不拍電影，就來作畫，甚至還可以作曲唱歌，出版單曲，大衛．林區的生命能量真是讓人豔羨。 閱讀全文 大衛林區：我歌月徘徊
分類: 大師
約翰貝律：知心才動人
「我不過是創作了音樂，卻能擊碎人家的心，確實是太美妙的事了！」猜猜看，這句話是誰說的？這句話是作曲家約翰．貝律（John Barry）說的。
在比利時根特舉行的第十屆世界電影音樂獎，今年
他在2006年接受英國電訊報訪問時曾經透露自己的創作秘密時：「先從旋律開始吧，先彈出一段自己開心的旋律，加上和弦，再添加上更有趣的對應樂句(Counter Melody）。」
約翰最為世人尊崇與記憶的要屬電影配樂，他的創作秘密其實很簡單，先要有愛，融入感情，再戲劇化地表現出來，他曾經對英國電訊報的記者如此強調：「做一位作曲家，你一定要愛上某一場戲，該笑就要笑，該哭就要哭，音樂只是工具，重要的是你得先用耳朵和眼睛，戲劇化地描繪出來。」
作曲家愛上電影的創作秘密，回歸到電影本身其實才會更清楚明白的，2009年他接受《浮華世界（Vanity Fair）》一篇名為「The Man Who Knew the Score」的專訪文章上提到《遠離非洲》的創作心路。
《遠離非洲》那場經典戲是男主角勞勃．瑞福（Robert Redford）駕駛著雙人座小飛機，載著女主角梅莉．史翠普（Mereyl Streep）騰空飛行去遍覽非洲原野風情，飛行的高度改變了世人對非洲的認知，山河壯麗，白雲靄靄，在草原上奔馳的野獸威風凜凜，掠過機肚下的群鳥，搭配慢板且略帶悲壯氣息的音樂旋律，自然油生了莊嚴神聖的煽情力量，滿心感動的梅莉此時悄悄伸出右手，讓坐在後座的勞勃緊緊握住，「此時無聲勝有聲」，兩人盈手一握，千言萬語盡在其中，全片此時只剩約翰的音樂陪著他們一起飄浮，一起浸泡在愛情的蜜甜中。
一位這麼懂得人間深情的音樂人，其實最早的時候卻是靠動作電影的配樂崛起影壇的，約翰．貝律曾經替十一部007電影創作過配樂與主題歌曲，聽他比較動作片與文藝愛情片的配樂手法，其實是很有啟發性的一堂課，《浮華世界》的專訪中他特別說明：「動作片配樂的基本精神就是跟著動作走，像飛豹一樣追逐英雄榮光，無需夾雜任何的纖細感情；文藝愛情電影的配樂關鍵在於你要懂得電影主角的感受，懂得他們的心，你就捉住了愛的力量了。梅莉把手往後一伸讓勞勃握住的那一幕，就是全片的黃金高潮，那是情人心意相通的剎那，看到那一幕時，我心都碎了。」
心碎的作曲家，懂得怎麼樣透過音符讓觀眾的心也跟著碎了，約翰的音樂總有種特別的魔法，樂音輕輕浮動起來的時候，似乎就有人附在耳邊向你私語：「哭吧！」就在音樂攀附高潮時，你的淚水也就神奇地竄流而下，「音樂為什麼會動人？你很難解釋的，動人的方式無非就是因為它以最美麗的方式打動了你，或者用最傷情的方式，破碎了你的心。」
藝術總在追求永恆，但是永恆是什麼？能讓你願意時時勤拂拭，每回重看，依舊感動，依舊窩心的，就是永恆，今天寫這篇文章，聽著樂音，想起畫面，美麗就在眼前，永恆就在眼前。
李路許：難忘俄羅斯
第卅二屆莫斯科電影節已於六月十七日揭幕了，第一天就頒發了傑出貢獻獎給法國大導演克勞德．李路許（Claude Lelouch），他的新作《愛情啟示錄（Ces amours là）》就是影展的開幕作品。 閱讀全文 李路許：難忘俄羅斯
盧卡斯：電影畫家論
押井守：大師有大器
一般而言，偉大的心靈，才能創造偉大的作品。創作者的心胸氣度，決定了作品的成就。
《王者天下》的導演雷利．史考特通常不去看別人的電影，不想知道別人做了啥，就不會悄悄受別人影響。那是開天闢地的大宗師對自己的嚴格要求，因為他相信自己的作品一定會帶動跟風，那是藝術家的良知與豪情。
