分類: 台灣影視

阮玲玉沒來過台灣，但是1930年代的台灣影迷對她並不陌生。

阮玲玉不會講台灣話，也不會唱台灣歌，但是1930年代的台灣影迷，很多人都會唱她的電影歌曲。

台灣第一張電影原聲帶是阮玲玉主演的《桃花泣血記》。

電影是默片，當初在上海上映時，現場搭配什麼音樂？史料欠缺記載。但是，電影來到台灣時，可是轟轟烈烈，創造出著名的台語歌謠-「桃花泣血記」。

關鍵在發行《桃花泣血記》的片商詹天馬。

他是著名的電影辯士，負責講解默片或者外國電影劇情。

1932 年因為要映演《桃花泣血記》，他想到租借車輛，大街小巷播放歌曲，宣傳影片的策略。

於是詹天馬參考電影富家少爺愛上貧家女孩的愛情悲劇，寫下歌詞，請王雲峰譜曲，再請歌仔戲演員出身的純純（本名劉清香）主唱，灌錄成唱片。

然後，宣傳車掛上電影海報，接上麥克風和喇叭，沿街播放，這種行動宣傳果然吸引許多觀眾，歌曲紅了，電影也大賣，寫下打歌又打片的雙贏佳績。

詹天馬填寫的歌詞兼具「勸世」與「預告」功能。「勸世」主軸就是自由戀愛最好，父母不要干涉太多：

人生親像桃花枝，有時開花有時死，花有春天再開期，人若死去無活時。

「解說」功能就是「劇透」，歌詞在說戲，這本來就是詹天馬的「專業強項」：
戀愛無分階級性，第一要緊是真情，琳姑出世歹環境，相似桃花遐薄命。

文明社會新時代，戀愛自由才應該，階級拘束是有害，婚姻制度著大改。

歌曲最後則是「勸世」兼「廣告」：
做人父母愛注意，舊式禮教著拋棄，結果發生啥代誌，請看桃花泣血記。

當時錄音技術普普，純純的歌聲就今日標準來看，太過尖銳了些。但是，「桃花泣血記」的歌聲早已成了歷史文物。

228事件，菸攤婦人與軍人發生流血衝突的發生地，就在詹天馬經營的「天馬茶房」外騎樓。或許因為如此，詹天馬的電影事蹟，各界討論有限，反而是他的女兒詹慧玉後來扮演著薪火相傳的傳承角色。

詹天馬的女兒李詹慧玉於2025年一月11日凌晨無病無痛往生極樂世界，享年95歲。

「桃花泣血記」（1932）
作曲：王雲峰
作詞：詹天馬
原唱：純純

初識胡金銓，首推《江山美人》的大牛。

在「戲鳳」一曲中，他對趙雷飾演的正德皇帝唱起：「你說愛又談情，存的是甚麼心 ？再要不安份，送你進衙門。」這是對把妹痞子的嚴正警告，但是林黛飾演的鳳姐芳心已動，最後乾脆攤牌：「我，一見你就討厭，再見你更傷心，你要帶她走，我就跟你把命拚。別以為梅龍鎮上好欺人。」

就這兩句，卻已經光芒四射。後來的配角戲，不管是《金鳳》的小癩子，或者《雪裡紅》的小麒麟，都是那麼搶戲。

真正折服於胡導演才情的作品，始自《大醉俠》。

一方面是他開啟武俠電影中「客棧戲」的世代傳承，一方面是他展現了戲曲世界的說唱素養。

『大醉俠』中男主角岳華飾演的范大悲在客棧中所演唱的歌謠，曲調脫胎自京劇『打麵缸』，但胡金銓填的詞，三字三字又七字，暗藏玄機，又饒富趣味，作曲家周藍萍把它點化得更加上口，更加流暢，字字句句都在暗示，女俠金燕子的心聲。

青竹竿，細又長，從南到北把天下闖；風吹雨打太陽曬，沿門乞討吃四方(吃呀吃四方呀)

看破世態與炎涼，高官厚祿全不想。功名富貴由他去 ，
生平只好黃米湯(黃米湯呀黃米湯)

