有運動員的扎實底子，他憑什麼跑完這千里長征？畢竟，得到TIME雜誌認證的極地馬拉松賽，強調與凸顯的是選手對「忍耐」的極限。

第一屆極地超馬賽的總冠軍是台灣選手林義傑，他花了4年才跑完四大極地，陳彥博則是一年之內拚完四大賽事，他的瘋狂指數、對毅力和體力的耗損都更驚人，紀錄片《出發》追蹤他的故事，見證他的傳奇，採用極地風景與主角意志雙線並進的敘事策略，有機巧，亦有魅力。

魅力，在於《出發》是一部把商業攝影的包裝美學發揮得淋漓盡致的紀錄片，你很少看見這麼壯麗的沙漠，甚至連原本荒涼乾裂的鹽地冰原，也拍成了誘人一遊的詩意山河，所有國家地理雜誌頻道上美不勝收的極地風光，或者風景月曆上曾讓人驚豔讚嘆的絕色綠光，一幕幕排比呈現在銀幕上時，都釋放出讓人目不暇給，更看到目瞪口呆的能量，偏偏，如此山河如此畫境，卻只是「背景」，因為你一定會看見有個寂寞的肉身，無暇理睬這些景色，他僕僕風塵，踽踽前行的意志，才是最吸睛的「前景」！極華麗與極孤單的巨大落差與懸殊對比，正是商業攝影最懂，也最愛操作的視覺符號。

機巧，則在於極地超馬賽總冠軍雖為艱難，正式賽會從未參考選入，賽事也沒有獎金，參賽選手的動機與動力究竟從何而來？誰又支持陳彥博跑遍世界？從裝備、訓練到旅費，哪一樣不花錢？而且絕非一般數字。就在觀眾開始納悶之際，導演黃茂森適時讓大家看見了他的中學老師，原來，他在全中運一萬公尺拿下金牌時，就已夢想征服世界。就在觀眾急著想問誰在支持這麼年輕的孩子投身極地考驗時？黃茂森這才讓他的父母親現身，而且正是在他因為熱衰竭險些棄賽，邊哭邊走才又趕上行列的戈壁賽事上，原本要來目擊兒子奪冠的雙親，要用多焦慮的眼神和多焦灼的心，守候著孩子抵達終點？黃茂森每回只輕輕釋出一丁點主角成長背景和親友情緒的剪接策略，很像釣魚，心癢的人就容易上鉤，而且一鉤就中。

這種輕輕一觸就轉向的敘事法，其實是很機巧的算計，就怕扯出太多細節會轉移了視線焦點，因為唯有凸顯陳彥博的堅忍意志，才能完成英雄崇拜的敘事，這是歷來運動員紀錄片都追求的境界，但是只顧打造英雄，卻迴避了更多生命真相的探詢：例如，他如何熬過極地賽的脆弱，孤單、恐懼與潰敗時刻？電影中他靠著已逝愛犬的照片尋找溫暖能量的告白，確實真情動人，但是真情流露的細節實在有限，其他時刻的煎熬，多數則是曖昧又模糊，留下意猶未盡的悵惘。例如，聽他訴說驟聞罹患咽喉癌的絕望（他如何戰勝那種病？）；看他用針挑破一個接一個的水泡（那種傷，要怎麼跑下去？）；聽他反覆說著冷到晚上完全無法入睡（零下40度究竟有多凍？）…就在見證一位超馬英雄的同時，你會不會期待導演挖出更多逼近他靈魂深處的真心話？如果有，全片的英雄雕像會不會更立體？

「想贏，而且一定要贏」的決志，誠然是陳彥博通過極地測試的勝利關鍵，因為沒拿到冠軍，就等於白跑了，賽事只有冠軍留名，榮耀只歸贏家，要勝利就要對自己夠狠夠殘忍，但這，不正是多數運動紀錄片最愛凸顯的競雄特質？而他通過這些考驗後，在沒有獎金的賽事奪冠後，是否就能帶出更多代言與出版商機？《出發》如果能在人與事的因果上交代得更多更周密，落在陳彥博身上的明暗光影，就會更勝運動頻道上那些運動天王的形象影片。

坦白說，《出發》就是一部勵志電影，只想打造一位英雄，也確實拍出了一部既譁眾，也很取寵的「好看」電影。全片從頭到尾只有一位陳彥博主角，九成五的話白都是陳彥博在自說自話：拚命拚命再拚命，咬牙咬牙再咬牙，確實符合了極地賽非人道的艱難實況，然而，勵志三次或數十次，效果截然不同；自己說或者別人說，意義亦不相同。創作上的美學選擇，可以成就特色，卻亦畫下了局限邊境了。

青春在台灣：逐夢不悔

紀錄片中的男主角，提起過世的母親，淚水在眼眶中打轉。
紀錄片中的女主角，提起受打壓的青春，淚水奪眶而出。
紀錄片的導演，偕同男女主角重看多年來累積的影像，淚水也潰堤了
青春有淚水相伴，就算變色了，淚水的溫度，依舊讓人無悔。

《我們的青春，在台灣》不是一部有關太陽花學運的紀錄片，而是想要呈現台灣、中國和香港三地青年曾經有過的互動夢想，因為中國肅殺、香港窒閉，這個夢只有在自由台灣才可能發生，也確實發生了，他們用肉身來抵擋紅潮海嘯的勇氣與豪情，讓相信人生理應海闊天空，勇敢追求自由靈魂的青春心靈都有了對話標的。