雷利．史考特的《異形》就是典型，知名的美國文化評論家蘇珊．桑塔生前就以《異形》為例，歸納出災難驚悚電影的五大元素，非常有趣。這五大元素為故事現場一定會（1）出現異象，也有先知目擊異象；因此（2）先知做出預言，而且很快就逐一驗証，原本被視為異類的先知因而就會（3）受邀提出報告或成為避難險的決策關鍵人士；可是一旦我們把所有的希望加諸先知的身上時，（4）他的家人或親近之人就會遇險受苦，等待救援；可是不管情勢有多艱險，（5）先知都能找出方法逆轉頹勢。
雷利．史考特的《銀翼殺手》也是經典，喜愛科幻電影的人一定不會忘記史考特在這部電影中所打造的：（一）奇觀的構圖．前衛的視覺，不會忘記電影所討論的（二）機械與肉身．靈魂與生命的議題，至於電影強調的（三）灰濛的色彩．空虛的人生，更是機械文明世界的酷冷基調。《銀翼殺手》所樹立的科幻標竿歷來已經有無數的傳奇，最簡單的說法是有許多的電影愛好者在看完《銀翼殺手》後就堅定自已要投身電影工作的決心，九０年代開始被全球科幻和動畫迷尊稱為大師的日本導演押井守就是其中之一。
押井守的電影主題基本上都不脫雷利．史考特的綱目範疇，但是格調更清泠，主題更前衛，科幻的哲思更龐大，動畫和影像的構成更繁複，不過，不管他怎麼精進，他人前人後從不諱言雷利．史考特對他的啟蒙和激勵影響。
敢於承認自己的師承，敢於坦白自己孺慕的大師，一點都不丟臉，也不汗顏的。人生到處是學問，受到別人的生命、生活或作品的啟迪，天經地義，問題在於很多人急著要撇清，急著做頂天立地的大宗師，就怕被人看破手腳，拆穿創意靈感的源頭。
押井守的成名作要算《攻殼機動隊》，後來，轟動全球的《駭客任務》從敘事架構、人體神經卡筍上網的有機連線構想到虛擬與真實世界的對話辯証，更讓影評指出到處有《攻殼機動隊》的影子，反而是押井守跳出來說：「這其實是兩部完全不一樣的作品，你或許會覺得影像或內容有些相似，但是不一樣就是不一樣，不必硬要牽拖。」
押井守這樣說的原因有二，第一是：「我真的不認為這是誰偷了誰的點子或創意的問題，日本電影從『原子小金剛』開始所帶動的科學機器人浪潮，不也有許多點子是向好萊塢取材的嗎？文化就是相互影響的。」押井守幼稚園時就迷上了好萊塢的科幻電影《This Island Earth》，誰也不知道科幻或電影的種籽是何時，又是如何植進他的血脈基因中的。
他的第二個概念是：「日本電影除了《銀翼殺手》之外，也向史丹利．庫布立克的《2001太空漫遊》和《魔鬼終結者》取材，大家都受過這些經典電影的影響和啟發，一旦創意成為典範，大家爭相取材，從中再發展出自己的創意，人類文明不都是沿著這樣的步驟演化而來的嗎？」
弱勢文化先從抄襲、取經開始，等到信心和能力都培養出來時，自然就會有自己的語言和發想因運而生。陽光底下沒有新鮮的事，飲食男女的事，時時刻刻都在重複發生，但是創意人就是能在耳熟能詳的生命現象中走出自己的道路，寫下讓人讚歎的詩篇。
東京得獎：恭喜侯孝賢
2005年十月三十日晚上,東京影展頒獎典禮上,黑澤明導演的長女黑澤和子把「黑澤明獎」頒給了侯孝賢導演。
從美聯社傳回來的照片顯示,侯導穿上了大禮服受獎,那是1989年他以悲情城市在威尼斯影展得到大獎,1993 年以戲夢人生獲得坎城影展評審獎時,我第四次看到他穿上了大禮服（另外的一次，與獎無關，以後再說了）。
