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日舞：從勞勃瑞福說起

「我喜歡滑雪，我喜歡電影，如果能兼顧這兩者，那是多美好的事？」美國影星勞勃．瑞福（Robert Redford）回憶自己創辦日舞影展（Sundance Film Festival）的初心時， 曾經如此祈願。45年後，他的美好心願不但成真，日舞影展更已成為獨立電影工作者的聖堂。

故事要從1950年代末期講起，才剛在紐約百老匯劇場初試啼聲的勞勃．瑞福第一次來到猶它州旅遊，穿過普洛佛峽谷（Provo Canyon）時立刻就被純淨扶疏林木與山河倒影給吸引，「哇！」是他當下對自然之美的驚歎與禮讚，如今他持續努力讓每位初訪日舞聚落的朋友們也都能感受到「哇！」的驚豔！

1961年，正在進軍電視的勞勃．瑞福有了點積蓄，先以500美元買了兩畝地，給家人安置一個小窩，讓大家都可以徜徉在大自然之間，閒暇時可以一起去鑽探自然之美，「我想的是保護它，而非開發它。」熱愛滑雪的他每年都不忘帶著家人去峽谷上的Timp Haven Ski Resort滑雪。

1969年他已經與珍．芳達（Jane Fonda）合演《裸足佳偶（Barefoot in the Park (1967)）》成為票房紅星，又與保羅紐曼（Paul Newman）合作《虎豹小霸王（Butch Cassidy and the Sundance Kid (1969)）》躍升天王巨星，更讓電影中這位「Sundance Kid（日舞小子）」與他連上等號。有名有錢但不忘初衷，這回斥資買下四千acre畝地，其中也包括了他喜愛的「Timp Haven滑雪勝地」改名成為「Sundance Resort」。

僅管他力求保持當地原貌，讓他和家人都可以徜徉山林之中，但要維持基本營運還是得大費周章，要「活化」又不要過度開發「Sundance Resort」，於是「我喜歡滑雪，我喜歡電影，如果能兼顧這兩者，那是多美好的事？」的念頭再次閃過心頭，想出舉辦日舞影展的點子。

1979年11月，勞勃．瑞福剛執導完自己的第一部導演作品《凡夫俗子（Ordinary People）》，完全不知道日後會贏得奧斯卡最佳影片大獎，但對電影創作已經自有想法的他，邀集了一群電影界夥伴，來到Sundance Resort參加為期三天的電影工作會議，事先言明不穿禮服，沒有香檳紅酒，沒有影展的各種繁文褥節，他堅持自己不是「主辦」，只是拋磚引玉想聆聽大家對好萊塢現狀的意見。但是會議中大家都聽見了他對美國電影現況的把脈診斷：他看到很多有才氣的年輕人被大製片廠擋棄羞辱，女性和非白人工作者也很難有出頭天，他希望能夠幫助這些人的夢想能夠實踐，以「獨立」精神突破困境，讓不見容於主流產業的想法與方法都能在有心人的協力下完成，讓世界看見他們。他願意提供Sundance Resort部份場地協助年輕人，「希望這個場地能夠創造出一些新的可能性。」

說到做到的勞勃．瑞福第二年就成立了「日舞學社（The Sundance Institute）」，接著在1981的六月舉辦了日舞電影工作坊，而且把滑雪勝地的部份房舍整理改成可以開會、剪接和拍片的空間先是徵選了七個年輕創作者的劇本企畫案，透過自己的人脈他廣邀業界大老來到猶它就個案進行審視，為了說服這些朋友出席，他講出了一句最動人的台詞：「給我一點時間，給他們一點時間，讓他們做到沒想到能做成的事。」這些前輩只要聆聽，再從寫作、剪輯、編導和募資等各項實務操作提供專業建議，最後「創造一個可以讓年輕人發表自己作品的平台，讓他們的作品更成熟，技術更精進。」

日舞電影工作坊第一年只有四百人參加，打著勞勃．瑞福旗號，前輩專家給足面子慎重其事，年輕小夥子也能帶著腳本或毛片秀給大家看，接受批評與建議，你可以想見年輕人當年能與超級巨星如保羅．紐曼或華特．馬修（Walter Mathew）等巨星或者大導演薛尼．波拉克（Sydney Pollack）近距離喝著啤酒聊電影，聽他們從電影製作理念與實務指點迷津，甚至指導一二絕活時，現場會是多歡樂的爸氣氛。

勞勃．瑞福不是第一個關心獨立製片的電影人，早在1971年特立獨行的名導演Robert Altman與Alan Pakula等人也曾聲援剛創立的「美國影展（United States Film Festival）」希望能為非主流的獨立影人和製片略盡心力，可惜影展欠缺有力主導，策略方向又一變再變，深陷財務危機，「日舞學社」於是接下棒子。找專業人士規畫經營，更因多位年輕導演陸續從日舞影展打響名號，不但在坎城或奧斯卡獎大賽中拿下首獎，更在發行市場上大有斬獲，使得日舞影展規模從初期的六人小組一路發展到224位專職人員的大型影展，參展人數也從最初的400人增加到13萬8千人（另外還有28萬5人次的網路瀏覽），無數星探和發行商每年來此尋訪新秀，找尋可以一鳴驚人創下票房奇蹟的新電影，這些現象都使得日舞更已擠下柏林，成為排名僅次於坎城與威尼斯影展的第三大影展。

