藍色電影夢

早上觀看奧斯卡頒獎典禮，只驚鴻一瞥瞧見了我心儀的法國作曲家亞歷山大．戴斯培（Alexandre Desplat），感覺他有點落寞，雖然《王者之聲：宣戰時刻（THE King’s Speech）》囊括了最佳影片、導演、編劇和男主角四項大獎，但是音樂獎再度擦肩而過，豈能無憾？我想他更想問的是：奧斯卡獎難道是全世界最難拿到的獎嗎？

去年的風光就不說了，光是今年2月15日的英國電影學院獎（BAFTA），他就先以《王者之聲：宣戰時刻》摘下了最佳電影音樂獎，10天後的2月25日，由五十位在歐洲和美洲的平面、廣播和網路上從事影視原聲音樂新聞報導的撰稿人所組成的國際電影音樂評論協會（IFMCA），雖然把年度電影音樂獎頒給了作曲 家John Powell的得意力作《馴龍高手（How To Train Your Dragon）》,卻也不忘尊封他為年度作曲家，因為他不但《王者之聲：宣戰時刻》音樂精彩，去年還有一部《獵殺幽靈寫手（The Ghost Writer）》同樣不宜忽略（其實還有一部《哈利波特：死神的聖物Ⅰ（Harry potter & The Deathly Hallows: Part I）》 同樣不俗），就是無能在年度最後一役奧斯卡盛會上如願摘冠，這次打敗的他的不再是《127小時（127 Hours）》的印度作曲家A. R. Rahman，而是大黑馬，《社群網戰（The Social Network）》的Trent Reznor和Atticus Ross，看著他臉上那一抹淡淡的憂鬱，似乎私下又是一聲無奈的長歎。

我不太懂美國影藝學院會員的音樂品味，《社群網戰》的音樂基本上是低限主義與電子音訊的高度配合，用來詮釋「臉書」網站的主人翁傳奇，其實有著一種機械冰冷、創業熱情與友誼背叛的環境氣氛在內，問題在於這樣的音樂效果固然有「配樂」功效，卻少了共鳴互動，反覆哼唱的旋律感染力，能否傳世？確實值得觀察，《王者之聲：宣戰時刻》與《127小時》雖然都不是兩位作曲家的頂尖之作，但就聆賞性而言，卻是遠超過《社群網戰》，只能說品味不同的評審，自然就會選出不一樣的得獎名單，我替戴斯培扼腕的只在於他真得少了奧斯卡的得獎緣，2006年作品《黛妃與女王（The Queen）》輸給了《火線交錯（Babel）》；2007年作品《班傑明的奇幻旅程（（The Curious Case Of Benjamin Button）》）》輸給了《貧民百萬富翁（Slumdog Millionaire）》，我都只能以「緣份未到」來形容了。

坦白說，我覺得過去一年中，最有潛力，也最讓人意外的配樂作品確實要算是《馴龍高手》, 英國作曲家John Powell來到好萊塢發展後，左手寫動畫片配樂，右手寫動作片配樂，都交出了讓人驚豔的成績，不論是《冰原歷險記（Ice Age）》系列，或者《快樂腳（Happy Feet）》、《落跑雞（Chicken Run）》到《機器人歷險記（Robots）》，華麗流暢與調皮古怪，兼而有之；《神鬼認證（The Bourne Identity）》、《史密斯任務（Mr. & Mrs. Smith）》等片的動感節奏也都更替電影助長了緊張氣勢，雖然奧斯卡也一樣未能給予桂冠肯定，但是我相信這位創作才子一定還能寫下更多精彩作品，值得期待。