三十日白天看電視新聞,第十八屆東京影展影展主席角川歷彥、評審委員長品田雄吉在記者會上宣佈黑澤明獎得主時,侯導還是一身便服,衣襟都沒塞進褲子裡就上台面對各國記者了,那是他平常最舒服自在的模樣; 記者會上可以輕鬆自在,正式場合上,侯導的盛裝顯示了他在國際場合上自有分寸。
日本影壇109年來( 歷史最悠久的松竹是在1896年開始拍片),出過無數的知名導演,從小津安二郎、溝口健二到伊丹十三、北野武和宮崎駿,沒有人比黑澤明更出名,更有國際影響力,1998 年他辭世時,「電影天皇」駕崩,成為日本影壇最貼切的形容詞。
黑澤明生前一直很支持東京影展,1985 年第一屆東京影展就以他的《亂》做為開幕片,從第二屆開始,主辦單位還特別特別舉辦「會見黑澤明」的記者會,讓各國媒體和影人都有機會和大師面對面,聽他講述創作心法,當你聽到一位八十多歲的巨人還以強健的聲音告訴你說: 「只要能夠,我還要繼續拍下去。」你真的很難不動容。
不管東京影展二十年來( 早期是二年一次)辦得成不成功,東京影展能以黑澤明命名,頒獎給傑出影人,就意謂著他們對電影藝術的重視,侯孝賢能以台灣導演的身分獲獎更是不容易,畢竟台灣電影奄奄一息,只靠少數大師在苦撐,但是侯孝賢的《咖啡時光》深獲小津安二郎的精髓,既拍出了東京風情,又呼應了當代父女的困境,觀察之敏銳,視野之廣闊,卻是日本人由衷嘆佩的。
更重要是,很多人年過半百之後,腦袋即成已漿糊,卻還自以為是,創作腳步不住蹣跚,但是侯孝賢在2005年的《最好的時光》中以「戀愛夢」記錄往事,以「自由夢」開創新形式,以「青春夢」探索未來的創作能量,卻是讓多數人震驚莫名的,侯孝賢在東京記者會上說他「每拍一部電影就都自認為是一個新階段的開始」,其實不是謙虛,從他的電影中我真的看到他源源不斷的創作力。
但是台灣的媒體真的重視侯孝賢的成就嗎？你只要去比較四大報紙的版面處理,只要你看到中天新聞台敢打上「獨家」字樣,你就知道台灣人是真的太不珍惜自家的國寶了。十月三十日的國際外電上,台灣是以禽流感的雞鴨飛禽畫面躍上外電的,但是侯孝賢今年十月就已經在釡山和東京影展上讓台灣的名字一再成為國際報導的重點。
雖然,我時常覺得新聞局長姚文智的行政作風太粗糙,但是侯孝賢一得獎,姚文智就立刻拍發了賀電,至少還算是在做事,也做了該做的事。
2004 年,國家文藝獎增設電影獎時,眾望所歸的得主就是侯孝賢,但是國藝會卻在評選階段時要求藝術家先填寫同意書,表明同意參選的意見。當年我是評審之一,奉大家決議出面與侯導溝通,侯導想都沒想,立刻就回絕了,那種淡泊名利的心胸,讓我深受感動,後來,杜篤之出線,侯孝賢還立刻同意出任頒獎人,會場上,他還得意地拍拍我的肩說: 「這樣的結果,多好! 」
2005年,國藝會更改了規定,侯孝賢理所當然成了國家文藝獎得主。他不主動求獎,獎卻一一上門,今年從天而降的加菜金至少就有四百萬了,站在旁觀者的立場上來看,實在是只能以: 「哇! 」來形容了。
我很喜歡在讀完台灣的媒體報導上比較中外記者的選材重點,侯孝賢在東京影展的宣佈記者會上,曾經說他年輕時對《用心棒》和《七武士》印像最深,老朋友陳世昌還算是最敬業的記者,忠實記下了侯導追思黑澤明生前和他相會時提到的拍片秘辛: 「黑澤明曾用砍豬肉的聲音來表現武士刀殺人的聲音,還為了要出現萬馬奔騰的飛沙模樣,特別把馬路重新鋪過。」
但是外電卻另外有一則故事,黑澤明在《用心棒》中曾有飛刀射下落葉的畫面,侯導一定是口沫橫飛地對著外國記者說: 「那個鏡頭其實是先用刀子把葉子釘在地面上,再抽拔出來的。」電影是魔法,只要底片翻轉回來,葉上拔刀的畫面就會成為飛刀射落葉,侯孝賢講的這則大導演的小故事,對年輕的電影愛好者應該也有相當的啟發吧!