不管是花雕高粱，一杯在手我什麼都忘。世間多少傷心事 唉！葫蘆肚裡情最長(情最長呀情最長)。

以上是江湖大俠大隱隱於市的夫子自道，接下來則是點化金燕子：「高山上出賊黨，敢把按察大人綁；明裏搶暗裏藏，一封書信要領賞。
(一封書信呀要領賞)

不求金不求銀，只求朝官換草莽。總督衙門呀起驚慌，燕子展飛到山崗。(燕子展飛到山崗)。」

鄭佩佩飾演的金燕子不是笨蛋，續求指點迷津，於是有了「一點一橫長，一撇到南洋，十字對十字，日頭對月亮」的謎猜。

觀看《大醉俠》時，我年僅九歲，被胡導演逗得開心極了，一路唱著「一點一橫長，一撇到南洋，十字對十字，日頭對月亮」回家。

說唱藝術與古典詩文後來繼續在胡導演作品中扮演重要角色。

例如，『迎春閣之風波』中，韓英傑搖著響板，冷嘲熱諷道盡客人心機，功力直追『大醉俠』的范大悲。

然後又唱出了關漢卿的散曲
「沉醉東風」：
咫尺的天南地北
霎時間月缺花飛
手執著餞行杯
眼擱著別離淚

剛道得聲保重將息
痛煞煞教人捨不得
好去者望前程萬里

『迎春閣之風波』講元朝故事，唱散曲殺韃子，都是時代參數，胡金銓導演博學又一例。

韓英傑撥奏三弦，宛轉吟哦，配著白乾吃羊肉，確實能給客棧旅人，酒入愁腸的旅情發酵；當然也是妙手神偷，趁機闖空門的好時機。

作曲家顧嘉煇才情不俗，可惜不如周藍萍。「沉醉東風」低調迴旋，有意境，卻不動人，更不易唱，終究沒能勾動迴響。

至於『俠女』中石雋仰慕徐楓，但也只能仰慕。直到那個月夜，古宅相見，徐楓低眉撫琴，輕聲唱起：「花間一壺酒，獨酌無相親。舉杯邀明月，對影成三人。」然後，兩人相擁，下一個鏡頭就是兩人合衣共眠。