以下就是2010年國際電影音樂評論協會（IFMCA）的得獎名單：

年度電影音樂FILM SCORE OF THE YEAR

《馴龍高手（HOW TO TRAIN YOUR DRAGON）》, 作曲 John Powell

年度作曲家FILM COMPOSER OF THE YEAR

01.Alexandre Desplat

年度新秀作曲家BREAKOUT COMPOSER OF THE YEAR•
05.Nuno Malo《葡萄牙歌后AMÁLIA（AMÁLIA）》

最佳戲劇類電影音樂BEST ORIGINAL SCORE FOR A DRAMA FILM

 《王者之聲：宣戰時刻（THE KING’S SPEECH）》, 作曲 Alexandre Desplat

最佳喜劇類電影音樂BEST ORIGINAL SCORE FOR A COMEDY FILM

《燈塔看守人（ THE LIGHTKEEPERS）》, 作曲 Pinar Toprak

最佳動作冒險驚悚類電影音樂BEST ORIGINAL SCORE FOR AN ACTION/ ADVENTURE/THRILLER FILM

《獵殺幽靈寫手（THE GHOST WRITER）》, 作曲 Alexandre Desplat 

最佳奇幻恐怖類電影音樂BEST ORIGINAL SCORE FOR A FANTASY/SCIENCE FICTION/HORROR FILM

《創：光速戰紀（TRON: LEGACY）》, 作曲 Daft Punk

最佳動畫片音樂BEST ORIGINAL SCORE FOR AN ANIMATED FEATURE

《馴龍高手（HOW TO TRAIN YOUR DRAGON）》, 作曲 John Powell

最佳紀錄片音樂BEST ORIGINAL SCORE FOR A DOCUMENTARY FEATURE

《海洋（OCÉANS）》, 作曲 Bruno Coulais

年度電影音樂創作單曲FILM MUSIC COMPOSITION OF THE YEAR

《魔境夢遊》“Alice’s Theme” (Danny Elfman)

最佳電視連續劇配樂BEST ORIGINAL SCORE FOR A TELEVISION SERIES

HUMAN TARGET, 作曲 Bear McCreary
 

最佳電玩或互動多媒體原創音樂BEST ORIGINAL SCORE FOR A VIDEO GAME OR INTERACTIVE MEDIA

• CASTLEVANIA: LORDS OF SHADOW, 作曲 Óscar Araujo

最佳重新發行電影配樂BEST ARCHIVAL RELEASE OF AN EXISTING SCORE

《莫夫莫敵（SPARTACUS）》, 作曲 Alex North (Varèse Sarabande)

年度電影音樂唱片品牌FILM MUSIC RECORD LABEL OF THE YEAR

La-La Land Records

參加比賽，獲得入圍，誰不想得獎？獲得入圍卻不能得獎，誰不懊惱？贏家可以歡喜可以哭，可以站到椅背上狂呼大叫，做什麼都對，輸家除了強顏歡笑，猛力拍掌，很難再有其他反應，只能把悲傷、不解、憤怒的情緒偷偷埋在心裡。

但是作家多了一項選項，可以透過筆，寫下參賽心情，提供另類的競賽觀察。

李安導演執導的《斷背山（Brokeback Mountain）》在2006年的奧斯卡盛會上，獲得了八項提名，最後拿下了最佳音樂、改編劇本和最佳導演三項大獎，呼聲最高的最佳影片一獎，卻意外輸給了《衝擊效應（Crash）》，李安不曾在公開場合抱怨過此一結果，反而是《斷背山》的原著小說作者安妮．普洛（Annie Proulx）在參加了三個半小時的奧斯卡頒獎典禮後，發表了一篇名為「紅地毯上的鮮血（Blood on the Red Carpet）」，火辣表達了她的不滿情緒。

描寫牛仔同志情的《斷背山》，在那一年的奧斯卡盛會上遭到很多宗教團體與衛道人士的批判，《衝擊效應》的意外出線，成了避開爭議鋒頭，比較安全的一項選擇，卻讓安妮．普洛極為不滿，她第一次提到《衝擊效應》時，就點名《衝擊效應》的發行公司Lions Gate曾經大量散發DVD給影藝學院的會員，試圖影響他們的投票選擇（很多人來不及出門看電影，能在家看DVD，也是一種有效的拉票方式），結果呢，老太太竟然寫下了以下的這句名句：「And rumour has it that Lions Gate inundated the academy voters with DVD copies of Trash – excuse me – Crash.」直接用「垃圾（Trash）」來形容「Crash／衝擊效應」，即使她在中間加了一句「對不起」，卻絲毫讓人感受不到「對不起」的「誠意」，反而更強烈感受到她為《斷背山》受屈而叫屈的憤怒情緒了。

這篇文章中還對《斷背山》八項提名只獲得三項獎的結果，與Peter Jackson執導的新版科幻電影《金剛（King Kong）》一樣多（包含音效剪輯、混音與視覺效果三項獎），拿《斷背山》比《金剛》，確實有一種張飛打岳飛的錯亂感覺，但是從統計數字的觀點來看，《斷背山》與《金剛》同樣都獲得三座奧斯卡，自然就會列入同一等級的作品了。