至於三十日負責頒獎的黑澤和子是黑澤明的長女,高中沒念好,被強迫退學,轉去念服裝設計專門學校,1990 年就開始跟著老爸黑澤明在夢片中擔任服裝設計,後來的《八月狂想曲》、《至聖鮮師》、《黑之雨》、《盲劍俠》到《黃昏清兵衛》的戲服都出自她的手筆,家族的電影薪傳沒有間斷,也是有趣的電影軼事了。
李安開講：人生電影學
電影和人生到底有什麼不一樣？
李安二十日和詹宏志與誠品舉行了一場聊天會，提到他們在1985年的相遇，後來《推手》的拍攝，踏入歐美社會的關鍵作品《理性與感性》，當然，還有最最熱門的《斷背山》。
第一行的問題是李安丟給現場觀眾的一個問題。
不過，那也是他在紐約大學學電影時，老師曾經問過他的問題。問題雖小，卻銘刻在心，二十多年都不能忘。
可是，親愛的朋友，你要怎麼回答這麼一個問題。
電影是夢幻。人生是寫實？
電影是逃避。人生是劫難？
答案真的可能千千萬萬種，就人生的境界而言，這個問題可能沒有標準答案。
不過，李安的老師給他的答案很簡單：
一， 電影比人生快。
二， 電影有特寫（Close Up）。
電影靠著每秒二十四格的視覺殘留錯覺，建構了一個虛擬又真實的人生，但是電影中的春花秋月，轉眼即逝，腳步匆匆，一切都要緊密連結，迅速更易。人生卻是緩步慢行，尋常日子等閒過的悠悠歲月。
電影比真實人生快，是高度壓縮，是人工製造的，就意味著其中有技術操作的空間，有視線焦點的選擇。
其中，特寫就是很重要的視覺心理學。
我們的人生其實理應都是透過雙眼，透過一樣的距離看待萬事萬物，然而對於關心的事物就會自然特別關注，因而就會放大，就會浮現特寫。同樣去看一齣舞台劇， 觀眾可以各憑所好，還有所在的位置來選擇自己要放大，要特寫的人事，舞台和觀眾的距離都是一樣，觀眾卻可以從自己的觀點與偏好，各取所需。
但是，電影的觀點，電影的視野，電影的特寫卻是導演的選擇，導演揀好了觀點，安排好了邏輯順序，排放給觀眾看的。「我們初看到大峽谷的景觀時，一定會 『哇！』地叫了起來。」李安說：「可是導演就要有本事把大峽谷讓人哇叫的震撼氣勢，透過一定的敘事方式，讓觀眾也有哇叫的感動！」好的電影不是比照人眼用 一個全景來交代大峽谷，從遠景、特寫、人物反應到音樂效果…組合的觀點，景觀符號的剪貼與運用，就會讓你產生哇叫的驚歎！否則就是毫無情感的遠觀，創作者 和觀賞者都無法進入的。
更重要的是，「觀眾看電影是透過銀幕上的人物與影像來看他們自己，悲歡離合都是因為勾動了觀眾自己的情緒和經驗，所以他們才能認同，才能進入，才能接受， 因為他們看到了自己。」李安笑著說：「常有演員拚死拚活了演了半天，卻得不到我一句好話，其實，我常想告訴他們，你們一點都不重要，不會真的有人會花錢去 看什麼大明星演戲，銀幕上的人物怎麼看得彼此不是最重要的，遠不如銀幕下在觀看的人重要，因為是他們的共鳴和解讀，構成了電影最重要的迴響。」
聊天會還有很多主題，都很耐人尋味，今天先介紹到這裡，其他，擇日再說了。
最後有人問了李安一個問題：「影響你最深的經典舊片是什麼？」
李安回答了兩部，一部是柏格曼的《處女之泉》，理由是怎麼有人可以那樣和上帝對話，沈重的北歐風格，嚴肅又大膽的敘事風格，讓他看到了電影的可能性。
另一部則是李路許的《男歡女愛》。李安還記得那天看完晚場電影，他得趕著搭末班車回台灣藝專的板橋宿舍，可是電影的情愛浪漫，讓還有慘綠少男情懷的他澎湃激動，他選擇了走路，讓寒風吹在臉上，讓雨水淋在臉上，走過一個站牌還不夠，再往前走一個站牌吧……