一晌貪歡，俠女就懷了身孕，再無夫妻情，再無兒女歡。戲劇人生有如這首詩後半：「醒時同交歡，醉後各分散，永結無情遊，相期邈雲漢。」

真實人生中，胡金銓的愛情與婚姻，也快速直白，有如他擅長的動作剪接。

初識作家鍾玲，暢談終夜。告別之後，胡導從紐約打電話到加州，在電話中直接告訴鍾玲：「你就跟了我吧？」

然後，然後鍾玲就答應了。
戲如人生，人生如戲。

1997年1月14日胡導演辭世。轉眼28年過去。胡導演，想念您。

阮玲玉沒來過台灣，但是1930年代的台灣影迷對她並不陌生。

阮玲玉不會講台灣話，也不會唱台灣歌，但是1930年代的台灣影迷，很多人都會唱她的電影歌曲。

台灣第一張電影原聲帶是阮玲玉主演的《桃花泣血記》。

電影是默片，當初在上海上映時，現場搭配什麼音樂？史料欠缺記載。但是，電影來到台灣時，可是轟轟烈烈，創造出著名的台語歌謠-「桃花泣血記」。

關鍵在發行《桃花泣血記》的片商詹天馬。

他是著名的電影辯士，負責講解默片或者外國電影劇情。

1932 年因為要映演《桃花泣血記》，他想到租借車輛，大街小巷播放歌曲，宣傳影片的策略。

於是詹天馬參考電影富家少爺愛上貧家女孩的愛情悲劇，寫下歌詞，請王雲峰譜曲，再請歌仔戲演員出身的純純（本名劉清香）主唱，灌錄成唱片。

然後，宣傳車掛上電影海報，接上麥克風和喇叭，沿街播放，這種行動宣傳果然吸引許多觀眾，歌曲紅了，電影也大賣，寫下打歌又打片的雙贏佳績。

詹天馬填寫的歌詞兼具「勸世」與「預告」功能。「勸世」主軸就是自由戀愛最好，父母不要干涉太多：

人生親像桃花枝，有時開花有時死，花有春天再開期，人若死去無活時。

「解說」功能就是「劇透」，歌詞在說戲，這本來就是詹天馬的「專業強項」：

戀愛無分階級性，第一要緊是真情，琳姑出世歹環境，相似桃花遐薄命。

文明社會新時代，戀愛自由才應該，階級拘束是有害，婚姻制度著大改。

歌曲最後則是「勸世」兼「廣告」：

做人父母愛注意，舊式禮教著拋棄，結果發生啥代誌，請看桃花泣血記。

當時錄音技術普普，純純的歌聲就今日標準來看，太過尖銳了些。但是，「桃花泣血記」的歌聲早已成了歷史文物。

228事件，菸攤婦人與軍人發生流血衝突的發生地，就在詹天馬經營的「天馬茶房」外騎樓。或許因為如此，詹天馬的電影事蹟，各界討論有限，反而是他的女兒詹慧玉後來扮演著薪火相傳的傳承角色。

詹天馬的女兒李詹慧玉於2025年一月11日凌晨無病無痛往生極樂世界，享年95歲。

無法複製，也無法超越的李泰祥。

因為：他，獨一無二；他，絕無僅有。

不只是才情，連嗓音也無人能比。

11年前的今天，2014年1月2日，李泰祥去世。《藍色電影院》「每日一曲」，今天介紹很多人忽略，甚至沒聽過的《沒卵頭家》主題曲。

《沒卵頭家》劇情源自醫生作家王湘琦的同名小說《沒卵頭家》，根據離島漁民罹患班氏絲蟲（Wuchereria bancrofti），亦即「象皮病」的真實事件改編。

電影主題曲收錄在「與海拔河的人」這張專輯中，收錄了多首由潘越雲與李泰祥演唱的歌曲。

其中，「討海人」氣勢磅薄，根本就是海洋史詩。

至於，「盼你，念你，望安」和「你的小手是暖暖的愛意」，從歌名就可以想見藏在音符底層的深情。

但我最愛的是李泰祥本人演唱的台語「楓橋夜泊」，以及「沒卵頭家」主題曲，他化身說書人，以通曉古今的慷慨激昂，道盡了古典的滄桑和當代醫療困境下，漁民與疾病共處的無奈。（請參考留言欄連結）

徐進良導演把這首曲子剪輯穿插在電影段落中，讓李泰祥扮演起串場的說書人，也是一頁極其罕見的台灣電影音樂史。

聽完「沒卵頭家」主題曲，相信你會同意李泰祥是真正的民歌手。畢竟，台灣街頭巷尾都曾經傳唱過他的「橄欖樹」。

李泰祥生前接受過我的採訪，在他的忌日分享兩段給樂迷、影迷。

問：你是鼎鼎大名的音樂家，但是很少人知道你也拍過實驗電影，那是什麼心情下的創作？

�答：進入電影業一直是我的心願之一，年輕的時候什麼電影都看，有機會就想自己來。

那是一部片長十分鐘的電影，但是沒有片名，當初的想法是要配合我的《清平樂》在東京演出，做為多媒體的表現藝術。

短片是用十六釐米拍攝的，大大小小的拍攝細節都是自己一手搞定，從借燈、打燈、服裝到美術場景都是自己來，用最克難的方法拍攝，也很前衛地用倒拍、疊影和多重曝光的手法在畫面上呈現鬼魅般的效果，希望有像夢和書法的節奏韻律，還加進了許多廢片，包括黑片、白片、打格子的，相互交錯，但是各有節奏，配合起我寫的現代音樂，還蠻有魅力的，可以表現出純粹清淨平和的意識，因為我都是在追求一種莫名的，而非劇情的東西。