至於頒獎人傑克．尼柯遜( Jack Nicholson)唸出最佳影片得主是《衝擊效應》時，安妮的現場觀察是「先是一陣錯愕，然後掌聲響起…畢竟選擇「長鼻怪」（小熊維尼的好友），遠比選擇一部爭議作品要安全得多了。」

整篇「紅地毯上的鮮血」有很濃郁的《斷背山》情意結，甚至安妮本人都在文章的結尾很直接地告訴讀者：「是的，你可以說我是酸葡萄。」但是今天寫這篇文章不是炒冷飯，算舊賬，而是安妮在文章中提出一個很有趣的觀點：什麼樣的演技才是真正的表演？

安妮認為好萊塢偏愛「模彷」，也推崇栩栩如生的模彷，演員只要能活靈活現地詮釋出一位曾經有血有肉，有翔實的文獻資料，有圖片、影像或者錄音可以參考模彷的真實人物，就容易獲得辨識與肯定（《斷背山》那一年的影帝得主是在《柯波帝：冷血告白（Capote）》中飾演同志作家楚門．卡波提（Truman Capote）的菲力普．西摩．霍夫曼（Philip Seymour Hoffman），當年他改腔變調，扭捏變性地重現楚門．卡波提風情的表演，贏得了無數肯定。但是安妮的質疑卻是這種有所本的表演比較難？還是只有劇本上寥寥數行的文字描寫，必需靠著想像力，深入字裡行間去挖掘、揣摩、體會角色性格，從渾沌無知的情境下去添血加入賦了人氣靈性的表演比較難？

安妮的文章用意是替（《斷背山》獲得提名卻未獲獎的影星希斯．萊傑（Heath Ledger）、傑克．葛倫霍（Jake Gyllenhaal）和蜜雪兒（Michelle Williams）三人叫屈，不過她勾起的話題：有所本比較難？還是無所本比較難？確實是個有趣的話題，雖然難有定論，卻能刺激思考。

有所本，一定要形似，最怕被人罵成不像，所以今年奧斯卡的熱門影帝人選中，《王者之聲》立刻就會面臨柯林．弗斯（Colin Firth）像不像喬治六世的檢驗，《社群網戰》的傑西．艾森柏格（Jesse Eisenberg）和《127小時》的詹姆斯．法蘭科（James Franco）同樣都是有真人實事可資參考，一旦形不似，必遭批判，至於神似有幾分？或者能不能給予更鮮活有力的新詮，似乎也就成為很空洞的形容詞了。同樣地《真實的勇氣》傑夫．布里吉（Jeff Bridges）同樣面臨著與前輩影星約翰．韋恩（John Wayne）的演技競賽…形似與神似，其實都脫離不了複製的本質，希臘哲人柏拉圖在千年前即已界定藝術即是模彷，所謂表演的顛峰就在於複製得多逼真嗎？我無法提供答案，只能反覆咀嚼與思考。

柯恩兄弟（Ethan Coen,和Joel Coen）合力編導的《真實的勇氣（True Grit）》雖然獲得了2011年奧斯卡獎的十項入圍提名，偏偏，就缺了提供觀賞起味的音樂這一項，作曲家卡特．布威爾（Carter Burwell）的成績如此優異，卻連提名資格都未獲得，雖然關鍵原因在於電影旋律的改編成份多過原創，但是每回音浮動而出時，戲劇與人物情感，早已躍然銀幕，對我而言，這麼傑出的音樂成績，卻不能得到應有的掌聲，毋寧是莫大的遺憾，因為高明的改編，未心就遜於原創，動人的元素其實存乎一心，也存乎創作者的匠心。

以往，美國西部電影的音樂總是強調史詩或者陽剛氣勢，經典的《西部開拓史（How The West Was Won）》如此，《豪勇七蛟龍（Magnificent Seven）》亦然，《與狼共舞（Dance With Wolves）》雖然多了些蒼涼悲壯的氣息，本質上仍然屬於史詩寫作的格局，卡特．布威爾替《真實的勇氣》打造的音樂基調卻是基督教的新教徒讚美詩（Protestant hymns）風情，甜美溫馨中另外帶有一種堅此百忍，為達目的絕不罷休的生命頑強意志，鋼琴彈出的電影主題樂聲中，彷彿另有教堂風琴所傳遞出來的信仰力量與共鳴空間，非常另類，出人意料，主題誦唱完之後，管弦樂團隨後跟進，帶出一段風雲際會的生命感受，極其動人。