電影和人生有什麼不一樣呢？電影可以重映，可以反覆倒帶，人生不能，人生錯過了，沒有捉住的，或者是曾經捉住的，都只能回味…看著李安的經驗，我相信很多人都願意多幾個站牌，回味一下曾經刻骨銘心的風雨滋味吧！
卡特布威爾：曼西尼獎
曾經創作過《第凡內早餐》與《粉紅豹》電影主題音樂的作曲家亨利．曼西尼（Henry Mancini）是美國人很尊崇的音樂大師，美國作曲家協會（ASCAP）每年都會以他之名頒發「亨利．曼西尼獎」給優秀的音樂家，今年的得主就是《冰血暴（Fargo）》的作曲家卡特．布威爾（Carter Burwell）。
《暮光之城：無懼的愛（Twilight）》導演凱薩琳．哈德威克（Catherine Hardwicke）在頒獎典禮上盛讚布威爾的作品「複雜又美麗」，當初她請布威爾創作一種「既親切，又很私密」的音樂主題時，布威爾就把自己當年追求女友克莉絲汀（如今已是他太太）的創作曲拿出來，重新發展成鋼琴曲，也成為《暮光之城》最受歡迎的音樂，果然「既親切，又私密」。
曾與布威爾合作過《眾神與野獸（Gods and Monsters）》和《金賽性學教室（Kinsey）》的導演比爾．康登（Bill Condon）則推崇布威爾的音樂不但讓人很有感覺，而且可以讓人去思考，因為他的音樂總能捉住人的靈魂核心，細緻、開闊、中性，以及天才，都適合用來詮釋他的音樂成就。」
比較特別的是柯恩兄弟（Joel and Ethan Coen），人雖未到，卻送了捲錄影談話相賀，但是一向特立獨行的柯恩兄弟卻講了一段消遣布威爾的冷笑話，讓現場來賓聽得一頭霧水，不知所云，「我們真的不懂你們怎麼會把曼西尼獎頒給一位業餘音樂家。」
其實，這不是冷笑話，而是哥兒們最知己的話，他們一起從默默無聞的小伙子攜手奮鬥，如今柯恩兄弟奪了奧斯卡獎，布威爾的音樂也得到了遲來的肯定，可是他們都沒有忘記當年穿開襠褲，在失敗中摸索前進的艱苦年代。
卡特．布威爾是在紐約市郊區長大的孩子，從小跟一般人一樣，被父母押著去學鋼琴，可是恨死了鋼琴，找個藉口就放棄了鋼琴，一直到唸高中的時候，有一位同學想要表演爵士藍調歌曲，需要一位好手來替他伴奏，彈奏藍調音樂，情急之下找他幫忙，他即興隨手彈弄了一下，才發現原來彈鋼琴是這麼好玩的事。從此，他就不再排斥鋼琴。
上大學時，宿舍裡有鋼琴陪著他，就業後，他堅持家裡一定要有鋼琴，甚至主動和朋友組織了一個搖滾樂團，他就負責彈鋼琴，即使年輕時期的玩伴都已經改行做其他事業了，只有他一直守著音樂，守著高中時候的夢想。他和音樂的結緣過程，充滿了魔幻魅力。
這段少年往事，說明了卡特布威爾不盲目追隨潮流，不願意跟著別人瞎起鬨的心理特質，即使現在已經是好萊塢知名的作曲家，他還是一直在追求不一樣的表現方式，「重複自己的作品，簡直就是要我的命！」卡特說。
他的人生充滿了意外，玩前衛龐克音樂是他的業餘興趣，不過，他從來沒有想過要當作曲家。在哈佛大學唸的是建築，畢業之後，第一個工作卻是到生物實驗室做檢驗員，成天做ＤＮＡ的篩檢工作，實在受不了一成不變的工作形態，想要嘗試有創意的工作，才開始從事動畫和廣告工作，一度還替日本卡通加工畫畫，完全沒有想到會替電影作音樂。
一九八四年，柯恩兄弟籌拍第一部劇情片《血迷宮（Blood Simple）》」時，找上了小有才氣，卻從沒做過電影配樂的卡特來替電影作曲。當時，卡特不但不懂電影音樂該怎麼做，更不懂得柯恩兄弟要求的古典音樂曲風型式，「可是，我願意去學。」卡特就以充滿誠意的一句良心話，感動了柯恩兄弟，大家都是出剛出道的年輕人，天下沒有不可能的事，於是放手去試，沒想到《血迷宮》一鳴驚人，不但柯恩兄弟成為影壇新寵，卡特清涼有勁的音樂曲風也吸引了很多製片人的耳朵，新片邀約相繼而來，完全開啟了卡特的人生新頁。