問：電影音樂是好或壞？究竟有什麼鑑定標準呢？

�答：簡單一句話，那就是發揮電影必要的功能，還要積極地進入到藝術的質地層次，這是很重要的環節。

因為，音樂最適合表現角色的生活程度和文化背景，例如你只要先看到畫面上出現一個老人家，身後的環境音樂浮動著京劇吊嗓子的聲音，你就會明白他是個愛唱京劇的老人家，進而了解他可能是外省人，可能是老兵，音樂就有這種不言可喻的「說明」功用。

電影音樂還有「強化」效果，例如有人要赴義就死，你一旦提供了崇高或害怕的主題，就可以打造出雄偉或恐懼的情境，直接把觀眾帶進那種境界之中。

點一盞小燈，喝一口whiskey ，伸伸懶腰，斜躺椅上，慢慢播放侯志堅的《老狐狸》原聲黑膠，慵懶悠閒，樂聲如風，人生微笑。

聆聽這張黑膠，如同侯志堅帶著他的專屬樂團，帶你走進《藍天使》和《莉莉瑪蓮》的德國小酒館，一台鋼琴、一把小號、豎笛、提琴、低音bass，樂音動，心兒醉，一個人的夜晚，一點都不孤單。

隨機選曲，先從「貧窮空氣」開始吧，侯志堅輕輕彈著單音，說個慘白年代的往事，冷冷單音，溫溫私語，然後提琴進來對話，久遠但不陌生的昨天，款擺搖曳。

侯志堅擅長用黑白鍵舔療斷腸人的傷口，「失敗的人」的慢板樂音輕輕在傷口塗上碘酒，貼上膠布，提琴唱和，輕輕吹拂，斷腸人無須言語，音樂悄悄陪伴就好。

全套作品中，我最愛《好時光》，坐在鋼琴旁的侯志堅像一位吟遊詩人，選擇「爵士風情」書寫人生風霜雨露。

他在琴鍵上委婉彈著，低音大提琴撥弦唱和，然後小號跟著把主題宛轉重唱，既慵懶又嫵媚，彷彿讀見了楊牧的詩「你的心情」：

「你的心情我想我知道

當黃昏自聖誕紅上褪色

黑夜在屋頂上，黑夜在

紅瓦暗淡的屋頂上逡巡

啊你的心情好像那霜雪

我試探著，感覺七尋下的

微溫，那裡曾經有一座火山

火山是你的心情我知道……」

是的，父親廖泰來的霜雪心情，小男孩廖界最是清楚明白；老狐狸的火山心情，廖界同樣明白，但未順從，那段黑白歲月中，白日以蘆葦花為他「織好一條溫暖的圍巾，一頂帽子，一襲臨風的衣裳，海洋是他的心情」，不只是廖界，聽眾都知道。

老狐狸有火山心情，在廖界心中他更像是位魔術師，繁華喧鬧皆本事，錙銖必較太無情，「老狐狸」一曲，演奏出他的世故圓滑，乾坤都在他的指縫間翻轉，火焰奔竄，燒燙了多少人的心？

侯志堅是浪漫詩人，小酒館裡的真情歌，提煉著世態炎涼的淚滴，卻又以小曲方式為你療傷……把燈關上，再品一口酒，熱力悄悄從胸口落下四散。聽著聽著，一夜好眠。

謝謝侯志堅精心打造的《老狐狸》黑膠原聲，如此醇厚，如此溫暖。

「臺灣就這麼一個小島，這輩子，至少有一次，用走的、或者騎腳踏車、摩托車……好好繞上一圈。」

第11屆楊士琪紀念獎得主魏德聖導演以訪談方式，在「魏德聖的浪漫與溫柔」講座上，侃侃而談，每則故事都動人。

臺灣環島就是他的浪漫之一。「當兵是步兵，被迫行軍，退伍多年，也拍了電影後，在能量匱乏之時，再和當兵夥伴相約徒步環島，一走就是30多天。」

「臺灣土地真的太美，到處都有奇妙故事，有一回，經過一座村莊，街道空空，幾乎不見人蹤，以為農村人口流失，沒想到一到下班時間，大半村民都從一座工廠走了出來，村子頓時活了開來。」