音樂曲風的選擇，當然與作曲家和導演對於電影的理解有關，《真實的勇氣》是根據作家Charles Portis在1968年出版的小說改編而成，小說從一位女性Mattie Ross（瑪蒂．羅斯）的回憶觀點，訴說起她在二十五年前深入不毛西部，為父復仇的往事，《真實的勇氣》的電影版本非常接近原著，開場和結尾都是瑪蒂的旁白聲音，清楚交代了她曾經有過的心態與想法，「我和伊森的想法很接近，都認為電影的出發點既然都在瑪蒂身上，她相信為父復仇是正義，是公理，她的一切主張與作為都是理直氣壯的，音樂從她身上出發，確實可以找到足以詮釋的觀點。」卡特在接受美國incontention.com網站的Guy Lodge 電話訪問時就曾經如此透露（詳情請聆聽Carter Burwell on musical inspiration for ‘True Grit’）的訪問，更重要的是他在了解電影劇本結構，開始作曲之時，不約而同地與柯恩兄弟都認為「新教徒讚美詩」是最適合的曲風，已經與柯恩兄弟合作過十四部作品的卡特，就是如此意氣相投地選擇共同的默契出發。

傳統西部電影都強調銅管小號的吹奏氣勢，再搭配弦樂器或者口琴來突顯西部槍俠的特殊性格與氛圍，《真實的勇氣》被譽為恢復了美國西部電影的傳統，關鍵在於電影保留了極多的傳統元素，卻又重新定義，開發極多面向，例如曲名為「Taken Hostage」、「One Against Four」和「River Crossing」等曲目，就遵守著傳統西部電影的配樂傳統，從小喇叭到定音鼓無不齊備，很能表現緊張氣勢，但是以「新教徒讚美詩」主軸的主旋律，卻在鋼琴和單簧管等不同樂器的詮釋下，讓觀眾聽見了一位弱女子在無情又無法無天的西部大地上堅持信念，完成復仇志願的跋涉歷程，濃郁的教堂音樂本質，讓《真實的勇氣》展現了極其寬廣的人文角度。

卡特．布威爾參考的聖詩音樂主要是「Leaning on the Everlasting Arms」讚美詩，既甜美又熟悉的曲調，因此給了聽眾非常親切的歷史與宗教連結，歷刦歸來後所聽見的「What A Friend We Have In Jesus」一曲，更因為國小時分就有中文的改編歌曲版本【野餐】，而有了完全不同的印像連結，聽了曲調就會開始跟著吟唱起「今天天氣好清爽，陌上野花香；青山綠水繞身旁，小鳥聲聲唱；四方好友來相聚，語多話又長；野外共餐多舒暢，彼此祝安康。」更有了一種意外的親切感動。至次結尾時採用的Iris DeMent女聲演唱「Leaning on the Everlasting Arms」版本，更讓人聽見了一位堅強女性一肩擔起復仇重擔的意志與豪情，音樂頓時成了《真實的勇氣》最溫馨又最甜美的記憶了。

卡特．布威爾是在紐約市郊區長大的孩子，從小跟一般人一樣，被父母押著去學鋼琴，可是恨死了鋼琴，逮到機會就放棄了鋼琴，一直到唸高中的時候，有一位同學想要表演爵士藍調歌曲，需要一位好手來替他伴奏，即興彈奏藍調音樂，找上了他幫忙，他即興隨手彈弄了一下，才發現原來彈鋼琴是這麼好玩的事。從此，他就不再排斥鋼琴了。

上大學時，宿舍裡有鋼琴陪著他，就業後，他堅持家裡一定要有鋼琴，甚至主動和朋友組織了一個搖滾樂團，他就負責彈鋼琴，即使年輕時期的玩伴都已經改行做其他事業了，只有他一直守著音樂，守著高中時候的夢想。他和音樂的結緣過程，充滿了魔幻魅力。

這段少年往事，說明了卡特布威爾不盲目追隨潮流，不願意跟著別人瞎起鬨的心理特質，即使現在已經是好萊塢頂尖知名的作曲家，他還是一直在追求不一樣的表現方式，「重複自己的作品，簡直就是要我的命！」卡特說。