柯恩兄弟的電影堅持獨立製片的精神─只問電影該怎麼拍，不問觀眾會怎麼想，不為市場修正創意，雖然預算只有幾百萬美金，但是一切自已掌控，就是能拍出千萬美金大片的質感和創意，在這樣的工作環境下，卡特覺得實在是再好不過的創作環境了，他可以盡情地發展自己的音樂細胞，因為柯恩兄弟很明白藝術家的血性，只有尊重，沒有破壞。二十五年來，柯恩兄弟的每一部片子，從《冰血暴（Fargo）》、《撫養亞歷桑納（Raising Arizona）》、《金錢帝國（The Hudsucker Proxy》、《謀殺綠腳趾（The Big Lebowski）》到《險路勿近（No Country for Old Men）》都是由他來負責音樂總監，得過坎城影展的最佳影片肯定，也得過奧斯卡的讚譽，如今他成為好萊塢最搶手的作曲家之一，絲毫不讓人覺得意外。
每次開始創作的時候，他都會要求自己能夠針對電影故事和題材去做研究功課，他認為這段讀資料的歲月是最有趣的時間，只有透過這個學習的過程，工作不只是工作，而是可以從中能學到一點新東西，新的表現手法和意境詮釋，如果一下接太多案子，少了這種做功課的實驗樂趣，反而是他最不樂見的事了。
卡特是在紐約長大的孩子，如果說美國是世界人種的大熔爐，紐約就是熔爐裡最紅的爐心，在那個文化衝撞，人來人往，充滿噪音和干擾的時空下長大，每天跟著各色人種一起擠地下鐵，卡特說他自然養成了對異質文化相溶相吸的適應力，所以音樂風格的岐異多變，對他而言，一點都不是難事。但是他最喜歡的休假小屋卻是在加州濱海，罕無人煙，冬天還得自己檢柴火來燒才能度冬的野外地區，他用絕對的孤寂，來平衡自己在俗鬧中呼吸走動的生命。
卡特不否認在電影的世界中，音樂很難單獨存在，通常是附屬於影像的元素之一，它一定要能和影像產生連結共振的關係，才可以帶動共鳴的震撼力。所以他在創作的過程中，他先問自己寫曲寫得開不開心，然後才去考慮，觀眾聽到這樣的音樂是不是會產生什麼特別的反應和聯想。
他的電影音樂都面對著滿沈重陰鬱的主題，男女主角經常得去處理屍體，面對人生中最血腥殘忍的一面，所以他在創作時，一直希望讓觀眾有一種很坐立難安的不舒適感覺，因為觀眾看到劇中人陷入困境時，心理就會產生一種如何幫助劇中人的焦慮，這個時候，讓人聽了不舒服的音樂，就可以宣洩這種焦慮的情緒，力量就格外地大。
雖然獲頒了亨利．曼西尼獎，但是他最敬佩的作曲家卻是約翰．貝律（John Barry），因為他生平第一次感受到電影音樂的震撼力量，就是來自約翰．貝律所創作的《007》主題音樂，那一年他才十三歲，還不會賺錢，他卻把僅有的一點零用錢拿來買007的電影原聲帶，在他的心目中，007音樂所傳達出來的浪漫英勇音符，有一種神秘特質，讓人聽了就興奮，是刻畫最成功的音樂烙印。
只可惜，他沒有想到三十年後終於可以和他的偶像約翰貝律一起工作，然而製片不是要他們合寫電影音樂，而是製片嫌約翰的作品不夠勁，希望他能來改寫，布威爾嚇了一跳，他願意幫忙，可是大師的作品，他不敢掠美，更不敢竄奪，他只是在好好地欣賞了大師的樂曲墨寶之後，就另起爐灶，寫了不同的曲式，後來電影用了他的音樂，可是沒掛他的名字，反而大師另外出了電影原聲帶，只有耳尖的樂迷才聽得出來，電影和原聲帶可是兩種完全不同的音樂。