也因為一趟縱走花東縱谷的徒步之旅，一向很少談心的父子，卸除了心防與陌生，聊出好多事，「現在，甚至會告訴我，他喜歡的女孩…..」故事如魔法，魏德聖的電影人生起伏，也像魔法。

他是楊德昌的徒弟，一開始只是拍攝助理，負責開車打雜，聽說楊德昌很會罵人，第一次見面時戰戰兢兢，就怕很會熄火的汽車突然熄火，丟了工作，「我的腳都不太敢鬆開離合器……」他的戒慎恐懼，楊家班都明白，昨晚的聽眾都明白。

魏德聖拍電影，一直都在為「找錢」忙，困頓時常會想起楊德昌，「他都沒錢了，竟然可以拍完《牯嶺街少年殺人事件》，我為什麼不行…..」山窮水盡時的柳暗花明，讓他即時完成了《海角七號》，當然還有《賽德克巴萊》、《BIG》等片。

製片要找錢，還要節制花錢，導演也要找錢，那種壓力實在太大，大到幾乎要崩潰。」魏德聖坦承他最嚮往的就是編劇，「想寫就寫，想停就停，想改就改，不必煩惱究竟怎麼拍，要花多少金錢和氣力去拍…….」

他的夢很大，錢花得多，所以即使票房屢屢創下三億、五億的天花板，結算下來都還有虧損，他坦承自己是貪心了些，不顧一切去追求自己的夢想，「我一直想說的是動人故事，沒去想藝術表現，也沒那個藝術天份，楊德昌是電機系畢業，我是電機科畢業。」他的坦白與自嘲，總是能贏得哄堂大笑。

座談會前夕，他剛結束《BIG》的巴西放映推廣，「沒想到這部電影可以做到2000多場包場，甚至得了歐洲和南美洲，年前台灣還有包場，只要有人包場，天涯海角我都願意去。」魏德聖就是夢幻騎士，到處讓人知道、也看見台灣電影，也許，有一天…..」誰也不知道種子會開出什麼樣的花朵？唐吉訶德不就這樣一路往前衝去？

「你知道台灣歷史上曾經有71天的無政府狀態，那段期間發生了空難、山難還有颱風，不同族群、立場的人們要共同如何完成一場災難任務呢？」魏德聖的心頭還有夢想，說起電影故事，就是這麼的吸引人。期待他在完成台灣三部曲之後，還能繼續說出更多的電影故事。

12月13日晚上，在華山光點辦完「魏德聖的浪漫與溫柔」講座後，楊士琪紀念獎委員會主任委員胡幼鳳，將重責大任交棒給中央大學林文淇教授。

楊士琪紀念獎活動從1986年開始，肯定及鼓勵在電影路上慢慢耕耘的傑出電影工作者，前三任得主分別是明驥、吳天明和林添榮。

因故中斷27年後，在胡幼鳳積極奔走、敦促與協調下，終於在2017年開始重啟楊士琪紀念獎活動，甚至請王童導演重新設計製作非常漂亮厚重的獎座。重新讓年輕世代的電影工作者與影迷認識楊士琪的故事和精神。

第四屆起迄今的得主包括詹宏志、陳國富、陳俊志、江泰墩、鍾孟宏、聞天祥、蔡崇隆和魏德聖。

昨天是黑色星期五，擔任主持的鳳姐精心製作的簡報檔案，多達5G，體積龐大，電腦無法因應播放，於是就不靠簡報，如數家珍地誘導魏導侃侃而談，舉座歡暢，既展現了鳳姐累積半世紀的採訪功力，也見證了魏德聖浪漫又柔軟的才情。

拍電影很辛苦，需要更多浪漫騎士並肩前行。

選對了場景，電影就活了。

《優雅的相遇》那條三角陋巷，不能閃躲迴避的、命中註定的都終必在此相遇。

選對了象徵，電影的意境就跳了出來。

豆芽菜在《優雅的相遇》中，就有著點題功能。批發價一斤14元的邊緣食品，卻是被疫情拖累的阿勳（林政勳飾演）賴以活命的稻草，聽著他每餐咬食豆芽菜的咔嚓聲，阿勳的卑微、脆弱與困頓，一如豆芽菜，精準對位。