他的人生充滿了意外，玩前衛龐克音樂是他的業餘興趣，不過，他從來沒有想過要當作曲家。在哈佛大學唸的是建築，畢業之後，第一個工作卻是到生物實驗室做檢驗員，成天做ＤＮＡ的篩檢工作，後來受不了一成不變的工作形態，想要嘗試有創意的工作，才開始從事動畫和廣告工作，一度還替日本卡通畫過圖，完全沒有想到會替電影作音樂。

一九八四年，受到美國獨立製片人士高度推崇的柯恩兄弟籌拍第一部劇情片《血迷宮（Blood Simple）》的時候，找上了名不見經傳的卡特來替電影作曲。當時，卡特不但不懂電影音樂該怎麼做，更不懂得柯恩兄弟要求的古典音樂曲風型式，「可是，我願意去學。」卡特就以充滿誠意的一句良心話，感動了柯恩兄弟，大家都是出剛出道的年輕人，天下沒有不可能的事，於是放手去試，沒想到《血迷宮》一鳴驚人，不但柯恩兄弟成為影壇新寵，卡特清涼有勁的音樂曲風也吸引了很多製片人的耳朵，新片邀約相繼而來，完全開啟了卡特的人生新頁。

柯恩兄弟的電影堅持獨立製片的精神─只問電影該怎麼拍，不問觀眾會怎麼想，不為市場修正創意，雖然預算只有幾百萬美金，但是一切自已掌控，就是能拍出千萬美金大片的質感和創意，在這樣的工作環境下，卡特覺得實在是再好不過的創作環境了，他可以盡情地發展自己的音樂細胞，因為柯恩兄弟很明白藝術家的血性，只有尊重，沒有破壞。多年來，柯恩兄弟的作品多數都是他來負責音樂創作，電影得過坎城影展的最佳影片肯定，作曲也得過奧斯卡的提名讚譽，如今他成為好萊塢最搶手的作曲家之一，絲毫不讓人覺得意外。

每次開始創作的時候，他都會要求自己能夠針對電影故事和題材去做研究功課，他認為這段讀資料的歲月是最有趣的時間，只有透過這個學習的過程，工作不只是工作，而是可以從中能學到一點新東西，新的表現手法和意境詮釋，如果一下接太多案子，少了這種做功課的實驗樂趣，反而是他最不樂見的事了。

卡特是在紐約長大的孩子，如果說美國是世界人種的大熔爐，紐約就是熔爐裡最紅的爐心，在那個文化衝撞，人來人往，充滿噪音和干擾的時空下長大，每天跟著各色人種一起擠地下鐵，卡特說他自然養成了對異質文化相溶相吸的適應力，所以音樂風格的岐異多變，對他而言，一點都不是難事。但是他最喜歡的休假小屋卻是在加州濱海，罕無人煙，冬天還得自己檢柴火來燒才能度冬的野外地區，他用絕對的孤寂，來平衡自己在俗鬧中呼吸走動的生命。

卡特不否認，在電影的世界中，音樂很難單獨存在，通常是附屬於影像的元素之一，它一定要能和影像產生連結共振的關係，才可以帶動共鳴的震撼力。所以他在創作的過程中，他先問自己寫曲寫得開不開心，然後才去考慮，觀眾聽到這樣的音樂是不是會產生什麼特別的反應和聯想。

柯恩兄弟的電影音樂通常都有著滿沈重陰鬱的主題，《冰血暴（Fargo）》中的男女主角經常得去處理屍體，面對人生中最血腥殘忍的一面，所以他在創作音樂時，一直希望反其道而行，讓觀眾有一種很坐立難安的感覺，因為觀眾看到劇中人陷入困境時，心理就會產生一種如何幫助劇中人的焦慮，一旦此時聽見了不舒服的音樂，反而可以宣洩這種焦慮，音樂的震撼力量就格外地大。

雖然作品風格多數陰泠低沈，但是布威爾童年時最喜歡的電影音樂卻是「007」主題音樂，那一年他才十三歲，還不會賺錢，他卻把僅有的一點零用錢拿來買「007」的電影原聲帶，在他的心目中，007音樂所傳達出來的浪漫英勇音符，有一種神秘特質，讓人聽了就興奮，是刻畫最成功的音樂烙印。

一套《千禧年三部曲（Millenium trilogy）》的三本小說，能夠讓瑞典導演搶拍成電影，再讓好萊塢大導演大衛．芬奇（David Fincher）同意重拍《龍紋身的女孩（The Girl with the Dragon Tattoo）》，關鍵全在於史迪格．拉森（Stieg Larsson）的原著布局詭奇嚴密，讓人順著劇情繞轉，急著一窺究竟。

