阿嬤的夢中情人：電影

北村豐晴與蕭力修執導的《阿嬤的夢中情人》，碰觸了台灣60年代的台語電影創作時空，堪稱是台灣電影人回頭審視電影文化長河的深情回眸，既用心又用力，但也同時暴露了太過媚俗的執行困境。

從電影的觀點來檢視《阿嬤的夢中情人》，首先得面對的是台語片的定位問題，從1955年到1981年，台語電影共只存在26年，雖然曾經年產百部，風光一時，終究還是退出市場，編導要用什麼方式向台語電影致敬呢？或者點出終究不合時宜的關鍵？其次，電影中還有電影，藉著「影中影」來豐富主題，是許多「後設電影」再三致意的雕琢功力，《阿嬤》能新創風格，還是只能東施效顰？

1960年代之前，台灣欠缺影棚或電影城的概念與規模，台語片圖風景和房間便利，集中在台北市北投拍攝，《阿嬤》意圖重建那個年代的風華，卻只能單線出擊，顯現以廖峻為首的蕭智高（囂豬哥的諧音）製片團隊，只有脫線飾演的李導一人，只有藍正龍飾演的劉奇生一位編劇，只有王柏傑和天心飾演的紅星萬寶龍與金月鳳兩人，這樣的規模，可以讓人想見台語電影的黃金盛世嗎？可以想見台灣有個好萊塢的美好昨天嗎？《阿嬤》做不到《萬花嬉春》的換景規模，至少也要有深作欣二《蒲田進行曲》或山田洋次《電影天地》的企圖（至少有兩組團隊在拍片）吧？單片作業的製片局限，讓《阿嬤》失去了觀照了那個年代的視野。

不過，《阿嬤》對於台語電影的一些細節呈現，倒也有著幾分春秋之筆，點出了台語電影的興衰關鍵。例如，在拍片現場不時打瞌睡的導演，渾然不知攝影機發生什麼情況，一旦驚醒只會喊「卡」的搞笑橋段，實質已說明了「品管」蕩然的事實；例如007電影賣座，旋即跟進拍攝《七號間諜》；日本有怪獸電影，台灣也能橘枳不分，如數搬演；例如演員不會唸詞，沒關係，只要臉蛋夠俊，嘴上唸著一二三四五六七，最後交給配音員來唸詞，一樣可以矇混過關；例如在沒有動畫，還習慣舞台景片和服裝的年代下，土法煉鋼，一樣可以創造類似《綠野仙蹤（the Wizard of Oz）》般的擬人獸裝戲；至於每天把劇作家關在房間裡，壓榨出天馬行空的奇想劇本，或者跳水戲沒有任何安全防護......都是透過諧謔手法，重現了那些年，創作者雜抄百家，崑亂不擋的拼裝歷程。

媚俗是值得商業電影創作者再三玩味，卻未必能得箇中三味的技法，《阿嬤》編導確實花了不少功夫，從碩果僅存的台語電影中擷取博君一粲的吉光片羽，確實是慧眼獨具的媚俗選擇（從全片進入片尾字幕時，插入「原版」台語片的經典對話片段，頓時滿座喝采的歡聲雷動，就可印証），畢竟在還沒有人發明「kuso」一詞時，在周星馳的無厘頭語言尚未蔚為風氣之前，台語電影的能夠寫出：

「夏天太陽幾點升起？」

「五點四十。」

「冬天太陽幾點升起？」

「六點二十。」之類的諜報員通關密碼暗號，確實前衛到讓人哭笑不得（以今日眼光來看，則是笑點十足的古典趣味了），但是有了原版對照今版，香火傳承的意味也就昭然可鑒了。

只不過，向台語電影致敬，光是譁眾，會不會太簡單了些？台語電影曾經讓人動容動心的懷念片段，該用什麼方式呈現呢？《阿嬤》只取其輕，未見其重，毋寧是相當可惜的閃身而過。

《蒲田進行曲》與《電影天地》同樣是向電影致敬的名作，同樣都採用了「影中影」的手法來表達電影世界，可以虛實難辨，卻又虛實合一，讓人一往情深的魅力，《阿嬤》以電影放映會做為回顧往日情的處理手法，其實是有著「一切源自電影，一切又再回歸電影」的深情凝視，但是少了「影中影」的錯覺，少了恍然大悟的癡極喜極的震撼，難免讓人若有所憾。