先有日舞小子的傳奇，才有了勞勃．瑞福。但也是因為勞勃．瑞福對日舞小子的詮釋深得人心，這個外號才一直跟隨著他，讓他功成名就，可以放手去追逐自己的夢想。飲水思源，他把日舞名號發揚光大，從滑雪勝地變成影展，變成年輕電影人的夢想搖籃。他知道自己的明星光環很耀眼，他更清楚日舞影展如影隨形，一輩子切割不了。

雖然一開始他就強調自己不是主辦人，也從不居功，而是充份授權專業菁英秉持獨立製片的精神，一路開發各項電影主題企畫，擴大影展分母，吸引百花齊放，甚至放眼亞洲。他更善用明星光環，樂於扮演日舞大使，拍攝各式宣導片，接受各個媒體訪問，細說他對猶它州的山水之愛，分享他醉心的電影夢想，他的側面迂迴策略以及無人能比的熱情，讓最初要打造一個「新」且「可能」的平台給年輕人的祈願，踏踏實實落腳在這塊人間淨土上。

「我來自一個說故事的家庭，我的工作和事業都和說故事相關，希望大家都能來日舞說出自己的故事。」勞勃．瑞福身體力行，花了四十五年時間在他的日舞家鄉拍出了一部「日舞傳奇」電影，那是平地起高樓的獨立製片故事，那也是他自己做了一個大夢，也如願圓夢的傳奇，他把掌聲與歡呼聲全部回向給那些透過日舞影展成名的創作者，「原初只是想創造一個我嚮往的願景，後來發現很多人也有相似願景，於是個人的vision轉成眾人的vision！」勞勃．瑞福謙虛說：「看見有人成功就是最好的回報了！」

日舞：如何評估影展重量

如何衡量或定義一個影展的影響力？

Rich and Famous?有些人這樣相信，也追求這般成果。

其實，時間與記憶才是更重要的解讀參數。影響力不在票房，而在記憶。必有迴響的那款念念不忘。

當激情散去，熱潮趨冷，還能有餘韻在心田、在唇齒間發酵，還有一些不會忘記的名字或片段，沒被時間遺忘，沒被記憶淘汰。應該就是有影響力的影展了。

日舞影展在 2024年開列出一張由電影工作者團體選出來的歷來十大電影片單，片名你我都熟，導演更是如今都赫赫有名的大咖。當年，他們都是從日舞出發，日舞平台墊高了他們，他們佐證了日舞是個能激發影響力的影展。

這十部重要電影依序是：

10. 《血迷宮（ Blood Simple）》(1985)，導演是Joel and Ethan Coen，俗稱柯恩兄弟、也是後來的得獎專家，日舞讓好萊塢看見他們，他們也沒讓觀眾和投資人失望。

9.《你他媽的也是（Y tu mamá también）》(2002) ，導演是Alfonso Cuarón，那股膠卷包覆不了的野性活力，對照後來「淡極使之花更艷」的《羅馬（Roma）》，日舞見證了一位大導演的誕生。

8.《年少時代（ Boyhood）》(2014), ，導演是Richard Linklater，成功示範了一部電影為何一定要用十二年的時間來完成，紀錄片可以比劇情片更真實、更震撼。

7.《愛在黎明破曉時（ Before Sunrise）》(1995)，導演還是Richard Linklater，他清楚告訴好萊塢大亨，即使全片只有兩位演員，即使從頭到尾講話講個不停，依然可以釋放動情激素，讓觀眾買單。

6.《性·謊言·錄影帶（ sex, lies and videotape ）》(1989) ，導演Steven Soderbergh，他的崛起與成名，不但符合典型美國夢，更是日舞影展旗幟飛揚的關鍵。

5.《記憶拼圖（ Memento  ）》(2001) ，導演Christopher Nolan，從名不見經傳的小伙子到當前的當紅炸子雞，這是日舞影展引以為傲的成名方程式之一。

4.《小太陽的天空（Little Miss Sunshine）》( 2006) ，導演是Jonathan Dayton和Valerie Faris夫妻檔。他們用800萬美金拍成電影，在日舞首映後，創下最高版權交易紀錄，商業票房破億，甚至獲得奧斯卡獎最佳影片等四項提名，最後拿下編劇和男配角獎，也是日舞名利雙收的典範。

3.《殺出絕命鎮（Get Out）》 (2017)，導演Jordan Peele。透過黑人觀點重新定義「美國」，擴大「美國」的視野與內涵，讓非主流搖身一變成主流，日舞就是關鍵推手。

2.《霸道橫行（ Reservoir Dogs）》(1992) ，導演Quentin Tarantino。從錄影帶店員修煉成電影導演，日舞導師群的批評與指點，不管是作用力或反作用力，都是能量，這也是日舞影展吸引年輕新手的成名方程式之二。