他其他的知名配樂作品還包括梅爾．吉勃遜與茱麗亞．羅勃茲合演的《絕命大反擊（Conspiracy Theory）》和周潤發主演的《魔鬼英豪（The Corruptor）》及奧斯卡提名的《眾神與野獸》，故事同樣都是極度壓抑，人格也分裂的黑暗心靈角色，他或者運用最簡單最輕柔的撥絃音樂來介紹悲劇人生的時空，用又急又碎的小鼓輕敲來強調攤牌時刻的絕望無助，或者用爵士藍調來呈現矛盾極端的分裂性格。
他的音符不會太甜，但是絕對有感覺，你的心先會被音符捉住，深陷進劇情的衝突之後，或者認同劇情，或者急著要逃離窒息的虛擬環境，即使是《魔鬼英豪》這種劇情老套的作品，只有他的音樂好像要從銀幕裡跳出來一樣，我們可以不時聽見東方的吹奏器樂帶動整個音樂旋律往前邁進，往前跳躍，不但符合了電影以唐人街的華埠做背景的主題需求，更能落實到電影裡面正邪難分，恩怨糾纏的劇情特質，他就像個法力無邊的魔法師，帶你遨遊電影世界。
久石讓：電影音樂人生
墨希斯賈赫：大師手痕
Maurice Jarre是法國人，原名叫Maurice Alexis Jarre，但因為他以英國電影走紅影壇和樂壇，所以他的名字就讓很多人以英語發聲法來稱呼他，多數人叫他墨里斯賈爾，但是我們試著還原法文的拼音法，稱他做墨希斯賈赫。
著名電影音樂家出身音樂家庭或者自幼學習音樂的例子不勝枚舉，約翰貝律自幼學習鋼琴，莫瑞康尼從小和父親一起學習小號，約翰威廉斯的父親是爵士鼓手，自己也是名出色的鋼琴家，還有大名鼎鼎的紐曼家族等等，不過，當中也有像墨希斯賈赫這樣的例外，身為電影音樂史上三度奧斯卡最佳電影配樂獎得主，在十六歲之前，他對音樂根本是門外漢．
墨希斯．賈赫
一開始，墨希斯很希望朝鋼琴發展，然而只能玩玩，卻不成氣候，指揮家好友Charles Munch發現他很能掌握音樂節奏，又熱愛音樂，於是鼓勵墨希斯從打擊樂下手，墨希斯先是讀了幾天里昂大學之後，先轉到巴黎的Sorbonne學工程，再進入巴黎音樂學院（Paris Conservatoire），拜在Jacques de
墨希斯在求學時期還研專攻了民族音樂和電子合成樂．民族音樂實際上是巴黎音樂學院的必修課程，每一名學生都必須選修五個不同區域的民族音樂課程，墨希斯選擇了俄羅斯，日本，南美，印度和阿拉伯的民族音樂，後來都充分運用到他的電影音樂創作上，豐富了他的電影音樂內涵。他也是少數很早就對電子合成樂產生研究興趣的傳統音樂學子，早期的實際接觸，也提供了他日後創作時的豐富靈感。
墨希斯在十九歲那年（1951）加入國立大眾劇場（Theatre National Populaire），擔任音樂指導，也為法國導演喬治法蘭洙Georges Franju的反戰紀錄短片《病患旅館Hotel Des Invalides》寫下了他的第一部電影音樂，之後墨希斯與喬治先後又完成多部作品，在五０年代後期逐漸成為法國和歐美電影音樂的後起之秀，曾經替四十多部法國片作曲，比較知名的作品包括《世界的回憶》等。六０年代，他因為與大衛．連合作，成為國際影壇頂尖的知名音樂家，唱片風行全球，除了電影音樂之外，墨希斯也創作過芭蕾，交響曲與舞台劇，他的兒子凱文也繼承父親的電影人脈，從事編劇工作，寫過《光榮戰役》等片劇本。另一個兒子尚米榭賈赫則是繼承他的音樂天份和對電子合成器的興趣，經常結合電子音樂、雷射和煙火秀做戶外表演。
二、大衛連VS. 墨希斯
今天繼續從外電上讀到《齊瓦哥醫生》作曲家墨希斯．賈赫過世的標題，一輩子曾替一百五十部電影配樂，但是最後常被人提起的作品卻往往只有一部代表作，這是宿命，也是肯定。
《阿拉伯的勞倫斯》是史詩，少了讓人可以跟著哼唱的歌曲旋律，《齊瓦哥醫生》則因為有了動人的歌曲旋律，所以得能從廿世紀傳唱進廿一世紀，但是大衛．連和墨希斯．賈赫的合作《齊瓦哥醫生》的過程其實有些坎坷。