這部電影能夠接連拿下台北電影獎和金馬獎紀錄片兩項大獎，甚至還能代表台灣去競逐奧斯卡獎，關鍵在於它有時間的累積，亦有衝撞時刻的火花爆裂，而且鮮活呈現了被攝者的靈魂樣貌。因為，導演傅榆的攝影機不但登堂入室了，而且直探了兩位主角蔡博藝與陳為廷的靈魂深處，從娃娃和手機的切入角度，捉準了讓人咀嚼回味的觀察面向。

手機是中國留學生蔡博藝與家人聯繫的直接管道，面對這麼一位不時介入台灣社會運動，甚至發表讓「上級」到府關切的文章，你看不見家人的焦慮面容，但是透過蔡博藝的回話內容，不管是對母親說：「昨天不是才通過電話嗎？為什麼你總覺得好像好久沒通電話了。」或者是回應父親說真後悔送她去台灣念書：「你為什麼強要我接受你的政治信念？」你其實看見了隱身在現實背後的焦躁與不安。

家人的懸念是一種羈絆，但當你聽見蔡博藝用非常生硬的台語唸出「反徵收，護家園」的口號時，聽見她坦承「跟土地的連結不是那麼深，可是跟這群人的連結很深」，然後看著翻開的日記告訴你，她是因為讀到六四事件的文獻，恍然得著政治啟蒙，才決心「走自己的路」，她所有的選擇其實只是一種青春的嚮往與追尋。

至於娃娃，則是陳為廷在太陽花學運期間，因為媒體拍到了他抱著娃娃在立法院角落入睡的模樣，而廣為人知的人物側寫。但也只有傅榆跟著進入到陳為廷閒廢無人居住，以致混亂一片的老家，你才會明白這位從未見過父親模樣的遺腹子，讀小學時母親又去世的孩子，在祖母的陪伴下度過多寂寞又黯淡的童年，滿屋子的娃娃是他唯一能夠談心的親人。傅榆拍到他獨坐桌角，低頭抽著悶菸的背影，你已經明白他是多麼懼怕那種年節返鄉的空虛與寂寞。

轉向在社運圈中找尋志同道合的夥伴，找尋溫暖，多少也註記著陳為廷為什麼會這麼狂猛地燃燒青春，燃燒怒火！更重要的是他不是因為張慶忠「半分忠」事件才想要衝進立法院，傅榆的鏡頭早就拍下了陳為廷在反媒體壟斷運動時，就曾動念衝進立院廣場，還來不及喊完口號，就被駐衛警強行夾出，甚至遭人辱罵三字經的畫面…有此「前傳」，對照後來只能採用別人拍到陳為廷衝進立法院的動態畫面，對於他那種拚命三郎式的青春，就得著了更清楚的脈絡。

是的，傅榆開始跟拍陳為廷與蔡博藝時，他們都只是沒沒無聞的小人物，甚至是NOBODY，卻因為太陽花學運或者參選學生會主席等事件，剎那間NOBODY成了SOMEBODY，也使得昔日的影像頓時價值倍增，問題在於當初插柳怎知日後能成蔭？時乎？運乎？紀錄片工作者的檔案櫃裡得積存多少「無用」的影像，才能換來片刻的「有用」？

然而，關鍵時刻，傅榆沒能趕上，她只能聞風追上，必須採用他人拍下的影像，再用上「停格（影像資料有限？）」和「閃黑」的剪接技巧，凸顯當下那種「稍縱即逝」的急迫氣氛，再補上她對自己未能在現場的懊惱告白，這份「誠實」，正是全片最珍貴的面對態度：變化如此快速，一切根本來不及規劃或安排，學運如此，電影亦然，邊走邊瞧勢屬必然，不知道下一步究竟何去何從的徬徨或者爭議，以及終究還是得退場的必然結果，不但烙印成了太陽花學運無法平復的傷口，也說明了傅榆何以會在影片的後半段失控暴哭，因為暴走與迷航，同樣是青春的伴手禮。印度哲人泰戈爾曾經這樣說過：「Age considers; youth ventures.（老人思之再三，青年啊衝啊衝）」但他也曾經這樣補充：「青春是沒有經驗和任性的。」電影中兩位主角和導演先後流下的眼淚，都可以這樣理解。

過去那段「無用」歲月的陪伴，讓傅榆的攝影機在「有用」時得能進入其他人無法深入的核心會議，那種「信靠」，讓她拍到了許多「內幕」，但也唯有她的「持續」拍攝才得以在一次行車途中，錄下了一度想要選立委的陳為廷向戰友坦承媒體在第二天即將爆出他性騷擾醜聞的「實況」，也見證了同車友人一度想要「遮醜」，但他知道終究難以迴避，除了面對別無他法，傅榆的鏡頭沒有護短，但因此呈現出的陳為廷寫真，才有了明暗兼具的立體光影了。

開始記錄陳為廷時，傅榆28歲，影片公映時，她已36歲；被攝時，陳為廷才21歲，如今已經29歲。歷經學運和選舉激盪，青春早已幻變，香港的黃之鋒入獄了，中國的蔡博藝繼續著她的學業，陳為廷要到美國深造…昔日的容顏和心境早已褪色或斑駁了，有關青春的記憶都只留駐在電影底片中，但是曾經一起走過那段時光的NOBODY們，應該慶幸青春曾經如此風雷過，青春無悔，不悔青春，或許這是《我們的青春，在台灣》替當代台灣孩子留下最有質量的青春紀錄了。