1.《進擊的鼓手（ Whiplash）》(2014) ，導演Damien Chazelle。從鼓手晉級到音樂歌舞片，再以《樂來樂愛你（La La Land)》拿下奧斯卡大獎，日舞平台的彈跳能量，再次寫下讓人心嚮往之的傳奇。

每部電影與導演都有自己的故事與命運，日舞影展從1981年出發，靠著創辦人Robert Redford的名氣與人脈，逐步有了號召力，真要揚名立萬，終究得看日舞到底開創了什麼傳奇？不但是將不可能變成可能，還要成為一種現象，一股風潮！上述十部電影大致就勾勒了日舞傳奇的諸多方位。

1989年冷冷的一月天裡，默默無聞的史蒂芬．索德柏（Steven Soderbergh）帶著他用一百萬元美金拍攝完成的《性．謊言．錄影帶（Sex, Lies, and Videotape）》來到日舞影展，在短暫的開場介紹後，面對著戲院裡半數都還是空位的少數觀眾說：「如果你們有興趣來談發行，映後我都會在。」姿態謙卑，因為真的不知道有多少人會喜歡這部低成本電影。

來到日舞之前，26歲的索德柏曾經在綜藝節目裡高舉提詞卡的工作，也拍過搖滾樂團Yes的演出紀錄片，對第一部劇情片《性．謊言．錄影帶》沒有太大的期待，老覺得應該沒有發行商會感興趣，最後可能只是到錄影帶租售店站衛兵。畢竟日舞影展的放映戲院也很陽春，大小只像是一般自助餐廳，座椅還是可以移動的折疊椅。影展格局小，他的夢想也不大。

「對我而言，日舞影展那幾天等於就是迷你版的『震撼世界的十天』。」索德柏這席話引用了美國名記者John Reed在1918年深入俄國聖彼得堡，見證共產黨推翻沙皇的十月革命所寫下的報導文學名著「Ten Days That Shook the World」。因為電影口碑越傳越好，從最初的半數空位，後來場場爆滿，有人還自願站票都還擠不進來。

接下來的五月天，《性．謊言．錄影帶》入選坎城影展，摘下了最高榮譽金棕櫚獎，第二年《性．謊言．錄影帶》獲得了美國奧斯卡獎最佳編劇提名。Steven Soderbergh一夕成名，電影賣座極佳。十年後更以《天人交戰（Traffic）》拿下奧斯卡最佳導演獎（甚至擊敗了《臥虎藏龍》的李安）。《性．謊言．錄影帶》最重要的成就之一就是讓日舞影展的知名度和關注度倍增，美國綜藝報的形容是：日舞影展從成躍登地圖。

《性．謊言．錄影帶》成名三年後，已經從錄影帶租售店店員升格到電影編劇，寫下《閃靈殺手（Nature Born Killer）》劇本，拿到一筆好萊塢編劇費用的昆丁．塔倫提莫（Quentin Tarantino）也帶著他的《霸道橫行（The Reservoir Dog）》來到日舞。

「這是我第一次覺得有人很認真在看待我的作品。」昆丁說：「你完全不敢相信想有這麼多專業的前輩，懷抱著『利他』主義」精神，就是想來幫助我。」昆丁想用長拍鏡頭處理《霸道橫行》，究竟可不可行？怎麼拍最好？他來日舞就是想取經，想聽專家指點，沒想到前輩意見出乎他預期。

有人質疑他難道不知道電影可以透過剪接呈現？「你真要這樣拍，一定會被人踹屁股。」有人建議他劇本要再往下挖，找出兩位主角更深層的心理動機，角色才會更有深度，更立體。「確實，這些批評與建議都很嚴苛與犀利，讓我看見不同風景。」他知道自己是菜鳥，《霸道橫行》之前，他花了三年時間，就是完成不了自己的第一部長片《My Best Friend’s Birthday》，日舞群師的建議歸建議，終究沒能改變他的堅持。

昆丁在日舞期間最大收穫是遇見名導演Terry Gilliam，他看過昆丁完成的「試拍（demo)」短片後，對昆丁大膽又不安份的運鏡手法，印象深刻，但又覺得雖然到處有靈光，卻是章法散亂，東一處，西一處，顯得支離破碎，亟待重組，於是耳提面命，給了很多指點，最重要的是他的一席話從此讓昆丁安了心：「導演不需要懂得所有技術細節，得用什麼樣鏡頭？選什麼材質衣料？……導演只要找到對的人，清楚明白告訴他想要達到什麼意境與結果，對的人就會幫你搞定一切。」導演負責動腦，而且清楚自己要什麼，其他專業交給專家執行，昆丁多年後坦承，有了這樣開示，從此就專心一意地去說好想說的故事。

「日舞就是這麼一個奇妙的地方，可以幫助有潛力，有想法的年輕人找到實現夢想的機會。」Terry Guilliam如是說。提供一個平台，一次機會，在大家幫忙下，讓主流體系忽略或者不支持的年輕人來追夢、圓夢。正是Robert Redford創設日舞影展的初衷。