大衛．連在西班牙拍攝《齊瓦哥醫生》時，初期並沒有要墨希斯做音樂，一方面是投資的米高梅公司並不看好他的音樂感性適合表現冰天雪地的俄羅斯感情，另一方面則是大衛．連很專注去尋找聆賞所有的俄羅斯音樂，好不容易聽到了一首好曲子，就帶著音樂到拍片現場播放，讓所有的工作人員都能體會他所要詮釋的音樂情感，但是人算不如天算，後來，米高梅公司找不到原曲創作人，也不知版權歸屬，擔心日後電影公映後，這首俄羅斯民謠曲的版權可能會衍生爭議，大衛連才同意找昔日合作夥伴墨希斯賈赫來作曲。
墨希斯到達西班牙拍片現場時，大衛．連也很不客氣地開門見山告訴他說：「我要的音樂就像這首曲子一樣，請你就照這首曲子的曲風來作曲吧！」有了前輩音樂家的巨大身影，對任何一位作曲家而言都是困難的挑戰。
但是第一次交出的作品，大衛連露出一臉很痛苦的表演，什麼也沒說，墨希斯知道不行，回房間再去寫。
第二版完成後，大衛連說話了，他說：「太悲傷了！」退貨。
第三版完成時，大衛連的評語是節奏不對。但是他不要墨希斯再寫了。他對墨希斯說：「你帶著女朋友到山上去玩玩吧。」在愛情的滋潤和撫慰下，墨希斯寫下了一首「SOMEWHERE MY LOVE／何處是我的愛」，不但讓大衛．連動容，日後更紅遍半邊天，成為影史名曲。
三、彼得維爾VS. 墨希斯
墨希斯先後曾經替一百五十多部電影譜寫音樂，獲得八次奧斯卡獎提名，更以《阿拉伯的勞倫斯》、《齊瓦哥醫生》和《印度之旅》三部電影獲獎。
除了大衛．連之外，墨希斯最常合作的導演，就要屬來自澳洲的彼得．維爾（Peter Weir）了。1980年代開始，電子合成器成為歐美影壇最流行的音樂創作型式，因為通常只要
彼得．維爾是澳洲導演，自從他拍完了《加里波底（Gallipoli）》之後，所有人都認為他已經是澳洲電影工作者中最應該被好萊塢吸納的人才，1983年他挑選的第一部作品就是以1965年印尼蘇卡諾政權一夕變天的故事《危險年代》，網羅了梅爾．吉布遜和雪歌妮．薇佛飾演在東方亂局中，報導新聞的澳洲記者和提供線索的英國外交官，雖然彼得維爾一直想把這部電影拍成半紀錄片的形式，重建那個動亂的年代裡，人民的力量終於可以戰勝腐敗官僚的歷史事件，所以他對音樂的使用相當節制，但是墨希斯和他的電子樂器夥伴史賓塞李兩人聯手彈奏出的主題音樂，巧妙地結合民族音樂的風味和電子音樂的魅力，給人相當醇厚的東方韻味洗禮。
1985年，墨希斯再度和彼得合作了《証人》，以九人樂團的編制，以及他越來越純熟的電子音響，來表現一位賓州警探深入艾米許族村莊查辦一椿謀殺案的故事。
《証人》的音樂有三大特色，首先是以電子音樂來表現謀殺案的背景；其次是用知名的流行歌曲來挑逗男女主角曖昧的私情；但最讓人懷念的就是墨希斯採用了一種慢速三拍的巴洛克時期的義大利舞曲《巴沙加牙舞曲PASSAGALIA》形式，創作出艾米許族人齊心協力，來建造一座穀倉的主題旋律。陽光燦爛的艾米許情操搭配莊嚴華麗的巴沙加牙舞曲旋律，不但讓觀眾見証了艾米許族人的抗拒世俗文明，堅持傳統的偉大情操，同時也感染了男女主角眉目傳情的情意，將劇情的張力帶到最高點。
《証人》讓墨希斯再度獲得奧斯卡提名，原聲帶唱片也風行一時，所以他就順理成章組織了一隻《墨希斯賈赫樂團》，成員就是《証人》裡的九人樂團成員，大家都是鍵盤電子合成器的高手，緊接著又在麥可．艾波提的《迷霧森林十八年》裡將傳統樂器和電子音樂做了巧妙的結合，不論是飾演猩猩專家的雪歌妮．薇佛攀山越嶺進入猩猩野生區的行進音樂，或者是她第一次撞見猩猩時的大提琴與電子樂的合奏聲響，都讓人難忘。