選對了連結，電影的魔法就火了起來。

阿勳是接受換心手術的患者，那顆心，那心跳，在《優雅的相遇》成了魔法師的魔法棒。人生有如南柯一夢，百年才能修得同心緣。

1937年，袁牧之導演拍出《馬路天使》，開啟中國社會寫實主義的左翼電影路線。

1963年，李行拍出了《街頭巷尾》，開啟了台灣健康寫實的電影風潮。

張作驥導演也是社會寫實主義的信徒，自1996年的 《忠仔》開始，舉凡《黑暗之光》、《美麗時光》、《當愛來的時候》、《醉，生夢死》到《夏日天空在那匹紅馬》，他始終關懷著比角落更邊陲，比卑微更貧賤的人群。

社會現象的犀利圖描，張作驥信手拈來；健康寫實的溫潤，他用理解與洞見融入角色內心。但是，他更偏愛用魔幻寫實轉換人間不幸，在絕望中滲透陽光，《優雅的相遇》是他終於找到在風雨中優雅歌唱的方法，向大家報告，一度霧迷津渡的張作驥回來了，重新站穩戰鬥位置了。

從《馬路天使》、《街頭巷尾》、《當愛來的時候》到《優雅的相遇》，困居在陋巷雜院中的底層小人物都是戲劇核心，張作驥這回也加進疫情參數，恰與婁燁的《一部未完成的電影》形成有機對話。婁燁用虛實交錯的筆觸，重現疫情風暴下的緊繃苦樂，向那個混亂時代委婉致意與致哀；張作驥則是細數一個個離開的靈魂與糾結，再張臂迎接曙光乍現的冬陽。貼在違建雜院牆上的「命運改變」標語，不是嘲諷，也無法救贖，卻是默默刻在他們心中的祈願。

鏡頭運用應該是《優雅的相遇》最魔幻的武器。因為是陋巷長巷，張作驥大量運用了淺焦鏡頭，遠景不是那麼清晰，近景纖細如現，而且不時緊跟男主角阿勳身前身後運轉，觀眾聚焦他的周遭困窘，也明白他能伸展的空間有多擠壓，更讓陋巷雜院裡看似隨意堆疊的物件都得著「靜觀凝視」的能量。點點滴滴都在呼應著電影的貧困書寫，卻又因為凝視，也得著了「靜物畫」的「詩意」，或許這也是他最終選擇黑白影像的「詩心」。

長年在底層打滾，聽過無數離合悲歡，做過翔實田調，張作驥電影中的傳統民俗、喪葬前亡都不是裝飾花瓶，而是火中取栗的煎熬淬煉，肅穆唱腔、「南柯一夢」的詞文提點，都有著穿刺人心的震撼。即使只是操偶師對文戲小生的腳步挪移，或者左右互換的心情告白，在在都讓人細思感動。

兩年前，看完《夏日天空的那匹紅馬》後，我盛讚林尚德的優雅弦樂，低鳴卻非嗚咽，繞旋而非陷落，為絕望人生帶來昂首希望。《優雅的相遇》中的林尚德蛻變昨日身影，搭配陳品珍的感性筆觸，交出更繁複的配樂章節，有時低限反覆，有時委婉穿梭，有時熱力激昂，肯定要多看兩次電影才能明白他在配樂上灌注的心力與才情。

一次訪談中，張作驥告訴我，得空時，他喜歡就騎著單車，穿梭大街小巷，觀察也想像著每家宅院的背後故事，《優雅的相遇》的三角窄巷就是他花了五年時間才敲定的拍攝景點，他知道那兒就是故事的開始，他的花要從那兒的牆角邊往上竄。