從《龍紋身的女孩（Män som hatar kvinnor）》、《玩火的女孩（Flickan som lekte med elden）》到最終章《直搗蜂窩的女孩（Luftslottet som sprängdes）》，編劇從Nikolaj Arcel 、Jonas Frykberg 到Ulf Ryberg換了三人，導演亦從第一集的 Niels Arden Oplev，換到了接拍二、三集的Daniel Alfredson，再怎麼變，其實都脫不著原著框架，電影的表現手法或者節奏感算是流暢，卻沒有好萊塢那麼煽情嗜血，反而多了點歐洲的優雅自適，節奏不影響劇情，關鍵就在於原著結構紮實，確有內容引人入勝。

《千禧年三部曲》的主題其實只有一個：「瑞典有18%的女性曾一度遭男性威脅。」女主角Noomi Rapace飾演的莎蘭德從第一集《龍紋身的女孩》就備極辛苦，坐過捷運也會遭惡少毒打，自己的監護人更是人面獸心，拿法律和金錢做要脅，填補自己的變態性欲，這場男性暴虐戲拍得讓人痛心髮指，然而莎蘭德靠偷拍自保，進而在監護人肚皮上刺青復仇的戲份，確實也成了第一集中最大快人心的高潮，但是史迪格．拉森的高明則在於好戲不應浪費，如果只是受欺女性的復仇，未免就做小了，那張自拍光碟，在第二集《玩火的女孩》中成了男主角Michael Nyqvist飾演的記者布隆維斯特真正認識莎蘭德的揭秘密件，到了第三集的《直搗蜂窩的女孩》時，更是法庭審判上，得以推翻所有男人讕言，扭轉勝負的重要証物。

小說即使厚達三大冊，人物性格和相關細節都是完整的一體；電影即使拍了三集，前頭出現的人物與細節，也得能在最後的關鍵時刻發揮力量，都說明了創作者確實用心打造，《魔戒三部曲》如此，《千禧年三部曲》更是精彩實証。

莎蘭德的苦情際遇確實是《千禧年三部曲》的核心關鍵，雖然從父兄、監護人到教養院醫生都是剝削凌辱她的爛人，但從駭客、布隆維斯特到急救醫生，卻也都有著良善與體貼的摰情關照，光明與黑暗的對照呼應，處理得相當平衡，不致淪為一面倒的性別批判。不過，更有趣的卻也在於莎蘭德與布隆維斯特的患難情誼，有相知相惜，甚至可以交心託命，但是也僅止於此，即使有救命之恩，卻也未必硬要扯上情愛關係，即使布維隆斯特在雲開見天青後上門探視，不懂得與人相處，不會處理人際關係的莎蘭德也依舊冷漠相待，沒有相擁，亦沒有任何感謝言詞，雖然難免讓期待激情的觀眾有些許失落，卻吻合了莎蘭德一以貫之的酷女形像，基本上，她的性傾向亦是對女性較有好感，志同道合的生死情義，不做任何夾纏，也是首尾呼應的一貫語法。

比較讓人失望的無法是那幫利害關係錯綜複雜的歹徒，年輕氣盛時，政商關係亨通的他們胡作非為，作孽無數，年老之時，面對真相即將曝光的困獸之鬥，基本上卻是靈光與風光同時不再，久病殺手勉強得逞，年輕殺手卻是來不及出手即告失手，壞人不夠壞，歹徒不夠囂張（例如，只會打電話和寫email威脅千禧年雜誌社同仁的虛張聲勢手段，是連一般黑道都不如的慢郎中手法了），以致仿國家公權力只要動員起來就能手到擒來的的簡單邏輯，都大幅降低了《直搗蜂窩的女孩》的緊張氣氛，同時更因為拿光碟做救命王牌的策略早早就曝了光，也就少了乾坤逆轉的震撼了。

原著提供了豐厚的骨肉，但是只有翻譯文字的影像詮釋版本，就「小說改編」的要求而言，明顯是不夠的（我們已經無需討論Michael Nyqvist飾演的記者布隆維斯特是如何的平庸平凡，如何地無法滿足觀眾的想像），電影善用的伏筆，其實都來自小說，電影少了自己的語言與魅力，自然就蒼白了許多，或許這些都是好萊塢致力重拍的關鍵原因了。