但我更喜歡張作驥分享的少年故事：他是個在瑠公圳內潛水嬉戲的孩子。浮浮潛潛，自娛娛人，總能帶來無數驚喜。Welcome back，張作驥！

創作者唯一要在意的事就是，邁開大步往前邁進，不怕烈焰！不閃狂風!更不怕知音稀。

今天收到了最精彩的耶誕禮物，盧律銘創作的《餘燼》原聲黑膠，厚實實的一大盒包裝，沉甸甸的兩大張黑膠。

值得仔細聆聽，越聽越有深意的唱片。隨機挑了三首，聽著聽著就忍不住落下眼淚。

第一首曲子「他是你的」

盧律銘用小號定了基調，那是Fa-Sol-La-Fa-Sol的主旋律，先用清亮高音吹出軍國時代印痕，慢慢氣虛氣弱，沒想放棄的人拚盡全力，迴光返照的尖聲再次昂揚。然後，濁音、亂音、混音交疊振響，Fa-Sol-La-Fa-Sol的主旋律被暗黑的低沉窒悶給吞噬到一息尚存…鼓聲下的變奏，都是被扭曲與踐踏的人啊…….

樂器是時代的符號，更是靈魂。

第二首「誰是王大鵬？」

先是風吹的時代之風，繼而是鋼琴的折枝飄搖，繼而烘爐鍛煉的焦烤。

第三首「鞋子」

輕輕的吉他撥弦，Fa-Sol-La-Fa-Sol換成小曲，有些歌只能放在心底哼，有些怨只能唱給風兒聽。不能理解的，不能放下的，就讓我再為你彈一曲吧。

輕，其實一點都不輕，無需大聲，無需沸騰，舉重若輕的控訴，聽懂就好。

《餘燼》原聲黑膠，Abbey Road製作，層次比電影院更細緻豐富，
絕對值得珍藏。

看見《非想非非想（No No Thought）》這個片名，心頭必然會浮想起一個問號：這是啥？

看見《非想非非想》的海報，看見黃誌群揮棍舞動的英姿，或許就得著「優人神鼓」的連結，得著輪廓概念：這是一部有關舞蹈、音樂、劇場的電影。

《非想非非想》紀錄的無非就是從蘭陵劇坊到優劇場，再到優人神鼓的臺灣劇場發展小史；核心從劉靜敏、秀秀再到劉若瑀的進化小史，經歷過蘭陵盛世的戲迷一定不會忘記劉靜敏的荷珠，更好奇她何以搖身一變成了從靜坐、禪定再入世的紅塵布施。

片名有趣，片名也能帶動思考。「非想非非想」語出佛經，玄妙難解，一般人未必說得明白。然而，陳懷恩的敘事則讓觀眾從「非想」看見優劇場成員透過靜坐、擊鼓、舞蹈與武術訓練一己的身心變化；再從樂器、燈光、服裝的設計發想與執行，體會到「非非想」的劇場實務，內化的修行終究要外顯成群體共鳴的「演出」。「非想」與「非非想」的往返擺盪，也是修行與紅塵的對話。

《非想非非想》帶來的思想衝擊有三：第一，劇場為什麼一定要在表演廳？山谷、廟埕、田野，無處不能成劇場。從老泉里到金瓜石，「優人神鼓」選擇的表演場地，對觀眾都是挑戰與體悟。

其次，「優劇場」主張的「溯計畫」，正是向土地源頭探索血脈與文化根源的深耕動力。不管是行腳朝聖，或者重新認識傳統的太極、車鼓、高蹺、歌仔戲或儺戲，都讓劇場人得到從土地反饋回來的新塑、再生的力量。

第三，流動難免，黏著更好。優劇場到優人神鼓，團員來來去去，帶來撞擊，帶走耕耘都是文化種子。

2019年的一場大火，更讓劇團面對浴火重生的淬煉與試煉，看見團員不分男女走出廢墟，展翅再飛的堅定眼神與肢體。你一定能明白劉若瑀面對紀錄片，回首來時路的激動、啜泣與無法言語的內心澎湃。

陳懷恩的《非想非非想》其實是一款邀請：電影中的美麗鏡頭有特殊磁力，搭配鼓聲樂音、襯映肌力線條的展示，吸引著你去擁抱這群無視紅塵擾攘，以「非想」之心進行「非非想」的劇場演出。